33 großartige 70er-Jahre-Filme, die damals vergessen wurden

Die 70er Jahre haben uns ein großartiges Kino aller Zeiten geschenkt, aber die tiefen Schnitte sind genauso gut wie die größten Hits.

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Die 70er Jahre werden oft als das zweite goldene Zeitalter Hollywoods angesehen. Ermutigt durch den Erfolg von Dennis Hopper ’S Einfacher Fahrer In den 60er Jahren zeigten viele Studios die Bereitschaft, jungen Produzenten, Schriftstellern und Regisseuren anzuvertrauen, dem Kino eine ganz neue Stimme zu verleihen. Das Ergebnis war eine einzigartige Auswahl an Klassikern von neuen Filmemachern wie z Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Woody Allen, Bob Rafelson, Terrence Malick, Steven Spielberg, Hal Ashby, William Friedkin, George Lucas und Peter Bogdanovich , um ein paar zu nennen. Sie unterschieden sich von früheren Größen dadurch, dass sie auf den Klassizismus verzichteten, um eine engere Verbindung mit der Realität herzustellen, durch mehr Sounds oder Rock'n'Roll-Songs anstelle von Partituren, durch intimere Handlungen, einem Charakter mehr als ihrer Geschichte zu folgen und sich von der Klangbühne zu entfernen in die reale Welt.



Obwohl viele dieser Namen der Dreh- und Angelpunkt für den neuen Erfolg des Geschichtenerzählens in diesem Jahrzehnt waren, gab es in den 70er Jahren viele großartige Filme, die auch den Rebellengeist der neuen Autoren aufnahmen, ohne weiterhin einen klassischen Glanz zu erhalten. Jedes Jahrzehnt hat Filme vergessen, aber die 70er Jahre sind eine Fundgrube an Filmen, die rebellisch, exzentrisch und lebendig sind, aber nicht mehr erwähnt werden.



Um diese erste Liste zu erstellen, hatte ich nur ein Kriterium: Der Film musste weniger als 10.000 Stimmen auf IMDb erhalten, was ein gutes Barometer dafür zu sein scheint, ob ein Film im retrospektiven Zeitgeist zurückgelassen wurde oder nicht. Mit dieser Methode wurden einige Dinge entdeckt. Erstens waren viele der Filme, die möglicherweise hier landen könnten, experimentell mit Erzählungen, Grindhouse oder Fremd, was natürlich nicht überraschend ist. Überraschender war jedoch, dass viele der großen amerikanischen Filme aus diesem Jahrzehnt, die keine begeisterte Anhängerschaft mehr zu haben scheinen, sondern von einem anerkannten Autor wie Altman oder Altman inszeniert wurden Ken Russell , häufig mit einer weiblichen Hauptrolle.

Bild über Paramount Pictures



Die großen Filme der 70er Jahre gehörten größtenteils Männern, wurden von Männern gedreht und erzählten die Geschichten fast ausschließlich mit den Augen von Männern und versuchten zu entschlüsseln, was es bedeutet, ein ehrenwerter Mann zu sein. Natürlich sind sie immer noch großartige Filme, aber das Kino der 70er Jahre war die erste wirkliche geschlechtsspezifische Barriere für Filme. all das Lob und die Auszeichnungen gingen an Der Pate, einer flog über das Kuckucksnest, Rocky, The French Connection, The Deer Hunter usw. und es ist stark im Vergleich zu früheren Jahrzehnten, in denen von Frauen geführte Filme mögen Die Wohnung, My Fair Lady, Der Klang der Musik usw. könnten in den 60er Jahren immer noch die besten Filmpreise gewinnen. In den 70er Jahren wurden Anerkennung und Prestige wirklich einseitig und die überwiegende Mehrheit der Prestigebilder konzentrierte sich auf Männer. Ich könnte argumentieren, dass zu diesem Zeitpunkt auch die Idee eines Männerbildes und eines Frauenbildes wirklich zersplitterte. Seit den 70er Jahren gab uns auch die Idee eines Blockbusters, der den Film für immer veränderte, mit Krieg der Sterne Diese Kluft nahm in den 80er Jahren zu und wir sehen erst jetzt eine Rückkehr zu prestigeträchtigen Frauenbildern, die von großen Regisseuren gemacht wurden.

Das ist nicht um die erstaunlichen Filme wie zu kritisieren Der Pate, Apokalypse jetzt, Ödland, Hundetag Nachmittag, und mehr und mehr, die in den 70er Jahren herauskamen, aber es ist erwähnenswert, dass die meisten Filme auf dieser Liste - die keine anfängliche Studiounterstützung erhielten und nicht mehr von einem Abstimmungssystem wie IMDb unterstützt werden - Frauen in der Hauptrolle haben die Hauptrollen. Der Rest ist fremd, randständig und ungezogen. Oder in einigen Fällen handelt es sich um das Regiedebüt eines Regisseurs, der eine Kult-Anhängerschaft hat, wie z Walter Hill und Elaine May . Sehen Sie sich einige der Tipps an und hören Sie sich an, welchen Filmen Sie zustimmen oder die Sie sich ansehen möchten oder welche Mega-Klassiker Ihrer Meinung nach überbewertet sind.

Das Lickerish Quartett (1970)

Radley Metzger war ein Pionier der Erotik. Während seine Zeitgenossen mögen Russ Meyer und Tinto Messing Metzger verbrachte die 70er Jahre damit, bestimmte weibliche Merkmale hervorzuheben (Meyer der Busen und Brass the Butts). Er machte Kunst, die gelegentlich Unzucht zeigte. Nimm nicht nur mein Wort dafür, Andy Warhol namens Das Lickerish Quartett 'Ein unglaublich versautes Meisterwerk' und UCLA hat seine Filmabzüge restauriert und Retrospektiven abgehalten, um seine Arbeit hervorzuheben. Es ist akademisch.



Das Lickerish Quartett Beginnt in einem europäischen Schloss, wo eine wohlhabende Familie einen alten „blauen Film“ sieht (wie man es mit ihrer Familie in einem Schloss tut), dann fahren sie zu einem Zirkus hinunter, wo sie einige waghalsige Tricks sehen. Sie bemerken, dass eine Motorradfahrerin ( Silvana Venturelli ) sieht der Frau sehr ähnlich, die hauptsächlich in dem schmutzigen Film zu sehen war, den sie gerade gesehen haben. Also laden sie sie natürlich zurück in ihr Schloss ein, wo sie über Fahrradtricks sprechen, ihr das freche Video zeigen und sie einladen, jede ihrer Fantasien einzeln zu erfüllen. In der Zwischenzeit fragt sie wiederholt: 'Wer hat die Waffe?' Und der Patriarch der Familie ( Frank Wolff , der in beiden kleine Rollen hatte Es war einmal im Westen und Die große Stille ) hat Rückblenden zu seiner Zeit im Krieg. Ja, es gibt Sex und es gibt doofe Fantasy-Musik, aber was macht das aus? Lickerish Quartet Beeindruckend - und einer der wenigen Filme dieser Art, in denen Sie nach Kinematografie, Story- und Produktionsdesign suchen und trotzdem Ihre Snobby-Cinephile-Karte in der Hand halten können - sind die fantasievollen Einstellungen, Bearbeitungen und Änderungen (eine Bibliothek verwandelt sich in ein schmutziges Wörterbuch). beispielsweise). Du wirst vielleicht heiß, du wirst vielleicht lachen, aber du wirst dich auch schlecht fühlen in Bezug auf Krieg und Eltern.

Untersuchung eines Bürgers über Verdacht (1970)

Bild über Kriterium

Untersuchung eines Bürgers über Verdacht ist das seltene Meisterwerk, von dem ich auch gerne ein aktualisiertes Remake sehen würde. Ihre staatlichen Anliegen sind so zeitlos, so reif, so in das vergangene und zukünftige Gefüge einer korrupten Regierungsgesellschaft eingebunden. Donald Trump prahlte einmal, dass er bei seiner Basis so beliebt sei, dass er jemanden auf der Fifth Avenue erschießen und niemals irgendwelche Konsequenzen erleiden könne. Nun, das ist das als Film, außer viel intelligenter, neugieriger und besorgt darüber, was diese offene Aufnahme tatsächlich bedeutet.



Ein Bürger über Verdacht stellt den römischen Polizeichef vor ( Gian Maria Volonte ) als er die Wohnung eines Liebhabers betritt, der fragt, wie er vorgeben wird, sie heute Nacht zu töten, außer dass er sie tötet, anstatt sich auf ihr übliches Rollenspiel einzulassen; Er hinterlässt absichtlich ein Durcheinander von Hinweisen und ist neugierig, ob sein Status, zu dem sich die Frau hingezogen fühlte, ihn tatsächlich vor den Auswirkungen eines Kapitalvergehens bewahren könnte. Das Ennio Morricone Die Partitur, bei der es sich nur um eine wiederholte Themenkomposition handelt, enthält eine Kieferharfe, die Sie wissen lässt, dass es in Ordnung ist, den Humor in allem zu finden, was sich entfaltet. Aber obwohl der soziale Kommentar und die Satire selbst sehr stark sind, ist die wahre Meisterschaft von Elio Petri In seinem Film geht es darum, wie er die Rückblenden zwischen dem Polizeichef und der ermordeten Frau Augusta Terzi ( Florinda Bolkan ). Wir sehen, wie sie, ohne ihr Wissen, eine Falle stellt, indem sie sich eines Nachts langweilt und betrunken die Polizeistation anruft, um denjenigen zu beschimpfen, der antwortet, indem sie beschreibt, dass sie in ihrer Wohnung mit einem Eindringling nackt ist, und sie ist neugierig, ob jemand sie dort retten würde oder ob sie ' Ich lasse sie einfach vergewaltigen und ignoriere jeden zukünftigen Bericht. Der Chef kommt, um seine Macht zu inspizieren und interessiert zu sein. Sie drängt ihn weiterhin, Dinge zu tun, um den Nervenkitzel zu haben, zu stark zu sein, um mit den Fingerknöcheln zu klopfen.

Obwohl Augusta in diesen Tanz des Makabren verwickelt ist, gibt Petri ihr niemals die Schuld für ihren Tod. Bolkan spielt Augusta als eine Frau, die gegen die Gesellschaft rebelliert, aber diese Rebellion zieht sie nahe an Männer der Macht und auch an Männer auf der revolutionären Seite, die diese Macht auslöschen wollen. Sie ist beständig gerührt, weil sie gegen Gesetze verstößt, fällt aber sofort in eine Bewusstseinsdepression, wo er es nicht tut.

Eine wichtige Unterscheidung in Über jeden Verdacht erhaben ist, wer benannt wird und wer nicht. Die meisten Männer in Regierungspositionen werden nicht namentlich genannt, sondern in ihrem Rang, was sie nicht menschlich macht, sondern den Staat personifiziert. Diejenigen, die genannt werden, sind entweder Opfer oder diejenigen, die wegen ihrer kommunistischen Neigung überwacht werden. Es ist eine wichtige Unterscheidung, dass der Faschismus Italiens nach Mussolini fortbestehen, eitern und wachsen durfte, einfach weil er befürchtete, dass der Kommunismus ihn ersetzen könnte. Während Petri zwischen seinen Versuchen, es herauszufinden, und seiner früheren Beziehung zu Augusta hin- und herschneidet, stellen wir außerdem fest, dass sein soziopathisches Verderben mit dem verbunden ist, was es für Männer mit Macht am häufigsten ist, ein Schlag für ihr Ego wegen ihrer sexuellen Männlichkeit. Obwohl es nicht gesagt wird, haben wir das Gefühl, dass der Grund, warum er dieses Verbrechen begeht, darin besteht, dass er zum Leiter der politischen Polizei übergehen kann, um den Revolutionären zuzuhören, die sie mit Augustas sexueller Präferenz in Verbindung bringen, weil sie sich wegschleicht, um Liebe zu machen ein kommunistischer Jugendlicher, nachdem er ihn am Strand abgewiesen hatte.

Dies ist ein einfach wunderbares Werk aus Korruption, Begierde und soziopathischen Tendenzen, die durch die Macht verflochten und gefördert werden und korrumpierbar werden. Ein Raum voller Männer, die die Art von Macht entfalten, die es solchen Perversionen des Vertrauens ermöglicht, weiterzumachen. Namenlose Männer, die ihre eigenen, Opfer und Wahrheit schützen, sind verdammt. Klingt bekannt?

Die Musikliebhaber (1970)

Die Musikliebhaber Pauline Kael, eine der besten Filmkritikerinnen aller Zeiten, rief diese Antwort hervor: „Sie haben das Gefühl, Sie sollten einen Einsatz durch das Herz des Mannes machen, der ihn gemacht hat.“ Der Mann, der es gemacht hat, ist Ken Russell . Historisch gesehen, Die Musikliebhaber folgt den zum Scheitern verurteilten heterosexuellen Versuchen des berühmten Komponisten Pjotr ​​Tschaikowsky ( Richard Chamberlain ), während er sich durch die Musikwelt erhebt, indem er seiner Homosexualität den Rücken kehrt und an einem Schein einer Ehe teilnimmt. Es geht um die Kraft der Musik, aber es geht auch um die Destruktivität des Zurückhaltens von Sex - von sich selbst und von anderen.

Nachdem Tschaikowsky sich möglicherweise den erfahrenen Komponisten der berühmten russischen Mighty Five zugewandt hatte, wählte er seine Frau aus einer Reihe von Liebesbriefen aus, die sie ihm geschrieben hatte, ohne ihn jemals zu treffen. In seinen Gedanken, weil sie nur seine Musik kannte, war das alles, was sie brauchte, um ihn zu lieben. Aber Antonia (eine erstaunliche Glenda Jackson ) brauchte mehr als seine Musik. Sie brauchte auch Sex, um sich geliebt zu fühlen. Dieser Satz mag krass klingen und Russell präsentiert ihn manchmal so, aber er ist auch herzzerreißend. Es ist eine Demütigung, jemanden wegen Sex abzulehnen und abgelehnt zu werden.

Es gibt eine großartige Szene auf ihren Flitterwochen, in der Tschaikowsky Antonia in einem Zug sehr betrunken macht, damit er keinen Sex braucht, aber sie versucht es trotzdem. Sie wird nackt auf dem Boden ihres Wagens ohnmächtig und die Unebenheiten der Gleise lassen ihren Körper heftig hin und her schwanken. Tschaikowsky schaut entsetzt auf ihren verletzlichen Körper. Es ist dieser Schrecken der Sexualität, der vielleicht die Reaktion von Kael ausgelöst hat. Für Russell als Regisseur ist das alles andere als klassisch. Er war, wie Tschaikowsky hier, 1970 neu in der Szene. Und er radikalisierte, was mit einem historischen Epos getan werden konnte. Dies ist nicht David Lean. Dies ist ein Film, der die Visionen nachstellt, die wir kreieren, wenn er Musik hört. Und eine, die eine Irrenanstalt als Nährboden für Wahnsinn betrachtet. Dies ist der ungewöhnlichste und lauteste Film, der jemals Pinselstriche erhalten hat, die normalerweise Abenteuer-Epen vorbehalten sind.

Ein neues Blatt (1971)

Woody Allen und Mel Brooks erhalten die meisten Auszeichnungen für amerikanische Komödien in den 70er Jahren, aber Elaine May verdient es, als gleichwertig erwähnt zu werden (passenderweise hat Allen sie kürzlich in seiner Amazonas-Serie als seine Frau besetzt, Krise in sechs Szenen ). Das herzbrechende Kind ist ihr Meisterwerk (und verdammt nahe einer perfekten Unterhaltung) aber Ein neues Blatt war ihr fantastischer Start.

Blatt betrifft Henry Graham ( Walter Matthau ), ein Treuhandfonds-Trottel, der keine wirklichen Hobbys oder Kenntnisse hat. Wir treffen ihn, wenn er informiert wird, dass er kein echtes Geld hat. er hat alles ausgegeben. In einem letzten Versuch, weiter in den Country Club zu gehen und in der High Society zu leben, macht er mit seinem Onkel eine Wette, dass er in sechs Wochen mit einer reichen Frau verheiratet sein könnte. Wenn er Erfolg hat, wird seine Schuld vergeben und er wird die Braut bald nach der Zeremonie töten, um ihr Erbe zu erhalten. May selbst spielt die potenzielle Braut, eine ungeschickte und buchstäbliche Frau, mit der im High Society Club niemand spricht.

Ein neues Blatt ist ein Klassiker Preston Sturges -inspirierte Slapstick-Komödie mit einer teuflischen Lektion am Ende ihrer Laufzeit. Matthaus Deadpan-Lieferung ist perfekt, um einen talentlosen, aber berechtigten Trottel darzustellen, und als die 70er Jahre den Rahmen für wachsende Einkommensunterschiede schufen, ist seine Dummheit jetzt besonders schneidend. Aber die finstere satirische Wendung, die May im Ärmel hat, ist die Idee, dass Männer Frauen und Beziehungen so leicht entsenden, weil sie jemanden suchen, der ihnen ein Vermächtnis hinterlässt. Für viele ist das ein Erbe, ein Unternehmen mit ihrem Namen zu führen, aber für Matthaus Fop ist es eine neue Pflanzenart, die nach ihm benannt ist. Wird eine solche Geste ihn dazu bringen, ein neues Blatt umzudrehen und an jemand anderen als sich selbst zu denken?

Der Freund (1971)

Ken Russell gibt Sandy Wilson Broadway-Knaller Der Freund einige Filme blenden. Das Stück selbst handelt von den brüllenden Zwanzigern und zwei jungen Menschen, die sich gegen den Willen ihrer Eltern verlieben. Diese Anpassung betrifft eine Zweitbesetzung ( Twiggy ) in einem kämpfenden Londoner Schauspielhaus aus den 1920er Jahren, das nach dem Star in die Proben gestoßen ist (a Glenda Jackson Cameo) erleidet eine Verletzung bei der Produktion von 'The Boy Friend'. Viele von Wilsons populären Liedern bleiben hier, mit einer Nebengeschichte über einen Filmproduzenten im Publikum, der das nächste große Ding besetzen will, und der Zweitbesetzung, die sich langsam in die männliche Hauptrolle verliebt ( Christopher Gable ), da er ihr Selbstvertrauen während der Probe stärkt.

Der Freund ist überlang, hat aber einige der erstaunlichsten Set- und Kostümdesigns aller Musicals. Da dies Russell ist, erzeugen diese Entwürfe auch Tagträume der Darsteller, nicht nur der Produktion. Es ist ein schillernder Film für Design. Und Twiggy, das Model, ist ganz natürlich als der unnatürliche Star, der den It-Faktor hat, den der Filmproduzent sucht. Russell sagte, dass er diesen Film als Palettenreinigung für die turbulenten und im Studio eingemischten gemacht habe Die Teufel (siehe unten). Als solches ist es leicht zu verstehen, warum es zu lang ist, da Russell wahrscheinlich nur eine glänzende Freude in seinem Leben brauchte. Fans von La La Land Hier finden Sie einige Set-Design-Nicken.

Die Teufel (1971)

Ken Russell ’S Die Teufel ist weniger vergessen und mehr nur verdammt schwer zu finden. Es wird konsequent darum gebeten, in die Criterion-Sammlung aufgenommen zu werden, aber Warner Brothers scheint darauf aus zu sein, NIEMALS die Rechte loszulassen. Das Studio hat die Veröffentlichung einer Blu-ray blockiert und BFI erlaubt, sie nur in England zu zeigen, wenn sie als pädagogische Erfahrung aufgeführt ist und die Version, die ich und viele Filmfans gesehen haben, direkt aus den USA stammt Martin Scorsese Eigene Sammlung, die er für ein gelegentliches Screening ausleiht (nur um Sie zu übertreiben). Um die Intrige zu verstärken, Guillermo del Toro hat WB mehr als 40 Jahre Zensur vorgeworfen, indem er niemals zugelassen hat, dass er das Heimvideo erreicht. Dies ist das Studio, das weit verbreitet ist Der Exorzist - die eine Szene beinhaltete, in der ein besessenes jugendliches Mädchen ihre Vagina mit einem Kruzifix erstach und dann das Gesicht ihrer Mutter in ihr Privatleben zwang, während sie murrte: „Leck mich“ - nur zwei Jahre später. Warum steht dieser Film in einer Zeit, in der die Backkataloge der Studios weit verbreitet sind, unter Verschluss?

Die Teufel zentriert sich um einen eitlen Priester ( Oliver Reed ) und die bucklige Nonne ( Vanessa Redgrave ), die sich so sehr nach ihm sehnt, dass sie ihn der Hexerei beschuldigt, und andere Nonnen im Kloster beteiligen sich an der Anschuldigung, weil die Anschuldigung es ihnen ermöglicht, sich so zu verhalten, als wären sie in einen sexuellen Bann gezogen, und somit sind sie freier, ihre Wünsche zu üben als die Kirche erlauben wird. Es ist ein verrücktes Meisterwerk, wie viele von Russells Filmen. Und wenn sich die Nonnen verwöhnen, wird die anarchische und chaotische Seite des Autors hervorgehoben. Dies ist eine der größten Aufführungen von Redgrave und eine interessante Kritik der Religion und der Unterdrückung des Begehrens. Jetzt ist der Film von seiner eigenen Unterdrückung so hochgespielt, dass er nach heutigen Maßstäben wahrscheinlich zahm erscheint, was das Verhalten von WB noch seltsamer macht (in der Denkweise von WB sind blasphemische Präsentationen, die einem im Besitz befindlichen Kind auferlegt werden, für die Öffentlichkeit eher in Ordnung). aber blasphemische Präsentationen, die von einem Kloster gefälscht werden, sind es nicht).

Beachten Sie, dass es zwei Masturbationsszenen gibt, die aus dem Kinodruck herausgeschnitten wurden, um eine kurze Veröffentlichung mit X-Rating in Großbritannien und den USA zu erhalten. Oh, ich habe eine gesehen, und sie ist nicht grafisch, aber sowohl beunruhigend als auch dunkel humorvoll. in Frage stellen, ob alle Christen ihre Religion praktizieren, um ihr Herz rein zu machen, oder weil es ihnen die Möglichkeit gibt, andere zu kontrollieren. Vielleicht ist es der offensichtliche Wunsch externer Cinephile-Quellen wie der Criterion Collection, dieses Filmmaterial als Bonus-Feature zu veröffentlichen, das diesen Film unterdrückt. Oder vielleicht wie Birth.Movies.Death Anmerkungen Es ist nur eine alte Führungskraft, die eine persönliche Rache gegen den Film hat, und wir müssen nur darauf warten, dass diese Person stirbt (wie viele rückständige Denkansätze heutzutage), und wir werden endlich alle in der Lage sein, selbst zu entscheiden, ob Wir können mit diesem Film umgehen oder nicht. Wenn Sie diesen Film jemals in Ihren lokalen Listen für eine One-Night-Show sehen, gehen Sie.

10 Rillington Place (1971)

Bild über Columbia Pictures

Attn: Murderinos, 10 Rillington Place ist eine spannende und unangenehme vergessene wahre Serienmördergeschichte, in der der umarmbarste Mann aus unserer Jurassic Park / Wunder am 34thStraße Kindheit, Richard Attenborough , vergast Frauen, hat Sex mit ihren bewusstlosen Körpern, erwürgt sie, begräbt sie im Hof ​​und rahmt jemand anderen dafür ein! Etwas, das diesen Film begründet, anstatt die Handlungen zu sensibilisieren, ist, wie er wiederholt zeigt, wie die patriarchalische Gesellschaft (und die Veteranenanbetungsgesellschaft) es dem Mörder ermöglicht, mit Leichtigkeit zu agieren. Er verdient Vertrauen durch seine gebildete Stimme und seine Erklärung früherer medizinischer Praktiken. Seine Mieter ( John Hurt und Judy Geeson ) sind ein junges, sehr armes Paar mit einem Kind. Die Frau will eine Abtreibung, weil sie nicht das Geld für ein zweites Kind hat, weil er Analphabet ist und der einzige, der in die Arbeitswelt eintreten kann. John Christie (Attenborough) ist ihr Nachbar und er kann seine Frau bestellen ( Pat Heywood ) zu verlassen, wann immer dies für seine „Arbeit“ als alleiniger Anbieter erforderlich ist. Es ist seine Kriegsgeschichte, die seine früheren Verhaftungen unterdrückt. Und es ist das System, das Tierärzte, gebildete Männer und eine faule Polizei bevorzugt, die es ihm ermöglicht, auch nach der Entdeckung von Leichen weiterzumachen.

Attenborough ist übel und fesselnd, Hurt ist großartig und Regisseur Richard Fleisher (( Die fantastische Reise ) passt gut zu Großbritanniens Realismus in der Küchenspüle, nachdem Hollywood ihn nach ein paar Studio-Flops verworfen hat. Die Traurigkeit in Attenboroughs Haltung, wenn er einen vergifteten Tee einschenkt, den er nicht für Vergewaltigung und Mord verwenden kann, weil die Klempner herübergekommen sind, ist eine so schöne Aufmerksamkeit für das Maß an Kontrolle, das dieser Mann in seinem Haus gewohnt ist.

Das Publikum war 1971 nicht mehr so ​​an Serienkillerfilme gewöhnt wie heute. Daher war es 1971 schockierend, den Film mit einem geliebten Schauspieler zu beginnen, der eine bewusstlose Frau zu Boden zog, um sich mit ihr zu arrangieren Fleisher würde sich auf zwei Grizzly-Akte und die Fehlentscheidung der Gerechtigkeit konzentrieren und das Publikum nicht zwingen, mehr Morde aus der wahren Geschichte zu ertragen. Aber jetzt, wo wir eine Serienmörder-Besessenheit in Film / Fernsehen haben, könnten diese letzten 10 Minuten fehlgeschlagener Gerechtigkeit ein eigener Film sein. wie dieses Monster weiterging und warum Großbritannien die Todesstrafe deswegen abschaffte. Auch wenn es am Ende einen Ansturm durch einen Prozess gibt, ist dies fachmännisch, übel und wunderschön ausgeführt.

Wake in Fright (1971)

Bild über United Artists

Australiens Wach auf vor Schreck ist das künstlerischste Kater Film im Stil und mein persönlicher Albtraum: umgeben von einer Horde entarteter Männer, die trinken, spielen, kämpfen, Frauen entlassen und Tiere für den Sport erschießen, ohne die Möglichkeit, sie zurückzulassen. Gary Bond ist ein Schullehrer, der eine schlechte Wette auf Glücksspiele abschließt und dann in einer Stadt voller betrunkener und gewalttätiger Männer (angeführt von) festsitzt Donald Pleasance ) die versuchen, ihn zu zwingen, genauso betrunken und gewalttätig zu sein wie sie.

Diese Geschichte von männlichem Fehlverhalten ist beängstigender als Befreiung weil diese Männer identifizierbarer sind und der Wunsch, andere Männer sexuell zu dominieren, eher angedeutet als direkt gezeigt wird. Die orange Wüstenfläche ist wunderschön linsenförmig. Aber seien Sie gewarnt, die Känguru-Jagd ist erbrochen, es sieht echt aus, weil Regisseur Ted Kotcheff verwendetes echtes Filmmaterial, das er gefunden hatte; Dies sollte sein Publikum mit wachsenden illegalen Känguru-Jagden für den männlichen Sport konfrontieren und war ein wesentlicher Bestandteil der verschärften Vorschriften. 40 Jahre später, ohne dieses Zeitbewusstsein, ist es unglaublich schwierig, dies zu beobachten. Daher ist es nicht nur notwendig, vorher zu wissen Warnung, aber auch notwendig, um die Gründe zu kennen, die es überhaupt enthalten war. Und die negativen Eigenschaften von Männern in Gruppen, die immer wieder die schlechtesten Entscheidungen treffen, sind zeitlos. Obwohl er es auf vielfältige Weise versucht, kann der Schullehrer sie nicht zurücklassen; Es ist, als wäre er in einer Sandkugel.

Kotcheff ist am bekanntesten für die Regie des ersten Rambo Film, Erstes Blut , aber er würde diese Brüderlichkeitsthemen für amerikanische Partyfilme wie betäuben North Dallas Forty und Wochenende bei Bernie (!!). Obwohl die Männer in Bernie Wenn wir mit einem Toten rumhängen, würde ich es viel lieber mit diesen Typen als mit diesen Monstern treten.

Kleine Morde (1971)

Ich wurde vorgestellt Kleine Morde , eine lustige Satire des Ehefiebers, durch einen Freund, der heiratete. Sie wollte, dass die Person, die ihre Gelübde beaufsichtigte, den Clip von sah Donald Sutherland 'S Pastor, als er eine Hochzeitseinführung darüber liefert, wie das 'Geschäft der Ehe' 'eine Aufgabe des Rituals auf der Suche nach der Wahrheit' verdient. Die Themen, über die Sutherland währenddessen spricht Elliott Gould und Marcia Rodd Warten auf die Heirat sind, wie viele der Hochzeiten, denen er vorstand, geschieden wurden und die vielen Gründe, warum diese gescheiterten Ehen stattfanden. Masturbation, Drogen, Desinteresse. Es ist wirklich eine hypnotisierende, lustige und ja wahrheitsgemäße Analyse von Ritualen und Ehen und wie jeder Grund zur Heirat „in Ordnung“ ist, ebenso wie seine Entscheidung zu gehen, denn so sehr wir die Ehe auch als eine Verschmelzung zweier Identitäten betrachten, Das ist die unwahre Version.

Die besten Prime-Filme auf Amazon Prime

Sehen Sie sich den Monolog an Hier und wenn Sie zustimmen, dass dies eine ziemlich groovige Rede ist, geben Sie Alan Arkin Das Regiedebüt ist ein Dreh. Es ist voller Witz, immens intelligent, obwohl es für den dritten Akt einen merkwürdigen Umweg braucht, ist es einer der lustigsten Filme aus einem Jahrzehnt, das von den Swinging-60ern zurück zu zeitlosen Ritualen ging. Was die Morde betrifft? Wie viele Filme auf dieser Liste ist es eine Zeitkapsel der äußerst gefährlichen und schmutzigen New Yorker 70er Jahre. Und was die zukünftige Frau betrifft, die mich in den Film eingeführt hat? Sie ist immer noch verheiratet und gibt einem den letzten Schliff Hal Ashby Dokumentarfilm Das sollte 2017 beginnen. Und für jeden, der diese Liste liest, ist das ein Muss, denn Ashby ist vielleicht der am meisten vergessene Hauptautor der 70er Jahre.

Minnie und Moskowitz (1971)

Minnie und Moskowitz könnte leicht als „Männer, die anschreien“ umbenannt werden Gena Rowlands Warum sie ein Gegenstand sein sollten “. Aber mit John Cassavetes Skript, das Schreien macht Spaß. Ausstellung A, Zelmo Swift ( Val Avery ), ein reicher Mann mit lustigem Namen, der „Angst vor Frauen“ hat und ein wirklich schlechter Gesprächspartner ist, aber reines Filmgold für das Datum aus der Hölle, der immer weiter über ihr Aussehen und wie „großartig“ sie spricht, ohne dass sie jemals sprechen darf . Exponat B, der wild schnurrbärtige Kammerdiener Seymour Moskowitz ( Seymour Cassel , Jason Schwartzman Ist Vater in Rushmore ). Moskowitz rettet Minnie ab dem Ende dieses Datums und versucht dann sofort, sie zu einem Hot-Dog-Date mitzunehmen. Im Gegensatz zu Zelmo stellt er ihr Fragen, aber Minnie antwortet kaum.

Minnie und Moskowitz stellt seine beiden Hauptfiguren vor, während sie ein separates Gespräch über das Kino führen. Letztendlich ist dies ein Einblick in ihre Weltanschauung. Seymour sieht Filme als Flucht und Minnie sieht sie als falsche Hoffnung ('Sie haben dich reingelegt. Und egal wie hell du bist, du glaubst es immer noch.'). Cassavetes folgt der Formel einer Filmromanze, bei der es sich um eine süße / Ritter-in-glänzende Rüstung handelt. Stattdessen ist „der Preis“ eine Frau, die aufgegeben hat und in Bezug auf emotionale Gefühle fast im Koma liegt. Minnie repräsentiert, wie hässlich die Welt sein kann und wie traurig Filme werden können, um Hoffnung zu geben, und Seymour repräsentiert, wie lebendig das Alltägliche werden kann, wenn man nur nach Unterhaltung sucht. Einer ist erfolgreich; Der andere ist ein Schritt über einem Penner (aber er ist auch nett zu Pennern und gemein zu erfolgreichen Menschen). Seymours Streben ist nicht gerade romantisch, aber Romantik fühlt sich zwischen ihnen möglich und das ist die Reise dieses Films: die Möglichkeit der Romantik anstelle der Filmversion zu präsentieren, in der Romantik durch den Abspann besiegelt ist.

Images (1972)

Robert Altman Die klaustrophobische Geschichte, in der Frauen verrückt werden, wurde 1972 von Filmkritikern als schlechter Dienst erwiesen und hat im Wesentlichen ihre breite Veröffentlichung ausgelöscht. Susannah York gewann die beste Darstellerin beim Filmfestival in Cannes in diesem Jahr, aber die größten Zeitungen in New York weigerten sich, darüber zu berichten, und die wenigen Kritiken der New Yorker Filmfestspiele haben ihre Chancen auf weiteren Vertrieb zunichte gemacht. Es ist seltsam zu denken, wie kalt Kritiker Altmans Film erhalten haben, aber er hatte es gerade gemacht MAISCHE und McCabe & Mrs. Miller , zwei involvierte und geradlinige narrative Meisterwerke und Bilder wahrscheinlich schien zu der Zeit wie ein Chaos. Aber schauen Sie es sich jetzt an, nachdem viele von uns andere gestörte Femme-Filme gesehen haben, wie z Eröffnungsabend, Mulholland Drive, Black Swan, Königin der Erde und viele mehr, es ist eine ziemlich natürliche Uhr und perfekt ausgeführt von York, Altman und dem Kameramann. Vilmos Zsigmond .

Im Wesentlichen, Bilder ist eine visuelle Nacherzählung von Ingmar Bergman ’S Person . In Bergmans Film gesteht eine Krankenschwester einem stummen Patienten ein sexuelles Ereignis und fühlt dann, dass dieser Patient eine Macht über sie hat, weil sie ihr dunkelstes Geheimnis kennt. Aber während Person benutzte einen langen Monolog für dieses Geständnis, Bilder verwendet, Sie haben es erraten, Bilder.

Im Bilder Es ist eine verheiratete Frau, die weiß, dass sie ihren Ehemann betrogen hat. Der erste Mann, mit dem sie betrogen hat, starb bei einem Flugzeugabsturz und jetzt verfolgt er sie in ihrem Jagd-Sommerhaus. Ein Mann, der in der Nähe wohnt, spürt ihren Schaden und glaubt, dass sie Vergewaltigungs-Fantasiesignale aussendet. Deshalb besucht er sie, während ihr Mann jagt. Ihr Sommerurlaub ist ein Spukhaus der Verspottungen und sexuellen Begierden von Männern (sowohl von Toten als auch von Toten). Sie glaubt, sie alle zu töten, aber welchen Mann ermordet sie tatsächlich?

Dies ist eine der beeindruckendsten Übungen von Altman in Bezug auf Stimmung und Kameraarbeit (es ist auch eine der seltsamsten und aufregendsten Partituren von John Williams voller verdrehter Nerven). Vorahnung von Hirschköpfen, geflüsterte Erzählung, Klavierbretter, Kamerabewegung, die einen Mord in ihrem Kopf zeigt und dann die Wahrheit im selben Rahmen enthüllen kann, ja, Bilder kaum eine Veröffentlichung erhalten, aber Sie können seinen Einfluss auf zukünftige Filmemacher wie den Blutfleck einer Leiche sehen, die aus der Küche gezogen wird.

Sounder (1972)

Martin Ritt Die Adaption von William H. Armstrongs symbolischem Roman für junge Erwachsene könnte wirklich einen Re-Master gebrauchen. So wie es derzeit aussieht, hat es das Aussehen und den Klang einer alten TV-Adaption, aber lassen Sie sich den Film nicht rabattieren. Sounder ist ein kraftvoller Film über die feine Linie, die eine schwarze Familie gehen muss, um in der Gesellschaft erfolgreich zu sein. Nach einer weiteren erfolglosen Jagd wurde ein Vater ( Paul Winfield ) stiehlt etwas Schinken für seine Kinder und wird eingesperrt und an eine Kettenbande und seine Frau geschickt ( Cicely Tyson ) und ältester Sohn ( Kevin Hooks ) hören wiederholt von der Ladenbesitzerin, dem Sheriff und den einheimischen Frauen, die ihnen ihre Wäsche schicken, wie sie als Familie für sie „auf die Beine gegangen“ sind. Es ist herzzerreißend zu sehen, wie die Morgans behandelt werden, als ob sie sich in ihrer Arbeit schämen sollten, weil es für sie ein Privileg ist, überhaupt zu arbeiten, und daher wird der Wunsch der Stadt nach Dankbarkeit jetzt zu einem Wunsch nach einem Austausch in Ungnade .

Tyson zeigt eine dauerhafte Stärke, die nur an ihrer Arbeit gemessen werden kann, sie predigt nicht in der Rolle der Matriarchin und Sounder ist ruhig feministisch, als sie versucht, ihre eigene Ehre außerhalb der Familieneinheit zu vermitteln. Hooks rennt schließlich mit seinem vertrauten Hund davon, um herauszufinden, auf welcher Kettenbande sich sein Vater befindet. Er stolpert mit einem Lehrer in ein Schulhaus, der ihn nicht nach dem Verbrechen seines Vaters beurteilt und ihm beim Lesenlernen hilft. Was macht Sounder Eine erfolgreiche Adaption eines geliebten Buches ist Ritts Verwendung des Klangs, sein Vertrauen in die Darsteller, um das Unausgesprochene aufzuführen und die These des Buches nie direkt zu formulieren, sondern sie offenbart sich dem Publikum mit Subtilität. Sounder ist eine sehr erwachsene Adaption eines beliebten Kinderbuchs, das mit Anmut und Würde behandelt wird.

Starker Verkehr (1973)

Ralph Bakshi ’S ( Der Herr der Ringe ) Nicht-Zauberer-Animationsfilme sind schwer anzusehen und schwerer zu empfehlen, aber sie sind auch für alle, die daran interessiert sind, das New York der 70er Jahre aus dem Mülleimer zu betrachten, unverzichtbar. Fritz die Katze pervertierte die Gegenkulturbewegung und Waschbärhaut ist zum Beispiel ein hässlicher Blick auf städtischen Rassismus. Dichter Verkehr ist sein persönlichster Film über einen jungen Karikaturisten, der durch die Straßen New Yorks wandert, um aus seinem missbräuchlichen Haushalt herauszukommen, und als solcher fühlt es sich nicht so an, als würde er versuchen, zu provozieren oder einzuschüchtern, sondern zu gestehen, dass er viel gesehen hat harte Scheiße zu seiner Zeit, aber irgendwie erlebte er noch viele Tage. Aber am Ende des Tunnels, der voller Prostituierter, Stripperinnen, Hauben und Penner ist, liebt er seine Heimatstadt. Es ist die Stadt, die niemals schläft, weil es so viele schäbige Reize gibt. Betrachten Sie sich als gewarnt, seine Filme haben keinen Raum für Sensibilität, sondern sind ein Ausdauertest. Wie er seine Stadt und sein Privatleben sieht.

Dichter Verkehr ist ein Fiebertraum, ein 70er Dante Hölle und um es zu sehen, muss Travis Bickels Beobachtung in Taxifahrer dass jemand durch billige Vergnügungen so überreizt werden könnte, dass er um 'einen echten Regen bitten würde, der herunterkommt und all diesen Abschaum von den Straßen wäscht'. In der Tat, wenn Martin Scorsese schoss Taxifahrer Sie mussten die Produktion für kurze Zeit einstellen, als sie gegen Bakshis protestierten Waschbärhaut In den Straßen vor dem Theater ging eine Rauchbombe hoch. Scorsese schickte das Filmmaterial an Bakshi, der sagte, er wisse nicht, ob er lachen oder weinen soll. Irgendwo in Dichter Verkehr liegt das schlagende Herz eines Künstlers, der dieses Lachen glaubt während Weinen ist der einzige Weg, um Dinge wirklich wegzuwaschen.

Torso (1973)

Bild über Interfilm

Torso ist ein italienischer Slasher, der die meisten Regeln festlegt, die später für amerikanische Slasher festgelegt werden. Der grinsende männliche Blick macht jeden zu einem Verdächtigen, wenn sich die Studentenschaft zu häufen beginnt und es die freien sexuellen Wesen sind, die nacheinander getötet werden. Es gibt so viel Nacktheit am Anfang, dass Sergio Martino Der Film nähert sich Frauenfeindlichkeit, aber der Giallo-Meister zahlt sich fantastisch aus. Aber am Ende haben die Männer der Arbeiterklasse nach all den Gesprächen in der Stadt über die Studentinnen, die eine Villa gemietet haben, um sich vor dem Mörder zu verstecken, der Frauen auf Partys außerhalb des Campus hackt, die Besessenheit des Mörders von Puppenteilen beginnt Sinn zu machen, wie weibliche Körper verwendet werden.

Sein Motiv ist albern, aber die Männlichkeit eines erwachsenen Mannes wurde in einem jugendlichen Moment verkümmert, als er darum bat, ein Spiel zu spielen. Ich zeige dir meins, wenn du mir deins zeigst, das durch etwas Tragisches vereitelt wird, das mit einer Puppe passiert. Und auf dem College-Campus, im Free Love Bordello und in der malerischen Villa, wenn reichlich Nacktheit passiert, sind es Frauen, die für ihren Körper verantwortlich sind: bereitwillig eine Partnerschaft mit einem Liebhaber auf dem Rücksitz eines Autos eingehen und in einem Kleid ausziehen Hippie-Klagelied, das nackt auf einem Sofa liegt und es Männern ermöglicht, ihre Brüste zu streicheln, während sie eine Zigarette rauchen, ihnen aber sagt, sie sollen aufhören, wenn sie versuchen, weiter zu gehen, und am dreistesten, wenn sie alleine sind, nackt in der Villa sonnenbaden. Und dann plötzlich, als der Mörder in der Villa ankommt, dreht Martino den Film auf den Kopf und gibt uns das ultimative Szenario für das letzte Mädchen, bevor das letzte Mädchen überhaupt zu einem Trope geworden ist.

In jedem Fall von Nacktheit haben Frauen die Kontrolle über ihren Körper. Es ist ein Scherz, und ja, die Lesbenszene fühlt sich eher wie ein Produzent an, der sagt, er gebe dem Publikum einen, aber am Ende denke ich, dass die übermäßige Nacktheit nach Hause gehämmert wird, um einen Punkt zu haben. Puppen sind etwas, mit dem Jungen nur spielen können, wenn der Besitzer des Mädchens die Erlaubnis gibt. Und häufig ist das nicht der Fall. Die faulenzende Nacktheit hat mehr mit der Stille ihrer erwachsenen Körper in einem natürlichen Zustand zu tun, der auf Puppenteile reduziert ist, wenn ein Mann sie in einer solchen Pose sieht. (Der letzte Teil des Dialogs der Männer in der Stadt ist, dass diese schönen Frauen nicht einmal mit ihnen sprechen würden, weil sie nicht ausgebildet sind. Auch dies ist eine Möglichkeit, dass Frauen in einer Zeit, in der vorehelicher Sex die neue Normalität ist, mehr Entscheidungsfreiheit haben Aber auch die Rolle der Frauen in romantischen und pädagogischen Aktivitäten ändert sich und gibt ihnen mehr Entscheidungsfreiheit.

Aber es sind die letzten 30 Minuten Torso Ein großartiger Giallo aller Zeiten. Die Morde beginnen außerhalb des Bildschirms, wenn der Mörder die Villa verfolgt. Statt mörderischer Szenen, die Spannung erzeugen, ist es eine längere Sequenz, in der jedes Knarren der Dielen, jeder Griff des hölzernen Rechtsanwaltes ein immenses Gewicht erhält. Es ist einer der langwierigsten Abschnitte eines Horrorfilms, den ich je gesehen habe. Und obwohl das Final Girl-Szenario von den zukünftigen Regeln abweicht, hat Martino immense Kameratricks im Ärmel, um den Betrachter zu verwirren.

Die eiserne Rose (1973)

Bild über ABC Films

Jean Rollin ’S Die eiserne Rose ist Der ausrottende Engel von krankhaften Lustfilmen; Zwei junge Schönheiten gehen auf einen Friedhof und finden keinen Ausweg. Ist es eine Metapher für die Ehe? Kann sein.

Zwei französische Fremde ( Francoise Pascal und Hugues Quester ) treffen, nachdem er bei einer Hochzeit ein makaberes Gedicht rezitiert hat. Junge fragt Mädchen, Mädchen sagt ja, also schlägt er vor Aufregung einen Baum. Am nächsten Morgen treffen sie sich auf dem Zughof und jagen sich von Lokomotive zu Lokomotive. Es ist niedlich. Er schlägt Wein vor, aber das Mädchen weiß nicht, dass er dieses Picknick auf einem Friedhof haben möchte, weil es ruhig ist. Gegen ihre Ortsvorbehalte landen sie natürlich in einer Krypta, aber nachdem ihre Liebessitzung die Länge einer ganzen Kerze dauert, tauchen sie in der Dunkelheit auf, fangen an zu streiten und sich gegenseitig zu missbrauchen, bis er ein Eisernes Kreuz tritt. Sie legt sich auf ein Grab und wird vielleicht besessen. Trotzdem, obwohl sie verrückte Dinge über den Tag des Todes sagt und auf allen vieren krabbelt, wird der Junge immer noch mit einem Mädchen auf Schädeln und Oberschenkeln rummachen, wenn sie will.

Die Falle ist die Sexualität und wie Männer Frauen aus sorglosem Spaß in Situationen zwingen, in denen sie lieber nicht sind. Dies könnte ein Metapherfilm sein oder es könnte nur ein billiger Ort sein. Ich denke es ist beides. Rollins 'makabere Stimmung und Ketchup- und Senfpullover verleihen dies ein bisschen Scooby Doo Stimmung (spaltende Spaltung beiseite). In einer schönen Partitur durch und du wirst dir wünschen, dass Horror öfter auf niedliche Todesreisen trifft.

Belladonna der Traurigkeit (1973)

Bild über Nippon Herald Eiga

In dieser animierten psychedelischen Pop-Fantasie teuflischer sensorischer Überlastung greift ein böser Feudalherr in ihrer Hochzeitsnacht ein Dorfmädchen an und ruiniert das Leben von ihr und ihrem Ehemann. Nachdem sie schließlich aus ihrem Dorf verbannt wurde, schließt das Mädchen einen Pakt mit dem Teufel, um magische Fähigkeiten zu erlangen und sich an allen zu rächen. Belladonna der Traurigkeit ist gleichermaßen schön und grotesk und hatte großen Einfluss auf die zukünftigen erwachsenen japanischen Animationsfilmer wie Satashi Kon und Mamoru Oshii. Was macht Belladonna Einzigartig ist, dass es etwas braucht, das eine geradlinige mittelalterliche Horrorshow hätte sein können, und die Dunkelheit schrubbt, um Raum in Ekstase zu schaffen, was die Momente der Unterdrückung so schneidend macht und die Wiedergutmachung so viel erleichtert. Es ist wirklich etwas, das der Teufel mehr Sympathie hervorruft als sterbliche Männer, aber es liegt daran, dass er zumindest ihre Wünsche und ihren Wunsch nach Rache versteht. Verstehen ist etwas, was sich Männer Belladonna der Traurigkeit nicht leisten können.

Es ist schwer, diese Orgie des Überflusses zu beschreiben, ohne grob zu klingen. Stattdessen verwende ich nur die Songtitel von Acid Mother's Temple, um diesen Klappentext zusammenzufassen, da psychedelisches Aquarell und psychedelischer Rock das lange, fließende Haar dieser Erzählung sind. die Pastelle, die der Dunkelheit standhalten als:

'Hallo gutes Kind'

'Süße saftige Lucy'

'Drittes Auge der ganzen Welt'

'Interplanetare Liebe'

'Pink Lady Limonade'

'Auf Wiedersehen, großes Arschloch'

Ja, das fasst es besser zusammen, als es 'weit draußen' könnte.

Blut für Dracula (1974)

Graf Dracula war immer ein bisschen ein Verführer, aber Paul Morrissey (und Produzent Andy Warhol ) gab uns einen komisch machtlosen Dracula ( Udo Kier ) im Blut für Dracula . Der Körper dieses Dracula wächst unglaublich schwach, weil es nach Jahrhunderten, in denen er sich von jungfräulichen Hälsen ernährt, immer schwieriger wird, jungfräuliche Frauen zu finden, aus denen er trinken kann. Sein Assistent schlägt vor, nach Italien zu gehen, wo die Familien immer noch feste katholische Werte haben und die Frauen somit rein sein werden. Warhols Sexgott Joe Dallesandro (immer die Süßigkeit, nie der Schauspieler; er schwenkt in Siebenbürgen einen dicken Brooklyn-Akzent) hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Jungfräulichkeit jeder Frau auf dem italienischen Land zu nehmen, um Dracula zu verhungern. Blut für Dracula gibt einem Holzpfahl, der das Herz von Dracula durchbohrt, eine andere Bedeutung. Hier tötet Morgenholz buchstäblich den Grafen.

Während es leicht ist, über einen ohnmächtigen Verführer zu lachen, ist Kiers Leistung eine gewisse Traurigkeit. Mit zunehmenden sexuellen Freiheiten verlieren wir die klassische Gesellschaft und Kiers Dracula ist eine physische Darstellung dieses langsamen Todes. Dies ist ein Mann, der für immer leben könnte, solange er in einer Ära der Reinheit lebte. Dracula war jahrhundertelang ein Zauberer der Sexualität und Männer mussten ihn jagen und körperlich aufspießen, um ihre reinen Frauen zu schützen. Jetzt kann sich jeder Mann mit Six-Pack-Bauchmuskeln durch die Stadt schieben und seine Kräfte schwächen.

Celine und Julie gehen Boot fahren (1974)

Jacques Rivette 'S dreistündiger (plus!) Arthouse-Gigant, Celine und Julie gehen Boot fahren ist zwei Dinge für mich, es ist der realistischste traumhafte Film, den ich je erlebt habe (einschließlich der Auflösung des großen Finales) und auch die beste Darstellung des klaren Träumens (wo der Träumer den Traum beeinflussen kann, ein Ergebnis zu erzielen, das sie haben wollen, weil sie sich bewusst sind, dass sie träumen).

Celine ( Juliet Berto ) und Julie ( Dominique Labourier ) sind zwei Frauen, die in Aktion miteinander verbunden werden und deren Identität verschmilzt. Wenn einer ein Buch über Magie liest, ist der andere ein Zauberer. Wenn einer Buchpassagen mit roter Tinte unterstreicht, malt der andere rot. Nach einer Reihe von miteinander verknüpften Objekten und Aktionen befinden sich die jungen Frauen in einem Geister-Lesben-Mord-Mysterium, das auf einer Schleife spielt. Ein Haus mit einem trauernden Vater steckt in der Schwebe, wo seine Stieftöchter täglich einen Mord nachstellen. Celine und Julie erleben dies im Vordergrund und beginnen, wie wir es in Träumen tun, wenn wir uns bewusst sind, dass wir nicht an dem teilnehmen, was wir sehen, zu testen, wie sie bemerkt werden oder womit sie im Internet davonkommen können Anwesenheit dieser Szene.

Was passiert, ist neugierig, lustig und entzückend. Aber was hilft Celine und Julie Um die traumhafte Atmosphäre aufrechtzuerhalten, vergisst der Betrachter so viel von der codierten Einrichtung, sobald er im Haus ist. Wie in einem Traum bleiben nur die Fragmente übrig, an die Sie sich klammern und die Sie zu erklären versuchen.

Partitur (1974)

Ja, das ist X-Rated, die Handlung ist ziemlich kahl und es gibt eine Girl-on-Girl-Strap-On-Szene und eine Man-on-Man-Blowjob-Szene, aber ich wage es, einen Film zu finden, der mit den Freuden des Lebens besser zurechtkommt als Radley Metzger ’S Ergebnis . Der Film handelt von einem schwingenden Ehepaar ( Claire Wilbur und Casey Donovan ) auf der Suche nach einem prüden Ehepaar für einen Nachttausch von Partnern des gleichen Geschlechts. Auch wenn Sie selbst prüde sind, gibt es in Metzgers Fähigkeiten als Filmemacher viel zu schätzen. Die Partitur ist federnd und lebendig. Die Leistungen sind solide. Und seine Mis-en-Scene-Komposition ist aufschlussreich. Metzger war ein fantastischer Regisseur, der nicht im Softcore steckte, sondern wusste, dass Softcore eine Kunstform sein könnte. Die meisten Porträts, die seit Jahrzehnten in Museen hängen, waren nackt. Warum sollte der Film es nicht auch kunstvoll präsentieren? Sex und Scham mögen in die Religion eingebaut sein, aber sie sollten nicht in unsere Kunst eingebaut werden.

Ergebnis ist nicht für einen zehnminütigen schnellen Vorlauf zu 'den guten Teilen' gedacht, da die Verführung und die Gespräche tatsächlich die besten Teile sind. Es ist ein wunderschöner 90-minütiger Film, der intelligente und witzige Gespräche über Sex bietet. Einige dieser Gespräche finden statt, während zwei Frauen zwischen einem Lavalampen-Aquarium sprechen, da Filmgespräche für das Auge immer angenehm sein sollten. Was macht wirklich Spaß? Ergebnis ist jedoch, wie umfassend es ist. Jeder Charakter arbeitet daran, den anderen loszuwerden, und jeder hat ein Lächeln und die Punktzahl ist ein Knaller. Lassen Sie sich vom Intro-Satz nicht erschrecken. Dieser Film ist nicht sehr explizit. Wenn Sie es schaffen, Menschen in einer hübschen Wohnung im Stil der 70er Jahre in der italienischen Villa viel über Sex und Ehe reden zu hören und dann ein paar Minuten Sex zu haben, sind Sie wirklich auf der Suche nach einem Leckerbissen. Du wirst lächeln, wenn du an diesen Film denkst. Sie werden hoffen, jemanden zu treffen, der so aufgeregt ist, am Leben zu sein wie das unterdrückte neue Paar ( Lynn Lowry und Gerald Grant ) sind, als sie die Villa verlassen, um jemand anderen zu ihren neuen freien Denkweisen zu konvertieren. Sex kann Spaß machen. Die Verfolgung kann Spaß machen. Und Ergebnis Es macht so viel Spaß, dass es überhaupt nichts gibt, wofür man sich schuldig fühlen könnte, wenn man es sich ansieht.

Harte Zeiten (1975)

Harte Zeiten gibt eine neo-westliche Umrüstung der Standard-Weltwirtschaftskrise und der Boxgeschichte. Am Ende gibt es kein Mädchen, es gibt keinen großen Preis, um alles in Ordnung zu bringen. Es gibt nur ein paar zusätzliche Kratzer und Respekt. Das ist Kultregisseur Walter Hill ’S ( Die Krieger ) erster Film und es ist sehr sicher. Er präsentiert es als eine klassische große Geschichte des Fremden aus dem Güterwagen ( Charles Bronson ), der jeden Mann in einem fairen Kampf schlagen kann, aber langsam offenbart, dass es nicht viel zu gewinnen gibt.

Zu diesem Zeitpunkt war Bronson bereits als Grindhouse-Rache-Star umgerüstet worden, und es besteht die Erwartung, dass dieser Film ähnlich sein wird, aber Hill ist am meisten an der geschäftlichen Seite illegaler Kämpfe interessiert. wie das Vertrauen erneuert wird, indem man sich buchstäblich Geld zurückzahlt und nicht durch gewaltsame Vergeltung. In Bronson gibt Hill 'Speed' (ein großer, stürmischer James Coburn ), ein Promoter, der normalerweise seinen Lügenmund benutzt, um aus dem Debüt auszusteigen, eine neue Methode, sich selbst zu ehren: durch undankbare Arbeit seinem Wort treu zu bleiben.