Die 25 besten Arthouse-Filme aller Zeiten, Rangliste
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„Das ist Kunst. Verstanden?“

Der Begriff „Arthouse“ ist, wenn er auf die Welt des Filmemachens angewendet wird, ziemlich weit gefasst. Betrachtet man es jedoch als eine Art Genre, ist es unbestreitbar eines der interessantesten, da zu viele einzigartige Filme als Arthouse-Filme gelten, als dass man sie zählen könnte. Im Großen und Ganzen ist ein Arthouse-Film einer, der das ist Wer sich nicht davor scheut, experimentelle Elemente einzubauen, wird in der Regel die künstlerische Vision eines einzelnen Autorenregisseurs sein und kann es auch sein definiert durch eine begrenzte kommerzielle Attraktivität .
Das heißt zwar, dass Arthouse-Filme wahrscheinlich nicht jedermanns Sache sind, aber solche potenziell spaltenden Eigenschaften sind in der DNA dieser Art von Filmen verankert. Die folgenden Filme enthalten alle starke Arthouse-Elemente, wobei einige etwas zugänglicher wirken als andere. Alle bieten jedoch beeindruckende und/oder interessante Seherlebnisse, und das ist das Wichtigste: Diese hochwertigen Arthouse-Klassiker werden unten aufgeführt, beginnend mit den Großen und endend mit den Größten.
25 „Atemlos“ (1960)
Regie: Jean-Luc Godard

Typischerweise werden Arthouse-Filme als besonders künstlerische oder impressionistische Dramen angesehen, aber manchmal auch Das Arthouse-Genre kreuzt sich mit dem Krimi-Genre , und die Ergebnisse sind oft unglaublich fesselnd anzusehen. Einer der prägendsten Arthouse-Krimifilme ist Atemlos Darin geht es um einen jungen Mann, der versucht, eine junge Frau davon zu überzeugen, mit ihm auf die Flucht zu gehen, nachdem er ein Verbrechen begangen hat.
Es war ein wegweisender Film innerhalb der französischen New-Wave-Bewegung und gilt bis heute als eines der bedeutendsten Werke des legendären französischen Filmemachers Jean-Luc Godard . Es hatte einen Stil und einen Rhythmus (hauptsächlich dank des ausgefallenen Schnitts), der zu dieser Zeit einzigartig war , mit Atemlos und andere Filme der französischen New-Wave-Bewegung letztendlich den Weg für New-Hollywood-Klassiker ebnen in den späten 1960er- und 1970er-Jahren.
24 „Drei Farben: Blau“ (1993)
Regie: Krzysztof Kieślowski

Nur wenige Arthouse-Regisseure waren es in den 1990er Jahren ebenso erfolgreich als polnischer Filmemacher Krzysztof Kieslowski . Nach seinem bahnbrechenden Erfolg Dekalog Im Jahr 1988 drehte er eine Miniserie (von der zwei Episoden zu erfolgreichen Spielfilmen wurden), in den 90er Jahren veröffentlichte er dann gefeierte Filme wie Das Doppelleben der Veronique und das Drei Farben Trilogie, bevor er 1996 im Alter von nur 54 Jahren bedauerlicherweise verstarb.
Von seinen verschiedenen Filmen der erste zum Thema Drei Farben Trilogie, bekannt als Blau , ist wohl das Beste. Es ist ein langsamer und emotional niederschmetternder Film über eine Frau, die nach einer unaussprechlichen Tragödie mit ihrer Trauer zu kämpfen hat. Drei Farben: Blau Ist Schwerfällig und alles andere als eine einfache Uhr, aber sie beeindruckt durch ihre Atmosphäre und den kräftigen Einsatz von Farben (Es sollte nicht allzu schwierig sein herauszufinden, welche Farbe hier am häufigsten verwendet wird.)
23 „Tänzer im Dunkeln“ (2000)
Director: Lars von Trier

Tänzer im Dunkeln dauert Elemente aus klassischen Musikfilmen und verwandelt sie in etwas Düstereres, während sie gleichzeitig eine brutale und tragische Geschichte erzählt, die fast jeden, der sie sieht, verärgert. Der Film dreht sich um eine große Ungerechtigkeit, die einer Frau folgt, die beschuldigt wird, ihren Vermieter ermordet zu haben, während sie langsam erblindet und verzweifelt versucht, zu verhindern, dass ihr einziger Sohn später in seinem Leben die gleiche Krankheit entwickelt.
Selbst nach den Maßstäben von der unermüdlich pessimistische Lars von Trier , Tänzer im Dunkeln ist überaus niederschmetternd , aber es drängt auch an Orte, die selbst abgestumpfte Zuschauer berühren, die denken, sie hätten alles gesehen und erlebt, wenn es um Filme geht. Es ist ein kühnes und düsteres Musical , wobei sowohl die gewöhnlichen Sequenzen als auch die fantastischen Gesangs- und Tanzszenen auf einzigartige Weise gefilmt und präsentiert werden.
22 „Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Brüssel“ (1975)
Regie: Chantal Akerman

Wie bereits anhand einiger zuvor genannter Beispiele deutlich werden sollte, neigen Arthouse-Filme dazu, den Zuschauer zu provozieren und herauszufordern, und kaum jemand könnte von sich behaupten, provokativer und herausfordernder zu sein Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Brüssel . Wenn Sie der Meinung sind, dass der Titel lang ist, warten Sie einfach, bis Sie die volle Laufzeit erreicht haben: drei Stunden und 22 Minuten, um genau zu sein.
Bestimmte Filme, die länger als drei Stunden dauern, können im Handumdrehen vergehen, insbesondere wenn sie epische oder aufregende Geschichten haben, aber Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Brüssel Es geht ihm nicht um solche Dinge, sondern darum, den langweiligen Lebensstil einer vernachlässigten alleinerziehenden Mutter einzufangen. Sie geht ihren Routinen nach und die Zuschauer sehen, wie sich ihr Leben über mehrere Tage hinweg auf subtile Weise langsam entwirrt (der Film selbst hat manchmal das Gefühl, dass man mehrere Tage braucht, um ihn anzusehen). Es ist unbestreitbar effektiv in dem, was es erreichen soll. und das Unangenehme, Unbefriedigende, wohl langweilige Erzählung (oder deren Fehlen) ist da beabsichtigt .
einundzwanzig „Blau“ (1993)
Regie: Derek Jarman

Blau ist in seiner Präsentation so einzigartig, dass es sich auf eine Art und Weise entfaltet, in der es ist ohne Bildmaterial völlig verständlich . Es erschien im selben Jahr wie Drei Farben: Blau , ist aber ein ganz anderes Filmwesen eine experimentelle Klangcollage, die über 79 Minuten läuft und auf der Leinwand nur ein einziger blauer Hintergrund zu sehen ist . Wenn man den Film mit genügend Kontext zu seinem Existenzgrund betritt, kann sich das Ganze als überraschend fesselnd und emotional erweisen.
Die durchgehend verwendeten Geräusche zielen darauf ab, den Filmemacher zu vermitteln Derek Jarmans Erfahrung mit AIDS, wobei die Krankheit kurz darauf tragischerweise sein Leben kostete Blau wurde veröffentlicht. Es handelt sich um einen experimentellen Film, der dennoch in vielerlei Hinsicht bei geduldigen Zuschauern, die bereit sind, ihm eine Chance zu geben, Anklang findet, und selbst im Vergleich zu anderen Filmen, die man als Arthouse-Film bezeichnen kann, sticht er als etwas ganz Besonderes heraus.
zwanzig „Der Heilige Berg“ (1973)
Regie: Alejandro Jodorowsky

Ein definitiver Arthouse-Klassiker, der wohl auch zählt zu den größten Filmen der 1970er Jahre , Der Heilige Berg repräsentiert Alejandro Jodorowsky in seiner seltsamsten, kompromisslosesten und interessantesten Form. Im weitesten Sinne Der Heilige Berg dreht sich um eine Gruppe von Menschen, die auf der Suche nach allem und jedem sind, sei es nach dem Sinn des Lebens, der Natur der Religion und der Entdeckung, wer – oder was – für die Existenz von allem verantwortlich ist.
Die Handlung ist auf eine Weise vage, die es erlaubt Der Heilige Berg um fast alles zu gehen, zumindest thematisch . Andere fühlen sich möglicherweise weniger empfänglich für den Lärm und das Chaos, und wenn man dem Film ein abscheuliches Wort wie „anmaßend“ an den Kopf werfen würde, wäre so etwas vielleicht einigermaßen verständlich. Doch auf jeden Fall ist der Ehrgeiz von Der Heilige Berg ist unbestreitbar, ebenso wie die schiere Menge an kreativen Bildern, die während der gesamten psychedelischen, umwerfenden Laufzeit geboten wird.
19 „Trauerparade der Rosen“ (1969)
Regie: Toshio Matsumoto

Trauerparade der Rosen hat einen mysteriösen und auffälligen Titel, aber die Seltsamkeit dieses Titels hat nichts mit dem Schock zu tun, den das Betrachten des Films selbst für das System auslöst. Es spielt in einer seltsamen Version des Tokio der 1960er-Jahre, lässt die Realität in sich zusammenfallen oder zeigt vielleicht einfach nur die Lebensart von damals aus einer Perspektive, die so groß ist fühlt sich in seiner Energie und Optik absolut einzigartig und atemberaubend an .
Selbst das Anschauen hilft nicht wirklich dabei, es mit einfachen Texten genau zusammenzufassen, wohl aber das Erlebnis des Anschauens Trauerparade der Rosen ist anders als alles andere, selbst im Vergleich zu anderen japanischen New-Wave-Filmen seiner Zeit. Die japanische Filmindustrie ist immer noch stark , natürlich Jahrzehnte nach der Veröffentlichung dieses Films, aber es wurde kaum etwas anderes im Land (oder eigentlich anderswo) gemacht, das sich so angefühlt hat wie dieser Film.
18 „Paris, Texas“ (1984)
Regie: Wim Wenders

Einer von vielen tolle Filme unter der Regie von Wim Wenders , Paris, Texas zeigt, wie der deutsche Filmemacher eine von vielen tadellosen Charakterstudien voller Herz, wunderschöner Bilder und geduldigem Geschichtenerzählen erstellt. Paris, Texas Im Mittelpunkt steht ein Mann, der vermisst wird, nachdem er einen Teil seines Gedächtnisses verloren hat, und die Bemühungen seines Bruders, ihn zu finden und ihm zu helfen, sein Leben wieder in den Griff zu bekommen.
Unter der Kuppel Staffel 1 Folge 12
Die Emotion von Paris, Texas ist schwer zu leugnen, aber es ist eine Art langsames Drama, das erst spät im Spiel vollständig zusammenkommt oder viel Katharsis bietet. Die schauspielerischen Leistungen und die atemberaubende Fotografie, die den gesamten Film durchziehen, tragen dazu bei, dass die langsameren Sequenzen dennoch fesselnd wirken Paris, Texas entsteht schließlich als eine großartige, kleine Geschichte über die persönliche Reise eines Mannes, die letztendlich den Eindruck erweckt, dass sie einen Großteil der menschlichen Existenz umfasst .
17 „Das siebte Siegel“ (1957)
Regie: Ingmar Bergmann

Eine Übersicht klassischer ausländischer Filme und/oder Arthouse-Kinos wäre nicht vollständig, ohne sie zumindest am Rande zu erwähnen Ingmar Bergmann und sein immenses Werk. Von den zahlreichen ikonischen Filmen, die er drehte, Das siebte Siegel ist wohl sein berühmtester; ein wegweisender Film der 1950er Jahre Darin geht es um einen Ritter, der auf der persönlichen Suche nach Erlösung ist und dabei auf den Tod persönlich trifft und ihn zu einer Schachpartie mit bemerkenswert hohem Einsatz herausfordert.
Das siebte Siegel ist ein weiterer hochtrabender Arthouse-Klassiker, bei dem es um die Erforschung der menschlichen Natur und des Sinns des Lebens selbst geht, der thematisch jedoch reichhaltig genug ist, dass es sich dennoch als sehenswert anfühlt Beeindruckend ist auch, dass es bei einer Laufzeit von etwa 90 Minuten einen so großen Umfang hat . Es ist zweifellos ein guter Ausgangspunkt für alle, die sich mit dem grundlegenden Arthouse-Kino vertraut machen und/oder die Filmografie von Ingmar Bergman erkunden möchten.
16 „Sunless“ (1983)
Regie: Chris Marker

Es zeigt, dass ein Film dabei wie Arthouse wirken kann gehört ebenfalls zum Dokumentarfilm-Genre , Ohne Sonne Es erweist sich als tiefgreifend und einzigartig, ganz gleich, wie Sie es kategorisieren möchten. Diejenigen, die einen herkömmlichen Dokumentarfilm erwarten, werden jedoch von der Herangehensweise dieses Films überrascht sein, da er darauf abzielt, ungewöhnliche Anblicke und Erlebnisse aus der ganzen Welt zu präsentieren, während die Erzählung nicht so sehr erklärt, was gezeigt wird; eher im Allgemeinen über Dinge über die Welt und das Leben nachdenkt.
Ohne Sonne ist wunderschön anzusehen, und auch wenn der Film im Wesentlichen so wirkt, als wäre er nichts anderes als Nebenbemerkungen, was für ein Dokumentarfilm Chris Marker darüber nachzudenken, klingt immer interessant. Es ist eines seiner bekanntesten Werke und wirkt prägend Beispiel dafür, wie das Genre Dokumentarfilm über die Norm hinausgehen kann und erkunden Sie einige wirklich ungewöhnliche Dinge auf eine Weise, die fesselnd und aufschlussreich bleibt.
fünfzehn „Werckmeister-Harmonien“ (2000)
Regie: Béla Tarr

Am bekanntesten für die Herstellung des Das ist ein miserabler und anstrengender Sieben-Stunden-Film Bald darauf , Béla Tarr leitete auch das ebenso elende (aber nicht annähernd so lange) Werckmeister Harmonien . Die Länge von Bald darauf verleiht ihm ein gewisses Maß an Bekanntheit und stellt für engagierte Filmfans fast eine Art Herausforderung dar, die es zu meistern gilt. Aber Werckmeister Harmonien ist zweifellos der stärkere und eindrucksvollere Film von Tarr .
Es ist ein Film über eine kleine Stadt in Ungarn, die sich für immer verändert, als im Zentrum der Stadt ein Zirkuszelt aufgebaut wird und darin angeblich der Kadaver eines ausgestopften Wals liegt. Der Film handelt im Wesentlichen von Menschen, die auf diese plötzliche Entwicklung reagieren, und letztendlich passieren dadurch viele schlimme Dinge. Es ist ein seltsamer und beunruhigend tragischer Film, aber er hinterlässt einen Eindruck und fühlt sich in seinem Tempo angemessen geduldig an, ohne Gefahr zu laufen, sich in Bezug auf die Laufzeit zu sehr zu vergnügen.
14 „Der Baum des Lebens“ (2011)
Regie: Terrence Malick

Terrence Malick Möglicherweise ist er der bekannteste amerikanische Filmemacher im Arthouse-Genre bzw. in der Arthouse-Szene, da er seinen Teil dazu beigetragen hat geheimnisvolle, seltsame und oft beeindruckende Filme schon seit über einem halben Jahrhundert. Der Baum des Lebens ist eines seiner bekanntesten Werke (vielleicht mit einem Star wie Brad Pitt half, wenn es um Werbung ging), und es ist gleichzeitig ein Familiendrama und eine Erkundung der Geburt des Universums.
Bestimmte Szenen spielen sich als verschwommene, möglicherweise subjektive Erinnerungen an das Erwachsenwerden um die Mitte des 20. Jahrhunderts ab, während andere Sequenzen darauf abzielen, darzustellen, wie das Leben selbst begann. Der Baum des Lebens gelingt Dabei geht es um etwas Kleines und etwas Großes zugleich , und obwohl Teile davon obskur und für manche vielleicht etwas zu künstlerisch wirken, kann der Film in seinen besten – und wirkungsvollsten – Momenten zweifellos emotional und visuell spektakulär sein.
Der Baum des Lebens
PG-13- Veröffentlichungsdatum
- 17. Mai 2011
- Direktor
- Terrence Malick
- Gießen
- Brad Pitt , Sean Penn , Jessica Chastain , Hunter McCracken , Laramie Eppler , Tye Sheridan
- Laufzeit
- 138
- Hauptgenre
- Theater
13 „Hiroshima Mon Amour“ (1959)
Regie: Alain Resnais
Zunächst hatte ich das Gefühl, dass es sich um einen Film aus dem Zweiten Weltkrieg handeln könnte. Hiroshima Mon Amour entwickelt sich schnell zu einem Film, der viel mehr daran interessiert ist, sofort eine unwahrscheinliche Romanze vor dem Hintergrund Japans zu erkunden nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs . Sie setzen sich mit der Zerstörung auseinander, die Hiroshima durch den Abwurf der Atombombe über der Stadt durch die USA zugefügt wurde, während sie sich gegenseitig kennenlernen und über ihre jeweilige Vergangenheit sprechen.
Hiroshima Mon Amour ist einer von vielen bahnbrechenden französischen Filmen, die um die Mitte des 20. Jahrhunderts veröffentlicht wurden, und obwohl er so etwas wie der oben genannte ist Atemlos Vielleicht wurde er von den Filmen, die er beeinflusst hat, übertroffen, aber dieser wirkt immer noch roh und schockierend. Es ist zuweilen ein unangenehmer Film, aber auch ein auffallend niederschmetternder , mit Hiroshima Mon Amour Es handelt sich um eine kompromisslose Auseinandersetzung mit verschiedenen Traumata und schwierigen Fragen über das mögliche Schicksal der Menschheit selbst.
12 „In the Mood for Love“ (2000)
Regie: Wong Kar-wai

Eine perfekte Destillation von Wong Kar-wais Stil gepaart mit einem einfachen und gleichmäßigen eine schmerzlich nachvollziehbare Geschichte über Romantik und das Bedürfnis, sich zu verbinden , In der Stimmung für Liebe wird seinem hohen Ruf gerecht. Es geht um zwei Menschen, die erfahren, dass ihre jeweiligen Partner beide eine Affäre haben, was dazu führt, dass sie sich mit der Frage auseinandersetzen, ob auch sie eine Romanze eingehen sollten oder nicht, da zwischen den beiden eine klare Verbindung besteht.
In der Stimmung für Liebe konzentriert sich fast ausschließlich auf diese beiden Charaktere und legt mehr Wert darauf, dass Bilder, Kameraführung und Musik die Geschichte erzählen, da Dialoge und Nebencharaktere auf ein Minimum beschränkt werden. Der resultierende Film ist subtil und fesselnd, entfaltet sich in gemächlichem Tempo, enthält aber eine gute Portion emotionaler Spannung, da der „Wollen sie oder wollen sie nicht“-Typus auf tadellose Weise im Arthouse behandelt wird.
In der Stimmung für Liebe
PGDramaRomance- Veröffentlichungsdatum
- 20. Mai 2000
- Direktor
- Wong Kar-wai
- Gießen
- Maggie Cheung, Tony Leung Chiu Wai, Rebecca Pan, Roy Cheung
- Laufzeit
- 98 Minuten
elf „Ran“ (1985)
Regie: Akira Kurosawa

Ran war nicht der letzte Film Akira Kurosawa jemals Regie geführt, aber es war wohl so sein epischstes und visuell eindrucksvollstes Werk . Es interpretiert die Grundprämisse von neu König Lear Und das vor einem historischen Hintergrund, in dem es um einen alternden Kriegsherrn geht, der beschließt, dass es an der Zeit ist, zurückzutreten und sein Königreich unter seinen Söhnen aufzuteilen. Sie alle haben jedoch widersprüchliche Interessen, die zu Verrat, Herzschmerz und vielen Todesfällen führen.
Obwohl es einige Kampfsequenzen und eine ganze Menge Spannung gibt, Ran ist auch ziemlich gedämpft, was historische Kriegs-/Dramafilme angeht. Es nimmt sich Zeit und präsentiert alle Szenen auf einzigartige Weise und zeigt, dass Kurosawa auch mit seinen 70ern immer noch ein unbestreitbar talentierter und grenzüberschreitender Filmemacher war. Ran Auch Der Film verwendet Farben besser als die meisten anderen Filme, gepaart mit der eindringlichen Filmmusik Dieser Film aus dem Jahr 1985 ist sowohl beim Ansehen als auch beim Anhören beeindruckend.
10 „Aguirre, der Zorn Gottes“ (1972)
Regie: Werner Herzog

Ein düsterer Abenteuerfilm, der vielleicht einer der erschütterndsten ist, die je gedreht wurden. Aguirre, der Zorn Gottes sieht das unnachahmlich Werner Herzog Feuer aus allen Zylindern , und das auch bemerkenswert früh in seiner Filmemacherkarriere. Die Grundidee konzentriert sich auf die Suche nach einer scheinbar goldenen Stadt im Amazonasgebiet, obwohl der Anführer dieser Expedition eine selbstzerstörerische Tendenz hat und ständig aus dem Ruder läuft.
Aguirre, der Zorn Gottes Es fühlt sich nie so an, als würde es eine Geschichte erzählen, die für alle Beteiligten gut ausgeht, aber es bleibt trotzdem überraschend, wie düster, trostlos und nihilistisch sie wird. Das sind aber auch Dinge, die es absolut fesselnd machen Selten waren Abstiege in die dunklere Seite der menschlichen Natur fesselnder und bewegender .
9 „Tage des Himmels“ (1978)
Regie: Terrence Malick

Mehr als drei Jahrzehnte zuvor Der Baum des Lebens veröffentlicht wurde, erreichte Terrence Malick mit der Veröffentlichung von seinen wohl umstrittenen Höhepunkt Tage des Himmels . Dieser Film ist zweifellos eines der besten seines Jahrzehnts , unabhängig davon, ob Sie sich Arthouse-Filme oder nur Filme im Allgemeinen ansehen. Und wie bei vielen Arthouse-Filmen ist die Handlung einfach und handelt von einem jungen Mann und einer jungen Frau, die planen, einen reichen, aber kränklichen Bauern zu betrügen.
Es ist ein Film, der bekanntermaßen fast ausschließlich im Freien gedreht wurde, und zwar überwiegend früh morgens oder spät abends , welche sorgt für eine gleichbleibend schöne Beleuchtung und führt zu unzähligen atemberaubenden Bildern, die durchgehend gezeigt werden . Ennio Morricones Auch die Partitur ist perfekt, sie gehört zu den besten, die er außerhalb geschrieben hat seine Zusammenarbeit mit Sergio Leone , und alle Zutaten addieren sich, um sicherzustellen Tage des Himmels ist ein bemerkenswerter Film.
Tage des Himmels
PG- Veröffentlichungsdatum
- 13. September 1978
- Direktor
- Terrence Malick
- Gießen
- Richard Gere , Brooke Adams , Sam Shepard , Linda Manz , Robert J. Wilke , Jackie Shultis
- Laufzeit
- 94
- Hauptgenre
- Theater
8 „Holy Motors“ (2012)
Regie: Leos Carax

Du Könnte anrufen Heilige Motoren ein Werk der Fantasie , aber man könnte es auch so ziemlich alles anders nennen … oder auf den Versuch verzichten, es überhaupt einem Genre zuzuordnen, weil es unglaublich dunkel, konfrontierend und unerschütterlich seltsam ist. Darin geht es um einen Mann, der von einer fremden älteren Frau herumgefahren wird und dabei eine Reihe von Aufgaben erledigt, bei denen er auf Schritt und Tritt eine neue Identität annehmen muss.
Es ist eine Odyssee durch das moderne Paris … vielleicht. Ob Fantasie im Spiel ist, ob es sich um heimliche Science-Fiction handelt, ob die seltsamen Anblicke und Geräusche im Kopf entstehen oder metaphorisch für etwas Alltägliches stehen – Es liegt im Grunde alles am Betrachter und an der eigenen Interpretation. Das könnte einige frustrieren, aber andere werden die einzigartige Reise, die etwas bietet, wahrscheinlich so hypnotisch und fesselnd finden wie Heilige Motoren allein schon lohnend, vielleicht sogar unabhängig von irgendeiner tieferen Bedeutung.
Heilige Motoren
NEIN.- Veröffentlichungsdatum
- 2. Juli 2012
- Direktor
- Leos Carax
- Gießen
- Denis Lavant , Edith Scob , Eva Mendes , Kylie Minogue , Elise Lhomeau , Jeanne Disson
- Laufzeit
- 116
- Hauptgenre
- Theater
7 „Stalker“ (1979)
Regie: Andrei Tarkowski

A definitiver und einzigartiger Science-Fiction-Film , Stalker ist ein unheimlicher und faszinierender Film von Andrei Tarkowski und gilt als vielleicht der beste Film, den er je in seiner Karriere als Regisseur gemacht hat. Der Film handelt von drei Männern, die sich in ein als „Zone“ bekanntes Gebiet wagen und dabei viel riskieren, weil sie glauben, dass es sich um einen jenseitigen Ort handelt, der die tiefsten Wünsche eines Menschen wahr werden lassen kann.
Unterwegs wird deutlich, dass die Reise wichtiger ist als das Ziel, obwohl letzteres es gibt Stalker fast immer eine langsame und stetige Vorwärtsdynamik. Tarkovsky nutzt diese Prämisse, um zu untersuchen, was Menschen antreibt, was sie motiviert und wie Menschen in einer seltsamen Welt, die manchmal fremdartig erscheinen kann, einen Sinn finden.
Stalker
Nicht bewertetes Science-Fiction-Drama- Veröffentlichungsdatum
- 25. Mai 1979
- Direktor
- Andrei Tarkowski
- Gießen
- Alexander Kaidanovsky
- Laufzeit
- 162 Minuten
6 „Schöne Arbeit“ (1999)
Regie: Claire Denis

Gute Arbeit ist ein Film, der nicht zu viele Dinge in Worte fassen will, stattdessen sehr emotional und teilweise sogar etwas mysteriös wirkt, dem Zuschauer aber dennoch jede Menge Anlass zum Nachdenken gibt, sowohl während als auch nach dem Film. Es geht um Soldaten der französischen Fremdenlegion und die Komplikationen, die entstehen, wenn ein Offizier auf einen neuen, jungen Rekruten eifersüchtig wird oder vielleicht Gefühle für ihn hegt.
Es ist ein Charakterdrama das impliziert so ziemlich alles, aber die subtile Herangehensweise ist einer der Gründe, warum sich die Dinge nachvollziehbarer anfühlen; Es ist ein Film, der das gesamte Prinzip „Zeigen, nicht erzählen“ veranschaulicht, vielleicht sogar auf die Spitze getrieben. Einige Zuschauer müssen sich den Film vorher möglicherweise noch einmal ansehen Gute Arbeit beginnt sich in ihren Köpfen zu vereinen, Aber es ist unbestreitbar ein Film, der einer Analyse und wiederholten Betrachtung würdig ist .