Die 21 besten Horrorfilme der 1970er Jahre: Rückblick auf eines der besten Jahrzehnte des Horrors

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Lassen Sie uns auf die Verlegenheit des Reichtums zurückblicken, die das Horrorkino der 70er Jahre war.

Die 1970er Jahre sind wohl das fruchtbarste und durchweg exzellenteste Jahrzehnt für das Horrorkino. Natürlich könnte dieses Argument darin bestehen, diesen Zeitraum für das gesamte Kino zu verlängern, und vielleicht war dies der Grund, warum die 70er Jahre den Nährboden für so viele der größten Autoren des Genres, dauerhafte Franchise-Unternehmen und einzigartige gruselige Kreationen darstellten, die den Kurs veränderten und definierten von Horrorfilmen zu einem Track, auf dem sie bis heute bleiben. Aber wenn es eine Zeit der filmischen Revolution war, war es auch eine Zeit des kulturellen Umbruchs.

Es war eine Zeit, in der sich die Mentalität in Amerika durch den Optimismus der freien Liebe der 60er Jahre erheblich verdunkelte. An seiner Stelle entstand ein harter Realitätssinn. Die Schrecken des Vietnamkrieges waren in die nationale Atmosphäre eingedrungen, sowohl in den Häusern der Millionen von Männern und Frauen, die gedient hatten, als auch in großem Umfang, wo das grausame Filmmaterial des Krieges ständig über die Funkwellen ausgestrahlt wurde. Die rassistischen Spannungen waren als Reaktion auf die überfällige soziale Revolution der Bürgerrechtsbewegung auf einem Höhepunkt. Nixon, Watergate, steigende Kriminalitätsraten… Amerikanische Kinogänger waren täglich Terror und Streit im wirklichen Leben ausgesetzt und wurden daher nicht mehr von gotischen Bildern, klassischen Monstern oder Charakterporträts der Beschädigten und Wahnsinnigen zum Terror bewegt. Gleichzeitig öffneten die amerikanischen Zensoren die Schleusen gewalttätiger Bilder, was zu einer aufkommenden Ästhetik von Realismus und blutiger viszeraler Gewalt führte, die bis auf die Knochen ging.

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Aber Amerika war nicht die einzige Nation, die experimentierte und ihr Horrorvokabular erweiterte. Auch in Übersee erreichte Europa mit seinem Genre-Output neue filmische Höhen. Am bekanntesten war vielleicht, dass der grausame Nervenkitzel und die dicht gedrängten Geheimnisse der italienischen Giallo-Bewegung auf einem Höhepunkt waren. In Großbritannien lieferte Hammer im letzten Jahrzehnt der Massenproduktion des Studios weiterhin einen stetigen Strom monströser Wirbelsäulen-Kribbeln, während kleinere, esoterischere Gerichte auch den Weg zum Publikum fanden. Auch Spanien hatte eine außergewöhnliche Horrorbewegung, obwohl es in der ersten Hälfte eines Jahrzehnts immer noch unter der Herrschaft eines faschistischen Diktators stand.

Grundsätzlich werden Sie überall in den 1970er Jahren legendäre Regisseure, Filmbewegungen in vollem Gange und erstklassige Horrorfilme in Hülle und Fülle gebären, wenn eine Generation von Filmemachern die Grenzen des Genres überschreitet und erweitert. Durch die Erforschung der endlosen Permutationen der Subgenre-Allegorie nutzten diese Filmemacher die unbegrenzten Möglichkeiten zur Selbsterkundung, zu sozialen Kommentaren und zu guten altmodischen Meditationen über Sterblichkeit und den menschlichen Zustand. Und sie bedeckten alles mit Blut, Schmutz und Eingeweiden.

Schauen Sie sich 21 der absolut besten aus einem brillanten Jahrzehnt unten an, und für weitere Listen lesen Sie unseren Überblick über die beste Horrorfilme der 80er Jahre und der 90er Jahre .

Das Texas Chainsaw Massacre (1974)

Tobe Hooper Der zweite Spielfilm im zweiten Jahr ist eine brillant stumpfe Dekonstruktion der menschlichen Sterblichkeit, die uns dazu zwingt, uns der Realität zu stellen, dass wir alles andere als Fleisch und Knochen sind, die auf den unvermeidlichen Moment zusteuern, in dem wir aufhören, alles andere als eine zerfallende Leiche zu sein. Es ist brutal und einfach, und diese rücksichtslose Effizienz macht es bis heute zu einer so anstrengenden, nervenden Uhr. Was ist mehr, Das Texas Kettensägenmassaker schwelgt in der Realität, dass der Tod kein Mitgefühl hat, es ist ihm egal, wer du bist - festgeschnallt und stark, jung und schön, gutmütig, freundlich, schwach, sanftmütig, fähig oder behindert - der Tod kommt für uns alle.

Das Setup ist einfach und alles im Titel, eine Gruppe guter Kinder macht einen Umweg in Texas, wo sie einzeln massakriert werden, manchmal mit einer Kettensäge. Es ist ein genre-definierender Einstieg in den Horror der Hinterwälder, ein unerbittlicher Ansturm der Metzgerei, der Vorschlaghämmer und Fleischhaken und natürlich Kettensägen als Werkzeuge für schreckliche Gewalt und Verderbtheit hervorruft. Es ist fast zu hässlich und zu effektiv, um jemals wirklich 'genossen' zu werden, ein bisschen wie angesichts des Worst-Case-Szenarios zu starren, das den inhärenten Todesängsten der Menschheit zugrunde liegt, aber es ist eine unbestreitbare Errungenschaft des Horror-Genres, das bei solchen Angst hervorruft Wirksamkeit und Aggression, dass es eine unalterliche Wirksamkeit besitzt.

Schau jetzt nicht hin (1973)

Nicolas Roeg 's Schau jetzt nicht hin ist einer der emotional verheerendsten, eindringlichsten und sinnlichsten Horrorfilme, die jemals dem Film gewidmet wurden, und er ist ungefähr so ​​edel wie Horror nur sein kann. Eine Meditation über Trauer, Verlust und Sterblichkeit basierend auf dem literarischen Stammbaum von Daphne Du Maurier , Schau jetzt nicht hin vereint die verblüffenden Talente von Donald Sutherland und Julie Christie in der Geschichte eines Ehepaares, das in der Hoffnung auf Heilung nach dem tragischen Tod seiner kleinen Tochter nach Venedig zieht. Aber sobald sie ankommen, begegnen sie einem älteren Hellseher, der vor einem weiteren tragischen Verlust warnt, den sie anscheinend nicht vermeiden können.

Trauer hat eine Qualität, die alles im Leben betont. Jeder Atemzug, jeder Schlag, sogar die Stille wird in einer Welt verstärkt, die irgendwie durch die Feuer des Leidens neu beleuchtet und neu geworfen zu werden scheint. Schau jetzt nicht hin zieht eine unglaublich seltene Leistung, indem sie diese verzweifelte Unmittelbarkeit einfängt. Dann quält es Sie durch einen fast unbewussten Schreck, der sich entfaltet, während der Film Gegenwart, Zukunft und Vergangenheit miteinander verbindet, um Parallelität und Misstrauen gegenüber dem Bestimmten in einer qualvollen Neigung zum Übernatürlichen hervorzurufen. Roeg verwendet visuelle Metaphern und subtile Andeutungen eines bevorstehenden Untergangs, um den Betrachter in die Tiefen der Schuld und Verzweiflung zu ziehen, eine unwahrscheinliche, aber nahtlose Verbindung zwischen starkem häuslichem Drama und übernatürlichen Ängsten herzustellen und die Teile schließlich zusammenzufügen, bis sie ein Bild von Seelengefühl bilden herzzerreißender Schrecken.

Alien (1979)

Ridley Scott Der sexuell aufgeladene Gothic-Horror im Weltraum ist ein perfekter Science-Fiction-Film. Und ein perfekter Horrorfilm. Und zum Teufel, ich sage es, nur ein perfekter Film. Scott nimmt die Grundgeschichte der Besatzung der Nostromo, einer unglückseligen Weltraumexpedition, auf, als sie auf das tödlichste Raubtier der Galaxis stößt, die H.R. Giger entwarf Xenomorph und verleiht ihm hypergewalttätige Manifestationen von Bildern, die sexuelle Verletzungen, die biologischen Gefahren von Schwangerschaft und Geburt sowie alle Arten von sexueller Angst hervorrufen.

Ian Holm Der geheime Cyborg Ash, der selbst technologische Schrecken birgt, beschreibt den Xenomorph als 'perfekten Organismus'. Seine strukturelle Perfektion wird nur von seiner Feindseligkeit übertroffen. “ Das Gleiche gilt für Scotts Film, bei dem es sich um eine Übung in reinem Terror handelt, die so speziell mit der Absicht gestaltet wurde, Angst hervorzurufen, dass jede Schicht der Filmkonstruktion auf dieses festgelegte Ziel hin funktioniert. Gigers ästhetisch schöne, aber von Natur aus verstörende Designs, Und O'Bannon Das fachmännische Drehbuch, die naturalistischen und perfekt abgestimmten Darbietungen der Besetzung (angeführt von einer karrierebestimmenden Wendung von) Sigourney Weaver ) und Scotts Gabe, Spannung und Angst aus jedem Moment zwischen den sich ständig weiterentwickelnden Auftritten des Xenomorphs herauszuholen - jedes einzelne Element des Films arbeitet zusammen, um das Publikum weiter in seine Angst zu treiben. Und jedes Mal, wenn der außerirdische Killer auf dem Bildschirm auftaucht, taumelt oder huscht, schneidet seine Anwesenheit wie ein Messer und verwandelt den anhaltenden Schmerz des Unbehagens in einen akuten, durchdringenden Terror.

Der Mieter (1976)

Es ist vielleicht nicht überraschend, dass ein Filmemacher so erstaunlich gelitten hat wie Römischer Polanski (und seine eigene unverzeihliche Sünde bei der zugegebenen Vergewaltigung eines 14-jährigen Mädchens begangen hat) ist am besten in der Lage, den schlüpfrigen menschlichen Einfluss auf die Identität und den furchterregenden sensorischen Angriff des Wahnsinns zu beschwören. Zum Der Mieter Polanski wirft sich als Trelkovsky vor, ein sanfter Mann, der in die Wohnung zieht, in der eine Frau, Simone, kürzlich einen Selbstmordversuch unternommen hat. Trelkovsky ist fasziniert von dem, was sie dazu bewogen hat, sich das Leben zu nehmen, und verfehlt den zinsbullischen Anpassungsdruck der Gesellschaft. Er rutscht langsam in den Wahnsinn, als er sich zu intensiv mit Simone identifiziert und sein Selbstbewusstsein verliert.

Ich bin ehrlich, es war schwierig für mich, Polanski auf diese Liste zu setzen, ein einziger Eintrag im regulären Kampf um die Trennung der Kunst vom Künstler, aber es fühlte sich unaufrichtig an, sie wegzulassen. Der Mieter wurde beim Debüt mit gemischter kritischer Resonanz aufgenommen (Ebert berühmt) gehasst es), aber wie so oft hat die Wahrheit der Zeit gezeigt, dass es ein unaufhaltsamer Klassiker der Paranoia und der schrecklichen Gefahr ist, sich selbst angesichts des ständigen Konformitätsdrucks fremd zu werden. Während Trelkovskys Verständnis für die Realität nachlässt, fertigt Polanski eine Reihe beunruhigender Bilder an, die Sie mit sich ziehen und Ihren Verstand durcheinander bringen, während sie Sie in der fein gearbeiteten alptraumhaften Ästhetik begraben. Der Mieter fühlt einen gemeinsamen Fiebertraum zwischen Edgar Allen Poe und Franz Kafka und ist vielleicht Polanskis verstörendster Film.

Schwarze Weihnachten (1974)

Vor Bob Clark machte Weihnachten mit 1983 wundersam Eine Weihnachtsgeschichte machte er es mit seinem Horror-Klassiker von 1974 furchterregend Schwarze Weihnachten . Oft als erster Slasher-Film falsch zugeordnet (das finden Sie an anderer Stelle auf dieser Liste), aber korrekt als einer der besten seiner Art zugeordnet, Schwarze Weihnachten ist edel und subtil, aber eine akut wirksame Übung in Spannung. Die Filmstars Olivia Hussey und Margot Kidder als zwei Schwestern in einem Schwesternschaftshaus, das von missbräuchlichen, pornografischen Telefonanrufen eines Raubtiers mit kratziger Stimme belagert wird, das sich entfaltet, während ein Krimi auf ein Haus des Schreckens trifft. Wenn die obszönen Telefonanrufe zu Mord eskalieren, führt Clark die Gewalt mit einer zurückhaltenden Hand aus und lässt seine effektiven Bilder das schwere Heben mit einem gelegentlichen frechen Genuss in den Feiertagsfallen tun - der Favorit ist, wenn eine Bande von Weihnachtsliedern die Geräusche von übertönt Kidder's Tod durch Ornament.

Schwarzes Christma s ist auch einer der seltenen Slashers, die ihre Opfer mit völligem Respekt behandeln, sie niemals offen sexualisieren und sie niemals für ihre vermutete Sexualität bestrafen. Tatsächlich ist Husseys 'letztes Mädchen' nicht nur offen sexuell aktiv, sie kämpft auch mit ihrer Entscheidung, eine Abtreibung vorzunehmen. Und sie wird nie dafür bestraft. Ebenso ist Kidder's Charakter liebenswert, obwohl er betrunken ist. Zur Hölle, sogar die Hausmutter bekommt eine Persönlichkeit. Vom Konzept zur Ausführung, Schwarze Weihnachten ist einer der würdigsten Einträge im Slasher-Genre, der eher für Erwachsene gedacht ist, die Nervenkitzel suchen, als für Teenager, die Perversität suchen.

Morgendämmerung der Toten (1978)

Morgendämmerung der Toten ist vielleicht der größte Zombiefilm aller Zeiten, obwohl er in hartem Wettbewerb mit seinem Vorgänger steht Nacht der lebenden Toten , das atemberaubende Spielfilmdebüt mit dem George Romero im Alleingang den modernen Zombie-Film erfunden, wie wir ihn kennen. Für seine Fortsetzung wich Romero der Versuchung aus, vertrautes Territorium zu überarbeiten (eine Qualität, die er für jeden seiner nachfolgenden 'of the dead' -Filme beibehalten würde, selbst wenn sie zu einer Reihe von sinkenden Renditen werden), und ließ die intimen Grenzen eines Hauses für die Ausgedehnte (aber immer noch begrenzte) Bereiche eines Einkaufszentrums und Tauschen seiner Schwarz-Weiß-Trostlosigkeit gegen eine verspielte, farbgesättigte Palette.

Morgendämmerung der Toten ist in jeder Hinsicht eine Horror-Fortsetzung, größer und blutiger, aber es hält an Romeros Engagement fest, soziale Kommentare aufzuspießen, diesmal gegen den amerikanischen Konsumismus. Es ist auch randvoll mit Romeros geschicktem Auge für viszerale Gewalt, die mit erstklassigen Old-School-Gore-Effekten von gerendert wird Tom Savini , der legendäre Handwerker des Gemetzels, der seine Erfahrung als Kampffotograf in Vietnam in eine Karriere einfloss, in der er seit Generationen Albträume auf dem Bildschirm schuf. Wie in Romeros großartigem Werk (und dem besten Horror im Allgemeinen) fungiert das Blutvergießen als Hintergrund für ein überzeugendes Charakterdrama, während die Gruppe von Fremden, die im verlassenen Einkaufskomplex Zuflucht suchen, im Laufe des Monats mit zunehmenden zwischenmenschlichen Konflikten fertig wird sicherer Hafen vor einer verrückten apokalyptischen Welt. Romero lenkt alles mit Witz und Empathie und einem unerschütterlich abgestimmten Auge, wann der nächste große Schrecken fallen soll.

Der Wicker Man (1973)

Robin Hardy begann seine seltene und ungewöhnlich spärliche Regiekarriere (er drehte im Laufe von 45 Jahren drei Filme) mit seinem Magnum Opus. The Wicker Man . Aber hey, wenn Sie einen Film so außergewöhnlich gemacht haben, wäre vielleicht noch mehr gierig. The Wicker Man schleicht sich an dich heran. Es ist subtil und verführerisch, und seine bösen Geheimnisse werden mit fachmännischer Geduld gelüftet, aber wenn es am endgültigen Ziel landet, werden Sie sich zu einem Ball zusammengerollt, der eine schwelende Krankheit in der Magengrube hat.

Im Mittelpunkt stand die Untersuchung des Verschwindens eines jungen Mädchens. The Wicker Man folgt Edward Woodward Seargeant Howie in ein abgelegenes schottisches Inseldorf, in dem niemand Antworten anbietet und die Hinweise nie zusammenpassen. Ein Großteil des Films spielt überhaupt nicht als Horror, sondern als eine Art fröhliche, vage unheimliche Reise in eine eigenartige Gesellschaft, in der heidnische Rituale unter der wohlwollenden Führung des Inselherrschers Lord Summersisle (eine perfekt genutzte) oberste Priorität haben Christopher Lee ). Anthony Schaffer 's Drehbuch ist eine unglaublich kluge Umkehrung der Erwartung, und Hardy nährt die langsam kochende Spannung für sich, indem sie vorsichtig Hinweise auf das Böse austeilt, das sich hinter dem Kunstgriff des volkstümlichen, von Blumen gekrönten Charms versteckt. Sobald das Rätsel gelöst ist, wünscht du dir, es wäre nicht so gewesen. Sieh dir die vorherbestimmte Horrorshow an, als du neben dem Helden hilflos geworden bist und nicht in der Lage bist, das Schicksal zu stoppen. The Wicker Man greift und verfolgt; eine völlig ungewöhnliche Wendung des Terrors

Jaws (1975)

Gutgeschrieben mit der Erfindung des Sommer-Blockbusters, Stephen Spielberg 's Kiefer ist nicht nur ein Riese des Grauens, sondern des Kinos insgesamt und möglicherweise die größte Errungenschaft in der Verlegenheit des Reichtums, die Spielbergs Karriere darstellt. Jedes einzelne Element des Films funktioniert wie ein makelloses Uhrwerk, aber es hat eine solche Menschlichkeit, als ob diese Uhr von einem verrückten Genie im Alleingang bedient würde, das jedes Zahnrad und jeden Bolzen beherrscht. Dieses verrückte Genie ist natürlich Spielberg, der Regie führt Peter Benchley und Paul Gottlieb 's skriptgesteuerte Adaption von Benchleys Erfolgsroman mit einem makellos strukturierten Bekenntnis zur Substanz über leichte Ängste. Spielberg verlangt von seiner gesamten Besetzung enorme Leistungen, vor allem aber das führende Trio von Roy Scheider , Richard Dreyfuss , und Robert Shaw Geben Sie den Charakteren die Sorgfalt und Aufmerksamkeit, die sie verdienen, um sicherzustellen, dass das Publikum in ängstlicher Erwartung am Rand ihres Sets nach Luft schnappt, wenn unsere Helden gegen das monströse große Weiß antreten.

Kiefer ist ein bonafide Klassiker, ein dauerhaftes filmisches Abenteuer, das seine Wirkung nie verliert. Sie sagen, dass die Notwendigkeit die Mutter der Erfindung ist, und Spielberg kämpfte berühmt mit 'Bruce', dem unzuverlässigen Haikonstrukt am Set, das ihn dazu zwang, das riesige Biest neu zu bewerten und sparsam einzusetzen - eine Bewegung, die sein großes Aussehen zu einem Ass im Loch macht wenn der Film endlich das Versprechen des riesigen Urtiers erfüllt. Kiefer Sie werden in einem Moment einen Darm kaputt machen, bevor Sie diesen Mut im nächsten in unerträgliche Spannung und Entsetzen verwandeln, ein Großteil dieses inhärenten Terrors dank John Williams 'bahnbrechende Punktzahl. Ein Film über einen Riesenhai hat kein so ausgezeichnetes Geschäft, aber was Spielberg und Co. Wrest von diesem Barebone-Konzept ist ein gewaltiges Charakterdrama, in dem die spektakulär gerenderten Helden gegen den größten Antagonisten von allen, diese Hündin Mutter Natur, antreten. Und es ist ein uneingeschränkter Beweis dafür, dass Spielberg eine Naturgewalt ist, die so heftig ist wie jedes der Wunder, die Sie in seinen Filmen finden.

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Der abscheuliche Dr. Phibes (1971)

Der abscheuliche Dr. Phibes ist ein entzückender Grand Guignol-Chiller, der frechen Humor mit ruhigen Momenten magensenkenden Terrors verbindet und die unnachahmliche Horror-Ikone setzt Vincent Price in einer seiner denkwürdigsten Rollen zu arbeiten. Als Titel Dr. Phibes erschafft Price einen phänomenalen Bösewicht, der völlig verabscheuungswürdig, aber gerade sympathisch genug ist, um uns durch seine fehlgeleitete Mission der Rache zu führen. Dr. Phibes soll nach einem schrecklichen Autounfall tot sein. Er ist schrecklich entstellt und will dem Ärzteteam, das er für den Tod seiner Frau auf dem Operationstisch verantwortlich macht, mörderische Rache üben. Inspiriert von den biblischen Plagen, fügt Dr. Phibes seinen Opfern erfinderische Schrecken zu, manchmal humorvoll - siehe die Schädel-zerquetschende Maskerademaske, mit der er den 'Kopfschrumpfer' versendet (warum war ein Psychiater in einem Operationssaal, Sie?) Ich muss mir sagen) - und manchmal beunruhigend - den anhaltenden Tod durch Ausbluten zu sehen, der absolut abschreckend ist.

Mit einem Art-Deco-Schnörkel, Der abscheuliche Dr. Phibes ist anfällig für Momente von Campy Panache. Dr. Phibes führt bedrohliche Opusse an seiner hauseigenen Orgel durch, hält Monologe durch einen unbeweglichen Mund und wird immer von seinem schönen stummen Assistenten Vulnavia begleitet ( Virginia North ), der Geige als Hintergrund für Dr. Pibes 'grausame Taten spielt und sich entschlossen für Pelzmützen engagiert. Unter der Regie Robert Fuest Anleitung, Der abscheuliche Dr. Phibes schlägt einen charmanten Akkord zwischen Horror und Humor, wobei Price als perfekter Dirigent fungiert.

Das Omen (1976)

Was edle satanische Thriller angeht, Das Omen rangiert genau dort oben mit Der Exorzist und Rosemarys Baby als eines der besten des Genres, obwohl es zugegebenermaßen aufregender und weniger introspektiv ist als seine Vorgänger. Das Omen Sterne das Außergewöhnliche Gregory Peck Als amerikanischer Botschafter, der den Verdacht hegt, den Antichristen zu erziehen, bringt er jedem Projekt, das er berührt, eine inhärente Schwere bei. Pecks Talente werden hinter der Kamera von dem außergewöhnlichen Publikumsmagneten verglichen

Pecks Talente werden hinter der Kamera von dem außergewöhnlichen Publikumsmagneten verglichen Richard Donner - Ja, der Regisseur dahinter Tödliche Waffe und Übermensch machte auch einen der großen Horror-Klassiker - der ein geniales Set-Piece nach dem anderen aufruft. Das Kindermädchen, das sich fröhlich auf Damiens Geburtstagsfeier erhängt, das finstere Kind, das sich mit voller Geschwindigkeit zum Klopfen dreht, ist Mutter des Geländers im zweiten Stock, der Priester, der von einem Kirchturm aus der Höhe aufgespießt wird - jeder erfinderische Mord ist zu einem Moment der Horror-Ikonographie geworden und ihre schnelle Ausführung sorgt für einen gelehrten, spannungsgeladenen Film, der niemals nachlässt. Das Omen strebt niemals nach seelensuchender Angst, und es muss nicht sein, wenn Form und Funktion so effektiv verschmelzen, um eine so unterhaltsame, fesselnde und treibende Nervenkitzelfahrt zu schaffen.

Eine Bucht aus Blut (1971)

Einer der besten und prägendsten Regisseure des Giallo-Subgenres, Mario Bava hatte ein Jahrzehnt lang erstklassige Horror-Thriller gedreht, als er die Regie führte Eine Bucht aus Blut (abwechselnd betitelt Zucken des Todesnervs und Letztes Haus links Teil II, unter vielen anderen). Weil diese Welt ein Licht für Gerechtigkeit ist, ist sie jetzt vielleicht am besten als der Film bekannt, der den Minderwertigen stark inspiriert hat Freitag der 13 und die Entstehung des Slasher-Subgeners im Allgemeinen. Das ist nicht zu verunglimpfen Freitag der 13 , die bewundernswert kristallisierte Eine Bucht aus Blut s grellsten Elemente in ihre reinste Slasher-Form, aber wenn man es als „diesen Film, der Freitag den 13. inspirierte“ betrachtet, wird das komplexe, dreiste Krimi von Bava unterschätzt.

Im Zentrum steht eine kriegführende Gruppe von Familienmitgliedern, die bereit sind, alles zu tun, um ihr Erbe zu sichern. Eine Bucht aus Blut hält das Publikum während des gesamten Films auf dem Laufenden und stellt die Unvorhersehbarkeit der brillanten ersten Szene fest. Der Film beginnt mit dem Mord an einer alten Frau durch einen mysteriösen Mann in schwarzen Handschuhen, nur um die Erwartungen auf den Kopf zu stellen, wenn derselbe Mann sofort von einem zweiten mysteriösen Angreifer ermordet wird. Insgesamt sind fünf Mörder in Eine Bucht aus Blut , jeder so kreativ und unbarmherzig wie der andere, und Bava schafft es, ihn auf eine Weise zu orchestrieren, die niemals verwirrend ist. Es ist für jeden Fan des Slasher-Genres, den intelligenten zufälligen Paten des simpel viszeralen Genres, das darauf folgte, unverzichtbar, und es ist eine der besten Bemühungen einer legendären Stimme im italienischen Horror.

Eraserhead (1977)

David Lynch ist der unbestreitbare amtierende Champion des modernen filmischen Surrealismus und hat diesen Status mit seinem Spielfilmdebüt sofort gefestigt Radiergummi . Lynch wurde im Laufe von fünf Jahren fertiggestellt und beschrieb den Film als 'träume von dunklen und beunruhigenden Dingen 'und das ist ziemlich genau. Aber es ist eher ein Albtraum als ein Traum, und diese dunklen und beunruhigenden Dinge drehen sich in der Regel um die Angst vor Ehe, Vaterschaft und den vorab zugewiesenen Rollen der Gesellschaft, gemischt mit einer krankmachenden biologischen Paranoia. Durch Lynchs Handwerkskunst Radiergummi ist so schön wie ekelhaft, ein Schwarz-Weiß-Fiebertraum und ein sensorischer Angriff von Texturen und symphonischem Umgebungsklang.

Aber für alle Radiergummi Als technische Errungenschaft ist es ein legendäres Stück Filmemachen, weil es nie verwirrender als packend ist. WannHenry ( John Nance ) entdeckt, dass ein alter Fling zur Geburt einesWurmeidechsenartigMissbildungSein Hunger ist so endlos wie seine Schreie. Sein Leben wird in einer Reihe von Visionen und beunruhigenden Tangenten auf den Kopf gestellt, in denen jeder Genuss eine Falle für weitere Schrecken darstellt. Lynch beweist ein bemerkenswertes emotionales Kommando mit seiner Fähigkeit, Sympathie für die erbärmliche, faulige Kreatur auszudrücken, die wie ein roher Nerv und eine ständige Quelle der Aufregung im gesamten Film liegt. Radiergummi ist eine Kraft der einzigartigen Vision, bei der Lynch dientals Regisseur, Produzent, Autor,Editorund Sounddesigner undals ErgebnisEs entfaltet einzigartige Schrecken, die sich der Kategorisierung von Genres entziehen und die Entstehung einer der nervigsten und betörendsten Stimmen des Kinos ankündigen.

Zombie 2 (1979)

Zombie 2 (veröffentlicht unter dem Titel Zombie in Amerika) trägt die seltsame Unterscheidung, einen Titel mit einer '2' zu tragen, ohne tatsächlich eine erste Rate zu haben. Es wurde als Halbfolge in Rechnung gestellt George Romero 's Morgendämmerung der Toten (was betitelt wurde Zombie in Italien), aber abgesehen von spektakulären Zombie-Effekten haben die beiden tatsächlich sehr wenig gemeinsam, weder narrativ noch klanglich. Der Film folgt Anne Bowles ( Tisa Farrow ), eine junge Frau, die sich auf den Weg zu einer abgelegenen Insel macht, um ihrem kranken Vater zu helfen, ohne zu wissen, dass das Land unter einem Voodoo-Fluch steht, der die Toten wieder zum Leben erweckt.

Unter der Leitung von Giallo Maestro Lucio Fulci , Zombie 2 bringt keinen der sozialen Kommentare oder nuancierten Charakterdramen seines vermarkteten Vorgängers mit, aber was ihm an Stammbaum fehlt, macht er an stilistischem Elan und erstklassiger Zombie-Action wieder wett. Das und ein Kampf zwischen Zombie und Hai, der, wenn wir ganz ehrlich sind, das geniale Versatzstück sein kann, das gelandet ist Zombie 2 auf dieser Liste. Es ist der beste Zombiefilm, der aus Italiens herrlich fruchtbarem Horror-Goldenem Zeitalter stammt, aber trotzdem, Zombie 2 ist im Grunde Zombie-Müll. Es ist jedoch der beste Müll - ganz oben auf dem Haufen - und es bietet einige der erfinderischsten und fehlerfrei gerenderten Zombie-Versatzstücke aller Zeiten (Zombie gegen Hai ist der beste, aber nicht der einzige). Und das mit außergewöhnlichen Make-up-Effekten, die nicht nur den Test der Zeit bestehen, sondern für mein Geld auch dem sechs Jahre laufenden Zombie-Kunstkatalog entsprechen DIe laufenden Toten . Zombie 2 ist nicht tief, sondern schwimmt hervorragend im Flachwasser.

Carrie (1976)

Mit Carrie , Brian De Palma nahm einen von Stephen King Die schlanksten Geschichten haben ihm seine hochmoderne Ästhetik verliehen und ein Horror-Meisterwerk über die Gefahren des Missbrauchs geschaffen, das Ihren Magen mit dem sicheren, unvermeidlichen Wissen, dass dies alles sehr schlecht enden wird, in Knoten reißt. Während De Palmas charakteristischer Stil und seine Begabung für paranoides Unbehagen sein gruseliges Konstrukt zum Platzen bringen, baut es in den Oscar-nominierten Aufführungen von auf zwei Säulen von enormer Stärke auf Sissy Spacek als titelgebender pubertierender Telepath und Piper Laurie als ihre schrecklich fromme Mutter, die ihre Tochter zu einem Leben in ausgestoßener Einsamkeit und lähmender Naivität beschützt und gequält hat.

Wenn Carrie ihre Periode bekommt, ohne zu wissen, was passiert oder was es bedeutet, wird sie von den Mädchen in ihrem Umkleideraum der Schule brutal gemobbt, die sich in der besonderen Art von Hässlichkeit vereinen, die vom Gruppendenken herrührt, Tampons schreien und auf sie schleudern, während sie kreischt , weint und zittert nackt in den öffentlichen Duschen. Von Schuld belastet, Sue Snell ( Amy Irving ) rekrutiert ihren Freund Tommy (einen Löwenmähnen) William Katt ) Carrie zum Abschlussball zu bringen, scheint ein Traum zu werden, der sich in einen fieberhaften Albtraum verwandelt, wenn die Mobber der Schule erneut zuschlagen, grausamer als je zuvor. Als das Blut dieses Schweins ikonisch auf Carries allzu kurzlebiges Glück regnet, verurteilen sie ihre Klassenkameraden zu einem feurigen Tod, als das Trauma die volle Kraft ihrer telepathischen Fähigkeiten in einem tödlichen Wutausbruch entfesselt. Als Carrie ist Spacek exquisit, und Sie verspüren einen zarten Schmerz für das lebenslange Leiden dieses armen Mädchens - bis sie schnappt, und Sie spüren nichts als Schrecken, als sie die Welt um sich herum mit einem bug-eyed Blick und kühlender Stille in eine Höllenlandschaft verdreht . Es ist eine der besten King-Adaptionen aller Zeiten, aber es ist auch ein vollständiges Produkt von De Palmas markantem Stil und ein Beweis für die Gabe des Regisseurs, jedes Genre unter die Sonne zu nehmen und es zu einer kranken Übung in Angst zu machen.

Die Hügel haben Augen (1977)

Horrorautor Wes Craven gab mit 1972 ein überraschendes, vernichtendes Debüt Letztes Haus links (was seinen eigenen Platz auf dieser Liste verdienen würde, wenn es ungefähr zehn Einträge länger wäre), eine tiefdunkle, seelenzerstörende Erforschung der zyklischen Qual der Gewalt. Mit Die Hügel haben Augen Craven nahm seine nachgewiesene Begabung für erschütternde Darstellungen von Sadismus und fügte eine gesunde Dosis Weltbildung hinzu. Die Hügel haben Augen Erforscht unsere angeborene Angst vor dem Außenseiter und den Folgen (sowohl im übertragenen als auch im wörtlichen Sinne) einer Gesellschaft, die die von ihr geschaffenen Monster ignoriert, während Cravens Meditationen über die ätzenden Kosten gewalttätiger Aktionen fortgesetzt werden.

Folgen Sie der großen, frechen Carter-Familie auf einer Reise durch die kalifornische Offroad-Wüste , Die Hügel haben Augen stellt die semi-dysfunktionale Einheit einem vollständig dysfunktionalen Clan von Kannibalen gegenüber, der das gefährliche Terrain zu Hause nennt. Sogar jetzt, fast vierzig Jahre nach seiner Veröffentlichung, Die Hügel haben Augen bleibt wirklich beunruhigend für seine gewalttätige, aufkommende, verdammt noch mal verdammte Bereitschaft, sich auf die Kehle einzulassen, da die beiden Familien in einen Krieg verwickelt sind, in dem der Gewinner alles nimmt - zumindest alle Körperteile und die, die sie lieben schaffen es, sich festzuhalten. Es ist ein fleischiger Schockschlock von seiner besten Seite, und unter Cravens selbstbewusster Anleitung dreht jeder Verlust das Messer ein wenig tiefer mit einem kranken Anflug von Grausamkeit, der den berühmt gutherzigen Filmemacher dahinter verleugnet.

Die Brut (1979)

Für mein Geld, David Cronenberg Er, der schrecklichste Körper-Horror, erreichte erst in seinen atemberaubenden 1980er-Jahren den Höhepunkt seines Handwerks, aber im vorangegangenen Jahrzehnt lieferte er drei beunruhigende und verschlagene Horror-Freuden. Schauer , Tollwütig , und Die Brut . Es ist das letzte davon, das um die Wende des Jahrzehnts angemessen geliefert wurde, als Cronenbergs Beherrschung der physiologischen und psychologischen Schrecken wirklich auftauchte. Hier sehen wir die entstehenden Stadien der raffinierten, Science-Fiction-gebogenen Ästhetik, die Cronenberg über das grobkörnige Grindhouse-Feeling seiner frühen Filme übernehmen würde.

Der Film folgt als Kommentar zu den kalten Scheidungskosten und der erbärmlichen Ineffizienz der Psychiatrie Kunst Hindle als Frank Carveth, ein Mann, der entschlossen ist, die eigentümliche psychiatrische Behandlung seiner entfremdeten Frau aufzudecken ( Samantha Egger ) empfängt in den Händen des unorthodoxen Praktizierenden Dr. Hal Raglan (der immer willkommen ist Oliver Reed ) und seine verzweifelten Versuche, ihre Tochter zu beschützen ( Cindy Hinds ). Gleichzeitig ermorden abscheuliche kindliche Missbildungen mit Kapuze diejenigen, die der Familie am nächsten stehen. Cronenberg baut das Unbehagen in einem gleichmäßigen Tempo auf und bricht gelegentlich in schockierende Anfälle von Gewalt aus, speichert aber das Beste (sprich: am beunruhigendsten) zum Schluss in einer Enthüllung, die typisch Cronenbergian (oder Cronenbergundian, wie er es vorzieht) ist. Eine pikante Kombination aus biologischen und spirituellen Schrecken - passend für eine Geschichte über korrupte Mutterschaft - Die Brut ist ein Paradebeispiel für die eigenwilligen Schrecken, die aus einem Geist hervorgehen, der so einzigartig ist wie der von Cronenberg.

Suspiria (1977)

Dario Argento Das Meisterwerk ist ein Technicolor-Fiebertraum von verschwenderischer Gewalt und Opernproduktionsdesign, der möglicherweise die ultimative Inkarnation der Giallo-Ästhetik darstellt - reich, üppig und rasend - ein Film, den Sie so viel erleben wie sehen. Zusammen mit der erstaunlichen Leistung, die das ist Tiefrot (die in meinem Kopf um diesen Platz auf der Liste gekämpft haben), Atemlosigkeit zementierte Argento als Schutzpatron von Giallo und einen der größten Filmemacher des Horrors.

Der Film folgt einer jungen amerikanischen Balletttänzerin im Ausland an einer renommierten deutschen Tanzakademie, wo sie einen alten, finsteren Hexenzirkel aufdeckt. Atemlosigkeit ist berühmt für seine barocken, wild gewalttätigen Tötungen und Kobold 'S laute, singende Prog-Rock-Partitur. So elegant wie gewaltig es auch sein mag, es ist eine visuell und akustisch beeindruckende Reise durch ein rot-blau gefärbtes Kaninchenloch, in dem aufwendig orchestrierte Morde häufig vorkommen und verzaubertes Böses an jeder Ecke lauert.

Phantasm (1979)

Don Coscarelli war noch nie ein Filmemacher, der sich für den Safe oder das Übliche und sein Horror-Debüt entschieden hat Phantasma bleibt einer der eigenwilligsten und ungewöhnlichsten Filme in seinem Lebenslauf. Es gab nichts Vergleichbares Phantasma Als es kam und am eindrucksvollsten, abgesehen von seinen eigenen Fortsetzungen, gibt es immer noch keine. Der Film trotzt hartnäckig der Kohärenz und den konkreten Antworten und fordert den Betrachter auf, in die Traumlogik paralleler Dimensionen, dreizackiger Schädel saugender Kugeln und Angus Scrimm 's legendärer Tall Man, die bedrohliche Figur, die unsere Helden unerbittlich verfolgt.

Der Film spielt in einer Leichenhalle, die direkt aus einem Albtraum stammt (noch mehr als eine durchschnittliche Leichenhalle) und findet unser Heldentrio, die Brüder Mike ( A. Michael Baldwin ) und Jody ( Bill Thornburry ) und ihre zuverlässige Begleiterin Reggie ( Reggie Banniste r - bei aller erfinderischen Kuriosität, Phantasma war ziemlich faul, seine Charaktere zu benennen) stieß in die Domäne des Langen Mannes, wo er sie mit logischen Schrecken begrüßt und die Seelen der Toten in ein Leben nach dem Tod der Sklaverei schickt. Gemacht mit einem Schnur-Budget, Phantasma Triumphiert nicht für atemberaubende Effekte oder Spielräume, sondern für den reinen Erfindungsreichtum, der es zu einem sofortigen Kultklassiker gemacht hat. Es mag den Geist verwirren, aber es wird Sie auch über die Schulter schauen lassen, um sicherzustellen, dass der große Mann oder seine Dame in Lavendel nicht in der Nähe sind.

Der Exorzist (1973)

Der Exorzist wird von vielen als der gruseligste Film aller Zeiten angesehen. Bis heute. Als es zum ersten Mal in die Kinos kam, Das Publikum drehte sich komplett um . Es gab Berichte über Ohnmachtsanfälle und flüchtende Zuschauer, Zuschauer, die in den Gängen krank wurden, und obwohl dies normalerweise die Art von Dingen ist, die Sie für das Marketing verwenden würden, ist es für den Kontext, in dem der Film ankam, absolut glaubwürdig. weil Der Exorzist ist der dämonische Besitzfilm, der die Form bestimmt hat, selbst das hartgesottenste Publikum, das Horror gesehen hat, hatte so etwas noch nie gesehen William Friedkin Es ist ein boshaft sündiges, erstaunlich sympathisches Porträt des Kampfes eines 12-jährigen Mädchens mit dem Teufel.

Die Batman-Filme in chronologischer Reihenfolge

Friedkin forderte seine filmischen Ursprünge als Dokumentarfilmer zur Bühne auf Der Exorzist als äußerst realistischer und allzu glaubwürdiger Angriff aus der Hölle.Aber das hält den Film nie davon ab, filmisch zu sein, und Friedkin inszeniert ihn geschickt als intimes Slow-Burn-Drama für den größten Teil des Films, ein Schritt, der den ikonischen, klimatischen Showdown mit dem Teufel umso schrecklicher macht. Sie wurden in den Glauben an diese Welt eingelullt, Sie haben vollständig in die Menschlichkeit dieser Charaktere investiert - wer es, sollte man sagen, wird von allen Beteiligten herrlich gespielt - und Friedkin stellt sie dann in den ultimativen Kampf zwischen Gut und Böse. Und er tut es mit den abscheulichsten, gottlosesten Taten, die sich in exquisit gerenderten Details auf dem Bildschirm entfalten. In einer Zeit, in der wir fast alles unter der Sonne gesehen haben und nach Jahrzehnten der Nachahmer und des technologischen Fortschritts sind die bahnbrechenden Effekte und der Schockwert nicht das, was es nach Hause treibt, sondern Friedkins Engagement für die Erzählung und sein Glaube an seine inhärenten Schrecken, die machen Der Exorzist solch ein dauerhaftes Beispiel für die Höhen, die das Filmemachen im Genre erreichen kann.

Halloween (1978)

Slasher-Filme waren als Horror-Maestro sicherlich nicht neu John Carpenter hat das Subgenre mit seinem dritten Spielfilm in die Hände bekommen, Halloween , aber sie waren nie besser und nie viszeraler erschreckend. Halloween Es ist vielleicht nicht die erste, aber es ist die endgültige Vorlage für jahrzehntelange Slasher-Flicks, die die Stilmittel des Films und die schleichende, langsam brennende Angst so frei riffeln wie Carpenter Psycho und Spanner . Und in Michael Meyers, der unerbittlichen Kraft des Bösen im Herzen des jahrzehntelangen Franchise, stellte Carpenter einen der größten Ghule des Kinos vor - die langsam marschierende Kraft des Bösen, die in fast jedem Slasher-Film endlos nachgeahmt werden würde Folgen.

Meyers ist ebenso unerkennbar wie unaufhaltsam; reiner Mord inkarniert, ein seelenloses Übel, das nur nach dem nächsten jungen Fleisch sucht, in das er sein Messer versenken kann. Und Carpenter gab ihm ein 'letztes Mädchen' passen, Jaime Lee Curtis Laurie, die ebenfalls die Weichen für alle Slasher-Überlebenden gestellt hat, um eine beeindruckende karrierebestimmende Leistung zu erbringen. Zusätzlich zu Carpenters gebieterischen Charakterkreationen und seinem fachmännisch straffen Tempo kann seinem legendären Soundtrack, der die einfach gerahmten Aufnahmen in anhaltende Terrorschläge verwandelt, nicht genug Anerkennung gezollt werden. Schauen Halloween ist es, einem großen Genre zuzusehen, wie es seine eigenen Talente so implizit definiert, dass es das Regelbuch für kommende Generationen schrieb.