Die 75 besten Horrorfilme aller Zeiten

Welcher Film Zu Sehen?
 

Im letzten Monat haben wir Hunderte von Horrorfilmen empfohlen. Aber was sind unsere wahren, wahren Favoriten?

Horrorfilme sind etwas, auf das man sich vorbereiten muss. Ob es darum geht, den Sitz zu greifen oder Ihre Augen oder Ohren vor der Grobheit zu schützen oder sich in eine Lovecraftian- oder Puritan-Welt einzuhüllen, großartige Horrorfilme sind viel mehr als Sprungangst. Mit dem Klang von Dielen, der Bewegung von Schatten, der Unberechenbarkeit von Nebel, schrecklichen oder urkomischen (oder urkomisch schrecklichen) Todesfällen oder einer prickelnden Filmmusik – dieses Genre spielt immer mit dem Publikum. Die größten Horrorfilme können berauschend und philosophisch, slapstickartig oder ernst sein – kurz gesagt, wenn Sie ein Horrorfan sind, sind Sie höchstwahrscheinlich ein Kinofan. Kein anderes Genre zeigt am besten, wie das bewegte Bild uns beeinflussen kann – durch die Verwendung aller filmischen Werkzeuge im Werkzeugschuppen: Ton, Bild, Partitur und Dialog.

Wenn Sie ein regelmäßiger Leser sind, haben Sie wahrscheinlich unsere Listen mit den besten Horrorfilmen gesehen. Wir haben jedes Jahrzehnt der Filmgeschichte durchkämmt, um die Horrorjuwelen aus jeder Ära des Filmemachens zu entdecken. Wenn Sie neu bei uns sind, nun, wir respektieren das Genre sehr und lieben es, neue Spukgräber zu entdecken. Aber was sind unsere wahren, wahren Favoriten?

Nachfolgend finden Sie die unserer Meinung nach 75 besten Horrorfilme aller Zeiten. Manche sind erschreckend, manche sind brutal, manche sind lustig und manche rufen eine zarte Stimmung hervor. Alle sind fantastische Beispiele dafür, wie vielfältig dieses Genre sein kann. Wir präsentieren sie in einem Sammelband – der Zeit angemessen – in alphabetischer Reihenfolge. Wir töten hier nicht unsere Favoriten oder treffen hier eine Sophies Wahl. Das wäre zu dramatisch.

Sagen Sie wie immer in den Kommentaren, was Sie an dieser Liste lieben und hassen oder was Sie jetzt zu sehen hoffen.

28 Tage später (2002)

Danny Boyle schuf 2002 ein neues Bild der viralen Apokalypse, das auf die Melodie der Wut eingestellt war. Folgend Cillian Murphy 's Jim, nachdem er in einem postapokalyptischen London aufgewacht ist, verwüstet von dem Wutvirus, der die Zivilisten in blutrünstige Wilde verwandelt hat, 28 Tage später Inszenieren Sie ein intimes Charakterdrama über den Untergang der Gesellschaft, spielen Sie gekonnt mit Zombie- und Doomsday-Tropen (und trug zweifellos dazu bei, das Wiederaufleben beider Genres zu entfachen), mit einer gesunden Prise von Boyles charakteristischem filmischem Stil. 28 Tage später ist so erfolgreich, weil er ebenso zärtlich wie erschreckend ist, Momente des Schreckens mit Menschlichkeit verbindet und nebenbei eine gesunde Spritzer kultureller Kommentare enthält. – Haleigh Foutch

Ausländer (1979)

Ridley Scott Der sexuell aufgeladene Gothic-Horror im All ist ein perfekter Sci-Fi-Film. Und ein perfekter Horrorfilm. Und zum Teufel, ich werde es sagen, einfach ein perfekter Film. Scott folgt der grundlegenden Erzählung und folgt der Besatzung der Nostromo, einer unglücklichen Weltraumexpedition, als sie auf das tödlichste Raubtier der Galaxie stoßen, die HR Giger entwarf Xenomorph und durchdringt es mit hypergewalttätigen Manifestationen von Bildern, die sexuelle Übergriffe, die biologischen Gefahren von Schwangerschaft und Geburt und alle Arten von sexueller Angst hervorrufen.

Ian Holm Der geheime Cyborg Ash, der selbst technologische Schrecken beherbergt, beschreibt den Xenomorph als einen perfekten Organismus. Seine strukturelle Perfektion wird nur von seiner Feindseligkeit übertroffen. Dasselbe gilt für Scotts Film, der eine Übung in reinem Terror ist, der so spezifisch mit der Absicht hergestellt wurde, Angst hervorzurufen, dass jede Schicht der Filmkonstruktion auf dieses festgelegte Ziel hin funktioniert. Gigers ästhetisch schöne, aber von Natur aus verstörende Designs, Dan O’Bannon 's gekonnt temporeiches Drehbuch, die naturalistischen und perfekt abgestimmten Darbietungen der Besetzung (angeführt von einer karrierebestimmenden Wendung von Sigourney Weaver ) und Scotts Gabe, Spannung und Angst aus jedem Moment zwischen den sich ständig weiterentwickelnden Auftritten des Xenomorphs herauszudrehen – jedes einzelne Element des Films arbeitet zusammen, um das Publikum weiter in seine Angst zu treiben. Und jedes Mal, wenn der Killer-Alien auftaucht, taumelt oder auf den Bildschirm huscht, schneidet seine Präsenz wie ein Messer und verwandelt den anhaltenden Schmerz des Unbehagens in ein akutes, durchdringendes Entsetzen. – Haleigh Foutch

Ein amerikanischer Werwolf in London (1981)

Bild über Universal Pictures

Von vielen als einer der besten Horrorfilme der Filmgeschichte angesehen, nachdem sein Kultstatus fest zementiert wurde, John Landis ’ dunkle Horrorkomödie Ein amerikanischer Werwolf in London hat sich von allen anderen Werwolffilmen abgesetzt, die davor und danach erschienen sind. Bemerkenswert für die Make-up-Spezialeffektarbeit von Rick Baker , für die der Film den Eröffnungs-Oscar für herausragende Leistung im Make-up gewann, wird die viszerale, knochenbrechende Werwolf-Transformation Ihre Träume jahrelang verfolgen. Wenn Sie das nicht erwischt, dann werden es vielleicht die langsam verfallenden Formen der lebenden toten Opfer des Werwolfs.

Landis gab sich nicht damit zufrieden, einen einfachen Monsterfilm zu produzieren, sondern konzentrierte sich stattdessen auf die Trauer über den Verlust eines Freundes, die Schuldgefühle, einen Mord begangen zu haben, und das wahnsinnige Bedürfnis, sich mit denen zu versöhnen, die tot sind. Es ist nicht nur Davids Fluch, der ihn in diesem Film plagt, es ist die buchstäbliche Verkörperung dieser anderen negativen Emotionen, die ihm folgen und ihn bitten, sein eigenes Leben zu beenden, bevor er aufgrund der Auswirkungen des Fluchs weitere Opfer hinzufügt. Wie in anderen Werken von Landis gibt es Lacher zu finden, aber Junge, sind sie dunkel. Und das erfreulicherweise. – Dave Trumbore

Der Babadook (2014)

Der Babadook ist jetzt schon ein Horrorklassiker. Der Babadook verfügt über einen der denkwürdigsten Bösewichte der jüngeren Geschichte mit einem auffälligen Aussehen, einem kühlenden Gebrüll und seinem eigenen eingängigen Kinderreim. Aber was The Babadook außergewöhnlich macht, ist, dass es nicht nur eine böse Entität ist, die besiegt werden muss. Es ist ein Bösewicht, der mit Absicht verfolgt und quält und erforscht, wie Opfer mit ihren eigenen inneren Dämonen umgehen.

Direktor Jennifer Kent setzte sich mit diesem auf die Landkarte und zeigte eine profunde Fähigkeit, die Realität mit einem märchenhaften Gefühl durch erstklassige Leistungen, atemberaubende Sets und eine außergewöhnliche Schussauswahl zu verbinden. Zuerst wird man von der Atmosphäre mitgerissen, dann setzt der blanke Schrecken ein und schließlich sorgt der nachdenkliche, verdrehte Schluss dafür, dass man den Babadook auch nach dem Abspann nicht mehr los wird. – Perri Nemiroff

Bucht des Blutes (1971)

Einer der besten und prägendsten Regisseure des Giallo-Subgenres, Mario Bava hatte ein Jahrzehnt lang erstklassige Horror-Thriller herausgebracht, als er das Ruder leitete Bucht des Blutes (alternativ betitelt Zucken des Todesnervs und Letztes Haus links Teil II, unter vielen anderen). Weil diese Welt die Gerechtigkeit geringschätzt, ist sie heute vielleicht am besten als der Film bekannt, der die Unterlegenen stark inspirierte Freitag der 13 und die Entstehung des Slasher-Subgeneres im Allgemeinen. Das ist nicht zu verachten Freitag der 13 , die sich wunderbar herauskristallisierte Eine Bucht aus Blut’ s grellsten Elemente in ihre reinste Slasher-Form zu bringen, aber ihn als den Film zu betrachten, der Freitag der 13. inspiriert hat, bedeutet, Bavas komplexes, dreistes Mordgeheimnis zu unterschätzen.

Im Mittelpunkt steht eine Gruppe kriegführender Familienmitglieder, die bereit sind, alles zu tun, um ihr Erbe zu sichern. Bucht des Blutes lässt das Publikum während des gesamten Films rätseln und stellt die Unvorhersehbarkeit von der brillanten ersten Szene an fest. Der Film beginnt mit dem Mord an einer alten Frau durch einen mysteriösen Mann in schwarzen Handschuhen, nur um die Erwartungen auf den Kopf zu stellen, als derselbe Mann sofort von einem zweiten mysteriösen Angreifer ermordet wird. Insgesamt sind fünf Mörder drin Bucht des Blutes , jede so kreativ und unerbittlich wie die andere, und Bava schafft es, sie auf eine Weise zu orchestrieren, die niemals verwirrend ist. Es ist für jeden Fan des Slasher-Genres unerlässlich, der intelligente zufällige Pate des vereinfachten, viszeralen Genres, das darauf folgte, und es ist eine der besten Bemühungen einer legendären Stimme im italienischen Horror. – Haleigh Foutch

Die Vögel (1963)

Die Vögel war der schwierigste Film (mit all diesen Vögeln zu kämpfen und sehr primitive Technologie zu verwenden). Alfred Hitchcock . Im Vergleich zu vielen seiner anderen Klassiker steht es jetzt nicht mehr so ​​gut da, einfach weil uns der technologische Fortschritt Jahre später bewusst macht, dass in den meisten Angriffsszenen die Vögel, die in einer anderen Einstellung reagieren, über die reagierenden Vögel gelegt werden. Es hat auch kein zufriedenstellendes Ende oder eine emotionale Linie, die uns durch alle Angriffe ziehen könnte. Die Vögel ist vielleicht nicht so makellos gealtert wie viele der Filme des Meisters, aber er inszeniert immer noch viele meisterhafte Momente.

Was Die Vögel hat, ist eine erstaunliche Home-Invasion-Sektion, die jeden Zombie- oder Home-Invasion-Film, der später kommen sollte, stark beeinflusst hat. Die Vögel, die begonnen haben, Menschen ohne Grund anzugreifen, und die anscheinend einen bestimmten Knochen haben, um mit einem Prominenten zu picken ( Tippi Hedren ), die kürzlich wegen ihres anzüglichen Verhaltens vor Gericht stand, wimmelt das Haus, in dem sie sich aufhält. Sie picken durch die Wände, ihre Schnäbel stoßen durch wie ein Whack-a-Mole-Spiel. Ihr Liebesinteresse ( Robert Taylor ) muss die Türen verbrettern und Möbel vor Schwachstellen nageln.

Die Vögel zeigt alle Überlebenstaktiken, die wir mittlerweile aus Zombiefilmen kennen und zeigt auch den fatalistischen Moment, in dem die Heldin nach oben geht. Bleiben Sie immer unten. -Brian Formo

Die schwarze Katze (1934)

Die schwarze Katze ist eine raffinierte kleine Geschichte über Krieg, Politik und Rache, die in Nekrophilie und Satansanbetung für ein gutes Maß funktioniert. Oh, und es ist der erste von acht Filmen, die gezeigt werden Bel Lugosi und Boris Karoff zusammen auf dem gleichen Bildschirm. (Es ist auch einer der frühesten Filme, der eine fast durchgehende Musikpartitur enthält.)

Inspiriert von einem Edgar Allen Poe Geschichte, Schwarze Katze findet Lugosis Kriegsveteran und Überlebender des Gefangenenlagers Dr. Vitus Werdegast im Streit mit seinem ehemaligen Freund und Kameraden, dem Ingenieur Hjalmar Poelzig (Karloff). Mitten in ihre Fehde gerät ein junges amerikanisches Paar, das Ungarn auf seiner Hochzeitsreise besucht. Was nach ihrer schicksalhaften Begegnung folgt, ist ein bizarres Katz-und-Maus-Spiel zwischen Lugosi und Karloff mit dem Paar als Preis für den Sieger: Gewinnt Werdegast, kommt das Paar frei und Poelzig zahlt für seine Sünden; gewinnt Poelzig, wird das Paar in einer mitternächtlichen Zeremonie geopfert und auch Werdegast trifft auf seinen Schöpfer. Dies ist eine verrückte Geschichte, in der Lugosi eine lähmende Angst vor Katzen darstellt, Karloff sich als tod- und schönheitsbesessener Wahnsinniger ausgibt, der sich mit dunkler Magie beschäftigt, und eine ziemlich eklige Wendung, die die Beziehung zwischen den beiden ehemaligen Soldaten weiter verkompliziert. Die schwarze Katze endet mit einem Knall, also suchen Sie auf jeden Fall nach diesem, um die Horrormeister zusammen auf der Leinwand zu sehen, aber ohne ihr übliches Monster-Make-up. – Dave Trumbore

Schwarze Weihnachten (1974)

Vor Bob Clark machte Weihnachten mit 1983 wunderbar Eine Weihnachtsgeschichte Mit seinem Horrorklassiker von 1974 machte er es erschreckend Schwarze Weihnachten . Oft fälschlicherweise als erster Slasher-Film bezeichnet (das finden Sie an anderer Stelle auf dieser Liste), aber korrekterweise als einer der besten seiner Art bezeichnet, Schwarze Weihnachten ist edel und subtil, aber eine äußerst effektive Spannungsübung. Die Filmstars Olivia Hussey und Margot Kidder als zwei Schwestern in einem Studentenverbindungshaus, das von missbräuchlichen, pornografischen Anrufen eines Raubtiers mit heiserer Stimme belagert wird, das sich entfaltet, wenn ein Krimi auf ein Haus des Schreckens trifft. Wenn die obszönen Telefonanrufe zum Mord eskalieren, führt Clark die Gewalt mit zurückhaltender Hand aus und lässt seine wirkungsvolle Bildsprache mit gelegentlichem frechem Schwelgen in den Feiertagsdingen die schwere Arbeit übernehmen – am liebsten, wenn eine Gruppe von Sternsängern die Geräusche von Kidder übertönt Tod durch Schmuck.

Schwarze Weihnachten s ist auch einer der seltenen Slasher, der seine Opfer mit vollem Respekt behandelt, sie niemals offen sexualisiert und sie niemals für ihre mutmaßliche Sexualität bestraft. Tatsächlich ist Husseys letztes Mädchen nicht nur offen sexuell aktiv, sie kämpft auch mit ihrer Entscheidung für eine Abtreibung. Und sie wird nie dafür bestraft. Ebenso ist Kidders Charakter liebenswert, obwohl er ein Betrunkener ist. Verdammt, sogar die Hausmutter bekommt eine Persönlichkeit. Vom Konzept bis zur Ausführung, Schwarze Weihnachten ist einer der würdevollsten Einträge im Slasher-Genre, der sich anfühlt, als wäre er eher für Erwachsene gemacht worden, die den Nervenkitzel suchen, als für Teenager, die Perversität suchen. – Haleigh Foutch

Schwarzer Sonntag (1960)

Vor Mario Bava Regie bei den frühesten identifizierbaren Slasher-Filmen in Italien führen würde, die Genreliebhaber gerne als Giallos kennen, schuf er diesen Gothic-Rückblick, der sich leicht mit den besten Ergebnissen von Hammer Films des letzten Jahrzehnts messen könnte. Schwarzer Sonntag beginnt mit einer atemberaubenden und schrecklichen Eröffnungssequenz, die den Film in Großbritannien jahrelang verbieten würde, obwohl er bei weitem nicht so gewalttätig ist, wie Bavas Filme weniger als ein halbes Jahrzehnt später werden würden.

In der Eröffnung, Prinzessin Asa ( Barbara Stahl ) wird als Hexe verurteilt und hat eine sperrige und stachelige Satansmaske, die mit einem massiven Hammer auf ihr Gesicht genagelt wird. Sie ist neben ihrem Geliebten in einer Krypta begraben. 200 Jahre später entdecken zwei Ärzte das Grab, werden von einer Fledermaus angegriffen und ihr Sarg wird blutig. Sie hebeln neugierig die Maske vom Gesicht der satanischen Prinzessin und ein Fluch wird entfesselt, als Asa eine jungfräuliche Frau in der Stadt (wieder Steele) in Besitz nimmt und sich aufmacht, ihre Rache zu entfesseln.

Schwarzer Sonntag war Bavas erster großer Horror, und es ist angemessen zu sehen, wie er sein Handwerk innerhalb der Grenzen eines klassischen Horrors verfeinerte (für manche etwas zu weit getrieben), bevor er eine ganz eigene neue filmische Sprache schuf. -Brian Formo

Das Blair-Witch-Projekt (1999)

Einige mögen sich darüber sträuben, wie geheiligt Das Blair-Witch-Projekt geworden ist – insbesondere nach der Explosion des Found-Footage-Horrors, die sein Erfolg auslösen konnte. Es ist ein Film, der das Publikum lange gespalten hat und Fans zurücklässt Blair-Hexe um es standhaft zu verteidigen, und Kritiker, die seine Popularität beklagen und seine anfängliche Angst seiner unglaublich erfolgreichen Marketingkampagne zuschreiben. Aber egal auf welche Seite Sie fallen, es ist fast unmöglich, den beeindruckenden Realismus zu negieren, den der Film etabliert, indem er die Technologie der damaligen Zeit und ein paar unbekannte Schauspieler verwendet, um einen Film zu schaffen, in dem dies völlig hätte passieren können.

Während (natürlich) das, was sich auf der Leinwand abspielt, eine Fiktion ist, Regisseure Daniel Myrick und Eduard Sánchez tat schickt die Stars des Films tatsächlich für acht Tage in den Wald und bittet sie, den Ablauf des Films selbst aufzuzeichnen. Das erklärt die manchmal magenverdrehende Kameraführung, trägt aber auch dazu bei, die erschreckend überzeugende Umgebung des Films zu kolorieren, wie Blair-Hexe folgt dem Trio bis zu ihren kollektiven Bruchstellen. Mit nur ein paar Tropfen Blut und überhaupt keinem Blick auf die beleidigende Hexe, Das Blair-Witch-Projekt Nichtsdestotrotz hat es geschafft, unzählige Albträume mit seinem meisterhaft aufgebauten Gefühl der Angst und der schrecklichen Schlusssequenz hervorzubringen. Vielleicht dauert es zu lange, um dorthin zu gelangen, aber sobald es soweit ist – nun, Sie werden einen Keller nie wieder mit denselben Augen sehen. – Aubrey-Seite

Die Brut (1979)

Für mein Geld, David Kronenberg , er mit den schrecklichsten Körperschrecken, erreichte den Höhepunkt seines Handwerks erst mit seiner atemberaubenden Ausbeute in den 1980er Jahren, aber in den zehn Jahren davor lieferte er drei beunruhigende und hinterhältige Horrorfreuden ab; Schauder , Tollwütig , und Die Brut . Es ist das letzte davon, angemessen um die Jahrhundertwende geliefert, wo Cronenbergs Beherrschung des physiologischen und psychologischen Schreckens wirklich zum Vorschein kam. Hier sehen wir die aufkeimenden Stadien der raffinierten Sci-Fi-Ästhetik, die Cronenberg anstelle des düsteren Grindhouse-Feelings seiner frühen Filme übernehmen würde.

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Inszeniert als Kommentar zu den kalten Kosten einer Scheidung und der erbärmlichen Ineffizienz der Psychiatrie folgt der Film Art Hindel als Frank Carveth, ein Mann, der entschlossen ist, die seltsamen Mittel der psychiatrischen Behandlung seiner entfremdeten Frau aufzudecken ( Samantha Egger ) wird von dem unorthodoxen Praktizierenden Dr. Hal Raglan (dem immer willkommenen) empfangen Oliver Reed ) und seine verzweifelten Versuche, ihre Tochter zu beschützen ( Cindy Hinds ). Gleichzeitig ermorden abscheuliche, vermummte, kindliche Missbildungen diejenigen, die der Familie am nächsten stehen. Cronenberg baut das Unbehagen in einem stetigen Tempo auf und bricht gelegentlich in schockierende Gewaltausbrüche aus, hebt aber das Beste (sprich: das Beunruhigendste) für den Schluss auf in einer Enthüllung, die im Wesentlichen Cronenbergian (oder Cronenbergundian, wie es ihm lieber ist ). Eine pikante Kombination aus biologischen und spirituellen Schrecken – passend für eine Geschichte über korrupte Mutterschaft – Die Brut ist ein hervorragendes Beispiel für die eigenwilligen Schrecken, die einem so einzigartigen Geist wie dem von Cronenberg entspringen. – Haleigh Foutch

Die Hütte im Wald (2012)

Häuschen im Wald ist der Traum des Horrorfanatikers wahr geworden. Der Film strotzt vor cleveren und sündhaft unterhaltsamen Genrereferenzen, aber Joss Whedon und Zeichnete Goddard hör nicht auf. Der Film läuft mit dem sehr bekannten Szenario einer Gruppe von College-Kids, die packen und für ein wildes Wochenende zu einer Hütte im Wald aufbrechen, aber in diesem Fall passiert alles, was untergeht, aus einem wahnsinnig kreativen Grund. Dank eines ausgeklügelten Kernkonzepts Häuschen im Wald lässt Sie jede Menge Spaß mit vertrauten Situationen, Opfern und Kreaturen haben, aber auch auf eine ganz neue Art und Weise verwöhnen und wertschätzen – wie zum Beispiel in einer Aufzugsbank auf einmal. – Haleigh Foutch

Das Kabinett von Dr. Caligari (1920)

Direktor Robert Wien 's Geschichte über einen reisenden Schausteller und seinen wahrsagenden Nachtwandler (alias Schlafwandler) ist ein eindringliches Beispiel für die absurden Blickwinkel und die Erforschung des Wahnsinns, die im Herzen des deutschen Expressionismus stehen, aber sie ist auch ein Ergebnis der Ängste und Erfahrungen, die durch ihn hervorgerufen werden Weltkrieg I. Drehbuchautoren Karl Mayer und Hans Janowitz brachten ihre pazifistische und antiautoritäre Botschaft ins Drehbuch, eine Botschaft, die laut und deutlich durch das ganze Bild klingelt. Die Buchstützen der Rahmengeschichte des Films dienen jedoch dazu, diese Botschaft zu untergraben, anstatt sie zu unterstreichen. Diese Interpretation mag immer noch Gegenstand von Debatten sein, aber ihr Platz in der Horrorgeschichte ist dank Cesare, dem Somnambulisten, und dem bestialischen, doppelzüngigen Dr. Caligari felsenfest. – Dave Trumbore

Carrie (1976)

Mit Carrie , Brian de Palma nahm eine davon Stephen King 's magersten Geschichten, durchdrungen von seiner High-Style-Ästhetik und ein Horror-Meisterwerk über die Gefahren des Missbrauchs geschaffen, das Ihnen den Magen verdreht mit dem sicheren, unvermeidlichen Wissen, dass dies alles sehr schlecht enden wird. Während De Palmas charakteristischer Stil und seine Begabung für paranoides Unbehagen sein erschreckendes Konstrukt zum Platzen bringen, baut es in den Oscar-nominierten Auftritten auf zwei Säulen von enormer Stärke auf Sissy Spacek als der titelgebende pubertierende Telepath und Piper Laurie als ihre schrecklich fromme Mutter, die ihre Tochter zu einem Leben der Ausgestoßenen, Einsamkeit und lähmenden Naivität beschützt und gequält hat.

Als Carrie ihre Periode bekommt, ohne zu wissen, was passiert oder was das bedeutet, wird sie von den Mädchen in der Umkleidekabine ihrer Schule brutal gemobbt, die sich in der besonderen Art von Hässlichem vereinen, die vom Gruppendenken herrührt, schreit und Tampons auf sie schleudert, während sie schreit , weint und zittert nackt in den öffentlichen Duschen. Von Schuldgefühlen belastet, Sue Snell ( Amy Irving ) rekrutiert ihren Freund Tommy (einen mit Löwenmähnen). Wilhelm Kat ), Carrie zum Abschlussball mitzunehmen, scheinbar ein wahr gewordener Traum, der sich in einen fieberhaften Albtraum verwandelt, als die Schläger der Schule erneut zuschlagen, grausamer als je zuvor.

Als das Blut dieses Schweins ikonisch auf Carries allzu kurzlebiges Glück regnet, verurteilen sie ihre Klassenkameraden zu einem feurigen Tod, als das Trauma die volle Kraft ihrer telepathischen Fähigkeiten in einem tödlichen Wutausbruch entfesselt. Als Carrie ist Spacek exquisit, und du fühlst einen zärtlichen Schmerz für das lebenslange Leiden dieses armen Mädchens – bis sie zusammenbricht und du nichts als Schrecken empfindest, als sie die Welt um sie herum mit einem käferäugigen Blick und eiskalter Stille in eine Höllenlandschaft verwandelt. Es ist eine der besten King-Adaptionen aller Zeiten, aber es ist auch ein vollständiges Produkt von De Palmas stilistischer Blüte und ein Beweis für die Gabe des Regisseurs, jedes Genre unter die Sonne zu nehmen und es zu einer krankmachenden Übung in Angst zu machen. – Haleigh Foutch

Katzenmenschen (1942)

Jacques Turner 's Katzenmenschen ist ein Horrorfilm der ganz anderen Art. Außerhalb des Bereichs häufigerer mythologischer Monster ist dieser Titel Terror entnommen Val Lewton 's Kurzgeschichte The Bagheeta, die 1930 veröffentlicht wurde. Die Geschichte folgt einem Amerikaner namens Oliver Reed ( Kent Smith ), die sich in eine serbische Einwanderin namens Irena verliebt ( Simon Simon ), die aufgrund der Legenden aus ihrem Heimatdorf den eigentümlichen Glauben hat, dass sie sich in eine Wildkatze verwandelt, wenn sie sexuell erregt wird. Wie zu erwarten, verkompliziert dieser Glaube ihre Beziehung, aber sie heiraten trotzdem. Die eigentliche Komplikation entsteht, als Oliver beginnt, sich in seine Kollegin Alice zu verlieben ( Jan Randolph ). Die Hölle hat keine Wut wie eine verschmähte Katzenfrau.

Katzenmenschen ist anders als alle anderen Horrorfilme auf dieser Liste. Irena verwandelt sich nicht aus einer Laune heraus oder durch eine chemische Besessenheit vor den Augen der Kamera, sondern durch den Akt der sexuellen Anziehung. Oliver, frustriert von einer geschlechtslosen Ehe und der Unfähigkeit, Irena bei der Überwindung ihres Aberglaubens zu helfen, bittet einen Psychiater um Hilfe und vertraut Alice seine Probleme an. Diese Entscheidungen dienen nur dazu, ihre Beziehungen weiter zu verkomplizieren und Irenas Eifersucht so weit zu nähren, dass sie außer Kontrolle gerät und sie dazu bringt, Alice durch die Straßen und in ihr eigenes Haus zu verfolgen. Zu allem Überfluss erweckt eine Affäre mit dem Psychiater Irenas latente Ängste und Überzeugungen auf schreckliche Weise zum Leben. Katzenmenschen beschäftigt sich mit für die damalige Zeit so ungewöhnlichen Themen wie mächtige und gefährliche Frauen, die Gefahren von Sex und Verführung, Scheidung, Femme fatales und Geisteskrankheiten. Sein Fazit ist jedoch alles andere als erhebend, seien Sie also vorbereitet. – Dave Trumbore

Friedhofsmann (1994)

Nach der Arbeit als Regieassistent für Größen wie Dario Argento und Terry Gilliam , der italienische Filmemacher Michele Soavi machte seinen Breakout-Film mit dieser seltsamen Geschichte von Zombie-Liebe, mit einem unwahrscheinlichen Rupert Everett einen Friedhofsverwalter spielen, der sich genauso oft mit lebenden Toten auseinandersetzen muss wie mit bloßen Toten. Soavis Geschichte mit Giallo ist hier offensichtlich, aber er hat hier nicht viele überschwängliche, romantisierte Momente, selbst als Everetts sorgloser Lothario sich in die wunderschöne Frau eines kürzlich verstorbenen Aristokraten verliebt, die prompt zum Leben erwacht und seine frühere Liebe mit seiner Pest infiziert .

Es gibt eine Andeutung von Hitchcock Schwindel in der Art und Weise, wie Everetts Figur weiterhin einen mörderischen Pfad mit Visionen von der Witwe verfolgt, und die Romanze zwischen seiner übergewichtigen, geistig behinderten Assistentin und dem toten Kopf einer Politikertochter hätte eine Nebenhandlung sein können Tot lebendig , aber darum geht es Soavi letztendlich nicht. Zynismus ist die letzte Faszination des Regisseurs, und darin Friedhof Mann funktioniert als eine Art warnende Geschichte. Everetts Charakter beginnt zu glauben, dass die Toten nützlicher und freundlicher sind als die Lebenden, was ihn zu einem unverschämten, mörderischen Verhalten führt. Verlieren Sie nicht Ihren Glauben an die Menschheit, schlägt Soavi vor, sonst könnten Sie anfangen, sich wohl zu fühlen, ja sogar neidisch auf die Toten zu werden. – Chris Kabine

Der Wechselbalg (1980)

Obwohl das Spukhaus-Genre zu der Zeit wohl in Ungnade gefallen war Der Wechselbalg in die Kinos kommen, Peter Medak , dessen schwarze Komödie aus den frühen 70ern Die herrschende Klasse verschaffte dem Möchtegern-Autoren einen zugeknöpften Ruf, schaffte es, einen Film zu machen, der letztendlich ein manierierter Klassiker des Genres werden sollte, verdammt noch mal. All die weitreichende, schleichende Angst hervorrufen Der Spuk injiziert mit einem Kern aus tiefsitzendem Verlust, Der Wechselbalg ist weniger ein Horrorfilm als vielmehr ein beunruhigendes Mysterium, brillant gedreht und kalibriert, um alle bekannten Kästchen des Genres anzukreuzen, während es ihm gelingt, einen Mythos aufzubauen, der tief genug ist, um als sein eigener hervorzutreten. Ein klarer Beeinflusser zukünftiger Kinderschrecken wie Das Rückgrat des Teufels und Das Waisenhaus , Medaks akribische Regie gepaart mit George C. Scotts teilnahmslos meisterhafte Darstellung eines Vaters in den Wehen eines immensen Verlustes macht den Film zu einem unumgänglichen Highlight, auch als Der Wechselbalg rumpelt seinem unvermeidlichen, gotischen Abschluss entgegen. – Aubrey-Seite

Christin (1983)

Im Zentrum von Johannes Zimmermann ’s wilde, beunruhigende Geschichte, die zweitbeste Verfilmung einer Adaption von a Stephen King Roman, ist die Besessenheit eines jungen Mannes von seinem ersten großen Auto. Man muss nicht weiter schauen als auf den Erfolg der Fast & Furious Franchise, um ein Gefühl dafür zu bekommen, wie eng Autos mit einem bestimmten männlichen Archetyp in Amerika verflochten sind. Wo die von Vin Diesel entworfene Reihe von Actionfilmen diese Besessenheit wie ein Pächter des biblischen Glaubens aufrechterhält, Christine sieht diesen Wunsch, sich im Auto zu spiegeln, zu Recht als eine Art schwere Krankheit. Wenn unser nerdiger Held ( Gekleidet zum Töten ausbrechen Keith Gordon ) findet und baut zuerst den titelgebenden Plymouth Fury auf, es gibt ihm einen Schub an Selbstvertrauen und Ego, genug, dass er das Mädchen seiner Träume abholt ( Alexandra Paul ) über sein Traumschiff, netter bester Freund ( John Stockwell ). Schon bald wird die Beziehung jedoch düster und Christine fängt an, diejenigen zu ärgern, die ihren Besitzer verspotten.

Carpenter sieht den unvermeidlichen Umschwung vom Selbstbewusstsein zum widerwärtigen Ego auf geniale Weise als eine Frage des männlichen Stolzes, der von einem Oldtimer, der tötet, in den Alltag gezaubert wird. Der eisige Score hilft, aber dies ist klassischer Carpenter, der ein Maß an erhabener Angst und Schrecken zeigt, das so überzeugend ist, dass es einem Angst vor einem empfindungsfähigen Auto machen kann. – Chris Kabine

Die Heimsuchung (2013)

Es gibt viele Besitzfilme da draußen, aber James Wan 's Ansatz, einen von zu bringen Ed und Lorraine Warren 's Fälle zum Screening Die Beschwörung hat weit mehr Herz und technisches Know-how als die meisten anderen. Basierend auf einer ihrer echten Fallakten dreht sich der Film um die Familie Perron. Fast unmittelbar nach Roger ( Ron Livingston ), Caroline ( Lili Taylor ) und ihre fünf Töchter in ein heruntergekommenes Bauernhaus ziehen, passieren seltsame Dinge. Wan schafft es nicht nur zu machen Die Beschwörung die Geschichte der Familie Perron, stellt starke Verbindungen zwischen den Charakteren her, eine charmante Familiendynamik und zeigt dann, wie das böse Wesen sie zerstören könnte, aber er paart sie auch perfekt mit der Perspektive der Warrens und stellt gut dar, warum sie das Bedürfnis haben zu helfen und dann auch der Tribut, den der Fall von ihnen fordert. Die Paarung führt zu einer besonders vielschichtigen Besitzgeschichte, die Schüttelfrost auslöst, weil Sie sich wirklich um die Charaktere sorgen, nicht weil sie voller Sprungangst ist. – Perri Nemiroff

Morgendämmerung der Toten (1978)

Morgendämmerung der Toten ist vielleicht der größte Zombiefilm aller Zeiten, obwohl er in erbitterter Konkurrenz zu seinem Vorgänger steht Nacht der lebenden Toten , das atemberaubende Spielfilmdebüt, mit dem Georg Romero erfand im Alleingang den modernen Zombiefilm, wie wir ihn kennen. Für seine Fortsetzung wich Romero der Versuchung aus, vertrautes Terrain neu zu betreten (eine Eigenschaft, die er für jeden seiner folgenden der toten Filme beibehalten würde, selbst wenn sie zu einer Reihe abnehmender Erträge werden), und ließ die intimen Grenzen eines Zuhauses für die sich ausbreitenden ( aber immer noch begrenzt) Bereiche eines Einkaufszentrums und tauscht seine schwarz-weiße Trostlosigkeit gegen eine verspielte, farbgesättigte Palette.

Morgendämmerung der Toten ist in jeder Hinsicht eine Horror-Fortsetzung, größer und blutiger, aber es behält Romeros Engagement bei, soziale Kommentare aufzuspießen, diesmal gegen den amerikanischen Konsumismus. Es ist auch randvoll mit Romeros geschicktem Auge für viszerale Gewalt, die mit erstklassigen Gore-Effekten der alten Schule wiedergegeben wird Tom Savini , der legendäre Handwerker des Gemetzels, der seine Erfahrung als Kampffotograf in Vietnam in eine Karriere einbrachte, in der er seit Generationen Alpträume auf der Leinwand schuf. Wie in allen großartigen Werken von Romero (und dem besten Horror im Allgemeinen) fungiert das Blutvergießen als Kulisse für ein fesselndes Charakterdrama, während die Gruppe von Fremden, die in dem verlassenen Einkaufskomplex Zuflucht suchen, im Laufe des Monats mit zunehmenden zwischenmenschlichen Konflikten fertig wird Zufluchtsort vor einer verrückt gewordenen apokalyptischen Welt. Romero inszeniert alles mit Witz und Einfühlungsvermögen und einem unerschütterlichen Auge dafür, wann der nächste große Schrecken fallen sollte. – Haleigh Foutch