Die 10 besten ausländischen Arthouse-Filme
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Filmische Arthouse-Perlen aus aller Welt, die ebenso herausfordernd wie lohnend sind.
Jeder liebt einen guten Blockbuster, aber in den Herzen der Cineasten haben Arthouse-Filme einen besonderen Platz. Hierbei handelt es sich um Filme, in der Regel unabhängige Filme, die mit einem geringeren Budget und einem intimeren Ziel gedreht werden, um eine bestimmte Nische statt das Mainstream-Publikum anzusprechen. Sie sind in der Regel experimentell und werden von der Autorenstimme des Regisseurs an ihrer Spitze angetrieben, der sich mit schwierigen und sogar herausfordernden, aber dennoch faszinierenden Themen auseinandersetzt.
In der ganzen Welt, Viele künstlerische Stimmen aus nicht englischsprachigen Ländern haben neu definiert, was ein Arthouse-Film sein kann . Von poetischen Regisseuren wie Andrei Tarkowski und sein Stalker bis hin zu lateinamerikanischen Ikonen wie Alfonso Cuarón und sein Und deine Mutter auch , es gibt viele ausländische Arthouse-Meisterwerke, die den Test der Zeit bestanden haben. Sie sind ein Fenster in andere Realitäten, ein Portal, das das Publikum in eine völlig andere Art und Weise entführt, künstlerisches Kino zu machen.
10 „Tokyo Story“ (1953)
Regie: Yasujirō Ozu
Der japanische Meisterfilmemacher Yasujirō Ozu hatte eine der markantesten Stimmen, die die Filmindustrie je gesehen hat. Ozu war bekannt für seine naturalistischen und langsamen Erzählungen über reale menschliche Konflikte, gefilmt mit der unauffälligsten Kinematographie, die man im asiatischen Kino finden kann, und war einer der einflussreichsten Autoren, die jemals aus Japan hervorgegangen sind. Sein beliebtester Film, wohl sein bester, ist Tokio-Geschichte , über ein altes Ehepaar, das seine Kinder und Enkel in der Stadt besucht und feststellt, dass sie dort möglicherweise nicht so willkommen sind, wie sie es sich gewünscht hätten.
Tokio-Geschichte ist einer von die besten und einflussreichsten Filme der 50er Jahre , Er erzählt eine zutiefst bewegende Geschichte von herzzerreißender emotionaler Kraft auf eine so bewundernswert zurückhaltende Art und Weise dass es dadurch noch mehr zu einem Tränenfluss wird. Es zeigt die größten künstlerischen Fähigkeiten seines Regisseurs in ihrer ganzen Pracht, und obwohl sein langsames Tempo und seine einfache Geschichte möglicherweise nicht dem Geschmack des allgemeinen Publikums entsprechen, ist es für Interessierte eine fantastische Einführung in Ozus Stil.
Tokio-Geschichte
Theater- Veröffentlichungsdatum
- 13. März 1972
- Gießen
- Chishû Ryû, Chieko Higashiyama, Sô Yamamura, Setsuko Hara
- Laufzeit
- 136 Minuten
- Schriftsteller
- Kôgo Noda, Yasujirô Ozu
9 „Und deine Mutter auch“ (2001)
Regie: Alfonso Cuarón
Das Mainstream-Kino hat oft große Angst davor sexlastige und intime Filme – Daher ist Arthouse für sie in der Regel das perfekte Zuhause. Alfonso Cuarón hat das mit bewiesen Und deine Mutter auch , einer der beliebtesten mexikanischen Filme beim internationalen Publikum. Es geht um zwei Jungen im Teenageralter und eine ältere Frau, die sich auf einen Roadtrip begeben, der ihnen das eine oder andere über das Leben, einander und sich selbst beibringt.
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An der Oberfläche, Und deine Mutter auch ist sexy und fröhlich, bis es emotional verheerend wird. Unter dieser Oberfläche liegt eine kraftvolle Kritik an der damaligen politischen und sozioökonomischen Lage Mexikos , das vom Publikum jeder Nationalität geschätzt und genossen werden kann. Es ist ein ungeheuer kraftvoller Film mit drei außergewöhnlichen Hauptdarstellern Maribel Verdú , Gael Garcia Bernal , Und Diego Luna , was beweist, dass an Filmen, die keine Angst davor haben, ein wenig hitzig zu werden, nichts falsch ist, insbesondere wenn Sexualität dazu verwendet wird, die Psyche der Figur zu erforschen.
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8 „Ein hellerer Sommertag“ (1991)
Regie: Edward Yang
Die späte Edward Yang war einer der größten taiwanesischen Filmemacher aller Zeiten und Ein strahlenderer Sommertag ist wohl sein bester Film. Einer von die besten Arthouse-Epen aller Zeiten Dieses fast vierstündige Jugendkrimidrama basiert auf einer wahren Geschichte über einen Konflikt zwischen zwei Jugendbanden. Der Zusammenstoß zwischen dem Chef einer der Banden und der Freundin eines 14-jährigen Jungen führt zu einem gewalttätigen Höhepunkt.
Dieses kraftvolle Coming-of-Age spielt vielleicht in Taipeh, aber Ein strahlenderer Sommertag 'S Die Themen sind für jeden nachvollziehbar, der jemals Probleme mit der Identität und dem Generationenkonflikt erlebt hat . Die Laufzeit ist für einen Film wie diesen sicherlich entmutigend, aber diejenigen, die bereit sind, geduldig zuzusehen, wie sich Yangs faszinierende Charaktere und seine Geschichte entfalten, werden mit einem zeitlosen Klassiker verwöhnt, der ihnen lange in Erinnerung bleiben wird.
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7 „Komm und sieh“ (1985)
Regie: Elem Klímov
Es ist vielleicht nicht gerade ein Horrorfilm, aber Kommen Sie und sehen Sie ist vielleicht der schrecklichste Arthouse-Film jemals gemacht wurde. Der Film spielt im Zweiten Weltkrieg und handelt von einem kleinen Jungen, der ein Gewehr findet und sich dem sowjetischen Widerstand gegen die deutschen Streitkräfte anschließt. Erleben Sie die Schrecken und Gräueltaten des Krieges mit den Augen eines Kindes (insbesondere eines Kindes, das so tadellos gespielt hat). Alexey Kravchenko spielt seine Rolle) ist eine wirklich erschütternde Erfahrung.
Der Art-Regisseur Elem Klimov stellt die russische Landschaft als eine gewalttätige und unvorhersehbare Höllenlandschaft dar, die ebenso bewundernswert wie verheerend ist. Während der Krieg weiter tobt, wird Flyoras Seele langsam verdreht und korrumpiert. Das Publikum ist gezwungen, einige der unangenehmsten Szenen, die es jemals sehen wird, mitzuerleben . Es ist vielleicht keine einfache Erfahrung, aber Kommen Sie und sehen Sie ist aufgrund seiner schieren Kraft und Bereitschaft, sich mit einigen der dunkelsten Aspekte der menschlichen Erfahrung auseinanderzusetzen, absolut die Mühe wert.
Kommen Sie und sehen Sie
Nicht bewertet. Wo zu sehen*Verfügbarkeit in den USA
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Nicht verfügbar
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- 3. September 1985
- Gießen
- Aleksey Kravchenko, Olga Mironova, Liubomir Laucevicius, Vladas Bagdon
- Laufzeit
- 142 Minuten
6 „Der Heilige Berg“ (1973)
Regie: Alejandro Jodorowsky
Chilenisch-französischer Filmemacher und Künstler Alejandro Jodorowsky ist definitiv ein erworbener Geschmack, aber seine Beiträge dazu Definition und Neudefinition des filmischen Surrealismus sind unbestreitbar. Der Heilige Berg ist das atemberaubende Werk, das normalerweise als sein bestes gelobt wird. In seiner korrupten Welt, die von Gier angetrieben wird und nicht den typischen Regeln der Realität unterliegt, führt ein mächtiger Alchemist eine messianische Figur und sieben farbenfrohe Charaktere zum Heiligen Berg, wo sie Erleuchtung erlangen werden.
Bizarr, anschaulich, wunderschön und transzendental spirituell, Der Heilige Berg ist die Arbeit eines Meisters, der sein Handwerk vollständig beherrscht. Der Film ist pure und hemmungslose Arthouse-Güte , keine Angst davor, mit seinen Themen Religion und der der Menschheit innewohnenden Korruption oder der Art und Weise, wie er sie darstellt, kontrovers zu sein. Als Newcomer in Jodorowsky einzusteigen, wird immer eine Herausforderung sein, aber man könnte genauso gut mit seinem Meisterwerk beginnen.
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5 „Engels Ei“ (1985)
Regie führte Mamoru Oshii
Mit einer Länge von nur 71 Minuten, Engelsei ist surreales Anime-Glück. Der stark allegorische und visuell atemberaubende Film handelt von einem geheimnisvollen Mädchen, das mit einem großen Ei in der Hand durch eine trostlose, jenseitige Landschaft wandert. Direktor Mamoru Oshii Die Vision von Mutterschaft, Weiblichkeit und der Verbindung zwischen Träumen und Realität ist zutiefst provokativ und fesselnd, aber Engelsei lässt grenzenlosen Raum für andere Interpretationen seiner Erzählung.
Dank seiner unglaublichen Animation, der eindringlichen Musik und dem Sounddesign sowie der fesselnden Geschichte ist dies eines der besten besten und ambitioniertesten animierten Arthouse-Filme aller Zeiten. Seine undurchdringliche Bildsprache und der reichliche Einsatz von Surrealismus können definitiv eine kleine Herausforderung sein für ein allgemeines Publikum, insbesondere für diejenigen, die an solche schwer fassbaren Erzählungen nicht gewöhnt sind. Die kurze Laufzeit macht es jedoch viel einfacher, motiviert zu sein, alles zu interpretieren, was auf dem Bildschirm angezeigt wird.
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4 „Person“ (1966)
Regie: Ingmar Bergman
Ingmar Bergmann ist vielleicht der größte und bekannteste schwedische Filmemacher, der je gelebt hat, und das aus gutem Grund. Als Meister des langsamen, höchst introspektiven Arthouse-Kinos drehte Bergman Filme wie Person , eines der kraftvollsten Bilder, die die europäische Filmindustrie geschaffen hat. Dieser Film ist wahrscheinlich sein Meisterwerk und folgt einer Krankenschwester, die sich um eine stumme Schauspielerin kümmert, und der bizarren Dynamik, die sich zwischen ihnen zu bilden beginnt.
Bibi Andersson Und Liv Ullmann , gemeinsame Mitarbeiter von Bergman, sind in ihren Rollen mehr als erstaunlich. Sie erschaffen Charaktere, die ebenso geheimnisvoll wie faszinierend sind und die Themen der Erzählung, Dualität und Weiblichkeit, perfekt verkörpern. Person ist mit Abstand das surrealistischste Werk seines Regisseurs, Verwendung seltsamer Bilder und mysteriöser Szenen, um eine Geschichte zu durchdringen Das verlangt, mindestens zweimal gesehen zu werden.
Person
Nicht bewertetDramaThriller Wo zu sehen*Verfügbarkeit in den USA
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Nicht verfügbar
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- Veröffentlichungsdatum
- 16. März 1967
- Gießen
- Bibi Andersson, Liv Ullmann, Margaretha Krook, Gunnar Björnstrand, Jörgen Lindström
- Laufzeit
- 83 Minuten
- Schriftsteller
- Ingmar Bergmann
3 „Satan Tango“ (1994)
Regie führte Béla Tarr
Es ist ein gewaltiges Kunstwerk für sich, aber ein ungarischer Filmemacher Béla Tarr 'S Satan-Tango ist wahrscheinlich am bekanntesten für die Tatsache, dass es fast siebeneinhalb Stunden lang ist. Die Geschichte handelt von den Bewohnern einer zusammenbrechenden Kollektivfarm, deren optimistische Pläne in Verzweiflung umschlagen, als Irimiás, ein ehemaliger Kollege, den sie für tot hielten, in die Gemeinde zurückkehrt.
Visuell großartig, meisterhaft inszeniert und völlig selbstbewusst in seinem eisigen Langsamtempo. Satan-Tango ist definitiv eines der einzigartigsten Dramen, die die Leinwand je gesehen hat . Es sind gerade seine übertriebene Länge und sein langsam brennender Rhythmus, die die Themen des sozioökonomischen Kampfes und des Nihilismus verstärken und ein Quasi-Fegefeuer schaffen, das auffallend und äußerst beunruhigend ist. Diese Gründe und viele andere sind der Grund Satan-Tango ist einer von die besten Arthouse-Filme aller Zeiten .
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2 „Stalker“ (1979)
Regie: Andrei Tarkowski
Andrei Tarkowski , Meister des langsam brennenden poetischen Kinos, war einer der größten Filmemacher, die jemals aus der Sowjetunion hervorgegangen sind. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Meisterwerke geschaffen, aber Stalker , Insbesondere ist es wahrscheinlich Der beste Arthouse-Science-Fiction-Film aller Zeiten . Darin führt ein Mann einen Schriftsteller und einen Professor in einen mysteriösen Bereich namens Zone, auf der Suche nach einem Raum, der den innersten Wunsch seiner Besucher erfüllt.
es darf nicht sein Tarkowskis zugänglichster Film , Aber Stalker ist mit Sicherheit einer seiner besten. Seine Meditation über Glaubensthemen und sein Vertrauen auf menschliche Verbindungen sind zutiefst bewegend und regt zum Nachdenken an, und seine subtilen, aber fesselnden Science-Fiction-Elemente machen es überraschend unterhaltsam. Mit Stalker , beweist Tarkovsky, dass das Genre keine epischen Raumschiffschlachten oder komplexen technischen Systeme braucht, damit ein Science-Fiction-Film enorm kraftvoll ist.
Stalker
Nicht bewertetes Science-Fiction-Drama Wo zu sehen*Verfügbarkeit in den USA
- Strom
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Nicht verfügbar
Nicht verfügbar
- Veröffentlichungsdatum
- 25. Mai 1979
- Gießen
- Alexander Kaidanovsky
- Laufzeit
- 162 Minuten
1 „Andrei Rubljow“ (1966)
Regie: Andrei Tarkowski
Obwohl Stalker ist Tarkowskis beliebtestes Werk, Andrej Rubljow ist wahrscheinlich sein Bestes. In diesem höchst unkonventionelles Biopic , erkundet der Regisseur das Leben, die Arbeit und die Leiden des titelgebenden Ikonenmalers aus dem mittelalterlichen Russland. Mit etwas mehr als drei Stunden Spielzeit ist Tarkovsky in der Lage, Themen wie Religion, Kunst und Leben anzusprechen und zu zeigen, dass diese drei Dinge tatsächlich ein und dasselbe sind.
Andrej Rubljow ist kein typisches historisches Epos. Es ist langsam, einzigartig strukturiert und setzt voraus, dass die Zuschauer vor dem Anschauen ein wenig oberflächliches Wissen über das Leben und die Kunst Russlands im Mittelalter haben. Allerdings ist es auch einer der besten Filme, die je gedreht wurden. Seine Geschichte ist faszinierend und zutiefst lebensbejahend Seine Produktionsqualitäten sind für einen sowjetischen Film aus den 60er-Jahren absolut atemberaubend, und Tarkovskys volle Beherrschung seines Handwerks ermöglicht es ihm, dem Film ein Gefühl zu verleihen ein Moloch purer Hochkunst .