„Die Stärke des Revenant liegt in den stillen Momenten des Films
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Der Überlebensfilm von Alejandro González Iñárritu zeigt sich am besten in seiner eher stummen Charakterstudie.
Wann auch immer Der Wiedergänger ins Gespräch kommt, konzentriert sich die Diskussion oft auf die Momente, in denen der Film am lautesten und bombastischsten ist. Das Rampenlicht mag auf die angespannte Eröffnungsszene fallen, in der Hugh Glass ( Leonardo Dicaprio ) und seine Crew von Pelzhändlern wehren einen Angriff des Arikara-Stammes ab. Oder vielleicht gibt es Diskussionen über das beeindruckende Spektakel von Glass, der auf einem Pferd von einer Klippe reitet, um einer Verfolgung zu entgehen, und sich im Inneren der Leiche versteckt, um sich zu wärmen. Am bekanntesten ist, dass das Publikum den Film für die plötzliche und eruptive Szene lobte, in der Glass von einem Grizzlybären angegriffen, zerfleischt und innerhalb eines Zentimeters seines Lebens gebrochen wird. Es ist sogar allein für seinen Starfaktor bekannt, da es der Film ist, in dem DiCaprio endlich seinen lang erwarteten Oscar verdient hat. Mit all dem Lob, das es im Laufe der Jahre erhalten hat, scheint es zu einem geworden zu sein moderner westlicher Klassiker , aber ist es aus den richtigen Gründen?
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Die Nutzung von Starpower ist kein neues Phänomen, aber wenn es um Action-Spektakel geht, Regisseur Alejandro González Iñárritu ist meist für das Gegenteil bekannt. Filme wie Vogelmann sind sehr dialoglastig und kreisen um die Hauptfigur herum, wobei sich seine Erfahrungen sehr einzigartig und isoliert anfühlen. Als Ergebnis, wann Der Wiedergänger kam, wurde es auf spaltende Weise mit Überraschung und Intrigen beantwortet. Die besten Teile des Überlebensdramas sind, wenn sich Iñárritu auf die stillen Momente zwischen den Momenten der Handlung konzentriert. Trotz der beeindruckenden Besetzung des Films mit DiCaprio, Tom Hardy , und Domhnall Gleeson , Iñárritus Ziel ist es, die Erwartungen an eine epische, actiongeladene Überlebensgeschichte in das zu verwandeln, was er am besten kann: eine poetische Charakterstudie. Es hat die einzigartige Wendung, eine wahre Geschichte zu sein, und obwohl es leicht fiktionalisiert ist, geschieht dies mit zielgerichteter Absicht, sodass sich die Geschichte vollständig um Glass und seine Überlebensgeschichte dreht, bis hin zum kleinsten, quälenden Detail.
Der geistige und körperliche Kampf von Hugh Glass
Die Kinematografie schoss vorbei Emmanuel Lubezki , ähnlich einem anderen Film von ihm, Der Baum des Lebens , umrahmen mit sanfter Berührung jedes Stück Natur und alle Lebewesen darin. Dies wird durch die Gewalt im Innern scharf kontrastiert – ein stiller, schneebedeckter Berg füllt den Bildschirm, aber als wir uns dem Berg nähern, sieht man eine Gruppe erschöpfter Männer, die „heave“ schreien, während sie versuchen, ihren sterbenden Freund die Steigung hinaufzutragen . Während Glass körperlichen Kämpfen ausgesetzt ist, ist seine spirituelle Reise von dem Moment an offensichtlich, in dem der Film beginnt. Der Film beginnt damit, dass Glass mit seinem Sohn Hawk spricht ( Forrest Goodluck ), sagt ihm, er solle kämpfen und weiter atmen, solange er kann, während er über einen Moment nachdenkt, als seine Familie angegriffen wurde. Der psychologische Kampf seiner Beziehung zu seinem Sohn im Vergleich zu den Männern um ihn herum und die physische Herausforderung des Überlebens in der Wildnis lasten auf seinen Schultern.
der Blitz der einmalige und zukünftige Blitz
Die zentrale Kraft, um die sich der Film dreht, ist die Kollision dieser beiden Seiten mit Hugh Glass, mit dem Vorurteil, dass sein Sohn Hawk von John Fitzgerald (Hardy) konfrontiert wird, da sie allein gelassen werden, um für sich selbst zu sorgen. Als sein Sohn Hawk von Fitzgerald getötet und Glass dem Tode überlassen wird, prallen diese beiden Seiten von ihm aufeinander. Der Wiedergänger als geschriebener Titel wörtlich genommen werden kann, da Hugh Glass zu Tode verstümmelt und irgendwie zurückgekehrt ist, aber dieser Titel hat eine doppelte Bedeutung. Während die vorherige Definition korrekt ist, definiert sie vor allem den Hauptkonflikt des Films nach diesem Wendepunkt. Als Glass wieder mit Captain Henry (Gleeson) zusammenkommt und sagt: „Ich habe keine Angst mehr vor dem Tod. Ich hatte es bereits getan“, spricht er nicht von seiner eigenen Begegnung mit dem Tod, sondern von einer Tragödie, schlimmer als der Tod, dem Verlust seiner Verwandten.
Verlust in der Wildnis
Viele Momente im Film zeigen, wie Glass auf beiden Seiten der Medaille mit diesem Verlust zu kämpfen hat. Sowohl die Sehnsucht nach Rache, als er „Fitzgerald hat meinen Sohn getötet“ in die Felswand ritzt, als auch die Wahl einer spirituellen Erlösung, als er in der Wildnis einen amerikanischen Ureinwohner trifft, der die Geschichte seines eigenen Verlustes erzählt und erklärt, dass, obwohl sein Herz schmerzt, Rache nicht in seinen Händen liegt, sondern für den Schöpfer ist.
Eine weitere wichtige Beziehung, die Glass hat, ist die spirituelle Verbindung, die er zu seiner Frau hat. Er erinnert sich an sie, indem er traumatische Erinnerungen an ihren Mord wiedererlebt, was als Weg dient, um die Verbindung des Films zu Glaube und Spiritualität zu stärken. Glass ist im Film nie ein äußerlich religiöser Mann, aber es ist durch die Art und Weise, wie er geschrieben wird, offensichtlich, dass sein Glaube ihn durch sein Leben trägt. Auch nach weiteren Tragödien lebt er trotz seiner Wunden weiter, denn er hat das Gefühl, Rache nehmen zu müssen.
Die Rache liegt in Gottes Hand
Hier, am Höhepunkt des dritten Akts, bringt Iñárritu die beiden gegensätzlichen Kräfte zusammen. Fitzgeralds Nihilismus, der Glass ins Gesicht prahlt, dass nichts, was er tut, seinen Sohn jemals zu ihm zurückbringen wird, als Teufel auf seiner Schulter fungiert und ihm zuflüstert, dass er, egal was er tut, niemals Frieden finden wird, und Glass' unaufhaltsamer Weg zu Rache. Der Arikara-Stamm, der für den Film im Hintergrund gestanden hatte, begrüßt Glass auf der anderen Seite des Flusses, und Glass wird klar: Rache ist nicht seine Sache. In diesem Moment zeigt Iñárritu die Geschichte, die er erzählen wollte, eine epische Geschichte, die klein bleibt und die Trauer und schließlich die Akzeptanz eines Mannes untersucht. Während er die Worte ausspricht: „Die Rache liegt in Gottes Händen. Nicht meins“, er löst seinen Griff um seinen Feind und lässt die Wut und den Hass los.
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Das Ende des Films ist nicht schlüssig. Während Glass in die Kamera starrt und seine Frau noch einmal sieht, wird die Frage absichtlich den Zuschauern überlassen. Hat Glass überlebt, nachdem der Bildschirm schwarz geworden ist? Es spielt keine Rolle, weil Glass seine spirituelle Reise vollendet hat. Durch die schön inszenierten Schmerzen und Leiden in der Weite der Natur hat er sich mit seinem Schmerz abgefunden und der Rest zählt nicht mehr. Hugh Glass kann mit einem lautlosen Ausstieg friedlich ruhen.