Dokumentarfilm vs. Biopic: Was ist besser, von 'Dog Day Afternoon' bis 'Welcome to Marwen'

Die Wahrheit ist seltsamer als die Fiktion. Aber ist es immer besser?

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Am 22. November 2019, Ein schöner Tag in der Nachbarschaft , der gefeierte Tom Hanks -mit Biopic über Fred Herr Rogers Tropfen in den Kinos, um alle unsere Herzen zu erwärmen. Es kommt nur ein Jahr später Willst du nicht mein Nachbar sein? , der gefeierte Dokumentarfilm von Fred Mister Rogers, der im Sommer 2018 in die Kinos kam, um alle unsere Herzen zu erwärmen. Jetzt bin ich kein Grumpus. Ich möchte so viel Inhalt von Fred Mister Rogers, wie die Leute mir zu geben bereit sind. Aber es ist merkwürdig, dass wir so kurz nach einer so kulturraubenden, angeblich endgültigen Einstellung zu ihm eine fiktive Version des Mannes erhalten. Was kann Marielle Heller 's Drama zeigt uns das über ihn Morgan Neville 's Dokumentarfilm noch nicht?

Dieser Gedankengang führte mich zu einer umfassenderen Frage. Welche Form des Films ist effektiver, um die Besonderheiten eines wahren Themas zu erkunden: eine Dokumentation oder ein Biopic? Gibt es bestimmte Teile des psychologischen Profils einer Person, die besser für eine fiktionalisierte Behandlung geeignet sind? Sind historische Kontexte für die journalistische Herangehensweise eines Dokuments besser geeignet? Was kann uns jede Form des Films darüber beibringen, wie wir Geschichten aus dem wirklichen Leben erzählen? Um diese Fragen anzugehen, habe ich mich entschieden, fünf Geschichten aus dem wirklichen Leben zu vergleichen und gegenüberzustellen, die sowohl eine Dokumentation als auch ein Biopic enthalten, und zu sehen, welche Arbeit letztendlich die effektivste ist.



Es ist Zeit… für den Dokumentarfilm vs. Biopic Battle Royale.

The Dog vs. Dog Day Nachmittag

Bild über Cinedigm Entertainment Group

Wie heißt Yodas Spezies

John Wojtowicz wusste genau, wer er war. Und in Der Hund , Allison Berg und Frank Keraudren s Dokumentarfilm über ihn, der von Co-Regisseur inszeniert wurde, sehen wir, wie Wojtowicz uns genau, unverblümt und oft schockierende Details sagt, wer er ist. Sie kennen wahrscheinlich die wichtigsten Stichpunkte seiner Geschichte – er hat eine New Yorker Bank ausgeraubt, um genug Geld zu bekommen, um die Geschlechtsumwandlung seines schwulen Liebhabers zu bezahlen – von Sidney Lumet und Al Pacino 's Meisterwerk Hund Tag Nachmittag . Aber zu hören, wie Wojtowicz es selbst erzählt, in einem emotionalen Tenor irgendwo zwischen einem alten Kumpel, der Kriegsgeschichten erzählt und einem Monster, das dir den verdammten Kopf abreißt, sorgt für ein fesselndes, kompliziertes Seherlebnis. Wojtowicz wird Ihnen direkt sagen, dass er ein Perverser ist, ein hedonistischer Mann, der mehrere Menschen unterschiedlichen Geschlechts und sexueller Orientierung heiratet und ihn alle als seine Frau bezeichnet, bevor er Ihnen sagt, dass er ein Goldwater-Konservativer ist, der gerne in den Krieg zieht. Er blättert wilde, aufgeladene Aussagen ohne Rücksicht auf Sensibilität. Infolgedessen wird manchmal die rohe Kraft dessen, was er sagt, versehentlich gedämpft. Es ist überraschend zu sehen, wie er die ersten paar Male über etwas Rohes schnippisch ist – aber dann wird es einfach, wie er spricht. In ähnlicher Weise verursacht Berg und Keraudrens mangelnde Editorialisierung, eine schöne Erweiterung des POV ihres Themas, in der letzten Hälfte einige Tempoprobleme, wobei Momente unnatürlich ineinander fließen und etwa sechs bis zehn verschiedene Endknöpfe hintereinander. Trotz alledem kann ich es nur empfehlen Der Hund . Es ist absolut faszinierend – und dank Berg und Keraudrens gründlicher, zehnjähriger Herangehensweise wird es nicht nur zu einer Aufarbeitung eines Verbrechens, sondern zu einer Abhandlung über New York, die aufkeimende LGBTQ-Bewegung, psychische Gesundheit, sexuelle Freiheit, familiäre Liebe und der erschreckende Reiz des Ruhms.

Bild über Warner Bros.

Handlung der amerikanischen Horrorgeschichte Staffel 7

Es war interessant zuzuschauen Hund Tag Nachmittag nach dem Der Hund , wie so vieles Der Hund und Wojtowiczs Entscheidungen werden als direkte Reaktion auf das kulturelle Phänomen der Hund Tag Nachmittag . Unter der Regie von Filmmeister Sidney Lumet und mit Filmmeister Al Pacino als Wojtowicz-Avatar schränkt der angespannte Echtzeitfilm den weiten Rahmen ein Der Hund in den Banküberfall und sonst nichts. Manchmal spielt sich der Film wie ein prozeduraler Thriller, der durch die Beherrschung des Handwerks aller Beteiligten (wenn Sie ein David Fincher Fan, der mit diesem Film nicht vertraut ist, sehen Sie ihn sich schnell an). Pacinos Einstellung zu Wojtowicz (der Name seines Charakters ist Sonny Wortzik; eine brillante Wahl des Vornamens, da Sonnys verängstigte, bittende Augen ihn wie einen Sohn auf der Suche nach einem Vater erscheinen lassen) unterscheidet sich deutlich von dem Mann, den ich gerade kennengelernt habe. Da Wojtowicz die Kontrolle über die Erzählung in Der Hund , sein dreistes Selbstvertrauen stand im Vordergrund. Hier, mit einer objektiveren Kamera von Lumet, sehen wir Pacino oft versuchen, selbstbewusst zu sein, nur um von seinen unterbewussten Manierismen verraten zu werden. Einige Momente klangen authentisch Wojtowicz – der Film achtet darauf, Sonnys Status als Vietnam-Tierarzt und Goldwater-Konservativer zu erwähnen, und Sonnys kurze Begründung seines Fluchens (ich spreche, was ich fühle, weißt du?) fühlte sich direkt aus Wojtowicz 'Mund an. Wohingegen Der Hund ist ausdrücklich daran interessiert, ganz Amerika zu untersuchen, Hund Tag Nachmittag 's soziale Temperaturerhöhung findet am Rande statt. Als Sonnys Geliebter Leon ( Chris Sarandon ) kommt, um mit Sonny zu telefonieren, er ist vorne und in der Mitte eingerahmt – aber hinter ihm, unscharf, lacht ein homophober Polizist. Letztlich zeigt Lumets Film, was Wojtowicz selbst wahrscheinlich Angst hatte zu zeigen. Lumets Hingabe an den psychologischen und formalen Realismus offenbart viel Wahrheit, die nicht einmal ein Dokumentarfilm aufbringen könnte.

Endgültiges Urteil : Hund Tag Nachmittag , für sein meisterhaftes Tempo, seine psychologische Objektivität und seinen Wiederbeobachtbarkeitsfaktor.

Als wir Könige waren vs. Ali

Bild über Gramercy Pictures

Woran denkst du zuerst, wenn du an Muhammad Ali ? Der Mann, der früher als Cassius Clay bekannt war, hat ziemlich viel zu bieten – sein rohes Charisma, sein lautstarker Aktivismus, seine Manierismen im Ring, die man wirklich und genau als schwebend wie ein Schmetterling und stechend wie eine Biene beschreiben kann. All dies und mehr ist in zu sehen Als wir Könige waren , der mit dem Oscar ausgezeichnete Dokumentarfilm über Alis berühmtes Rumble in the Jungle mit dem damaligen Schwergewichts-Champion George Foreman . Aber wenn ich an Ali denke, denke ich zuerst an das Seil. Es ist eine vom Mann erfundene und perfektionierte Boxtaktik, bei der er seinen Gegner viele frühe, kleine Treffer landen lässt und sich selbst ermüdet. Dann landet Ali nur ein paar Schläge und schlägt den jetzt müden Kämpfer zu Boden. Ich finde es faszinierend – und ich habe es noch nie erlebt. Als wir Könige waren , meisterhaft inszeniert und mitbearbeitet von Leon Gast , lässt diesen Moment in Echtzeit passieren. Und nach einem mageren Gesichtszug, der durch skrupellose Momente bis auf die Knochen gekennzeichnet ist, ist es erstaunlich, zu sehen, wie Ali plötzlich von der Verteidigung in die Offensive wechselt und den bis dahin unaufhaltsam wirkenden Foreman niederschlägt. Der Rest des Films überrascht ohne Zweifel. Aber es wird alles in schnellen Stößen gerendert, vielleicht um den Betrachter vor seinem letzten Schlag zu ermüden. Gast ist ein Meister der Montage, indem er Bilder zu gleichen Teilen mit handwerklichem Geschick und Beiläufigkeit verbindet – an einer Stelle fügt er sogar zwei diegetische Soundtracks zusammen, um maximale Immersion/Verwirrung zu erzielen. Ich fand diese Momente unglaublich effektiv – aber wenn der Film auf traditionelleren Talkingheads landet (insbesondere von den problematischen, intellektuellen Verherrlichungen von Norman Mailer und George Plimpton ), es verlangsamt die Dinge. Trotzdem liefert Nast oft atemberaubende Ergebnisse, die sogar Ali selbst treffen. Wenn Ali von den Freuden spricht, schwarze Spitzenleistungen zu bringen, wie James Brown nach Zaire, um die Afroamerikaner daran zu erinnern, dass es wert ist, Afrikaner zu sein, es ist zu Recht fesselnd und inspirierend. Aber als Gast uns durch seinen druckvollen Schnitt daran erinnert, dass dies alles dank der Finanzierung eines elenden Diktators geschieht Mobutu Sese Seko , zwingt es den Zuschauer, die Ethik der ganzen Angelegenheit zu hinterfragen – und sogar den Dokumentarfilm selbst zu sehen.

Marvel-TV-Shows auf Disney+

Bild über Sony Pictures

In mancher Hinsicht, Michael Mann 's Aber , mit einer Oscar-nominierten Hauptrolle Will Smith in der Titelrolle, spielt wie Als wir Könige waren in eine stimmungsvolle, stimmungsvolle Zeitlupe ausgestreckt. Insbesondere die ersten 25 Minuten leihen sich etwas von der wilden Verwendung von Montage und Musik aus dem Dokument – ​​nur mit viel weniger Klarheit, Zweck und unmittelbarem Kontext. Mann inszeniert eine längere musikalische Darbietung von Sam Cooke ( David Elliott ) und Schnitte zwischen vielen disparaten, medialen Momenten aus Alis Leben. Aber falls Als wir Könige waren schneidet Bilder bis auf die Knochen, Aber schneidet Bilder und hinterlässt eine Menge Fleisch, Knorpel und Fett – und weigert sich dann, Ihnen zu sagen, um welche Art von Fleisch es sich handelt. Jamie Foxx 's Auftritt als Cornerman Drew Bundini Braun ist insbesondere unsinnig in dem Versuch, zu einem hohen Drama zu gelangen, ohne eine niedere Realität zu etablieren. Das Wort Reichweite kam mir beim Anschauen dieses Films oft in den Sinn, insbesondere in Smiths Performance. Er ist, kein Witz, einer meiner Lieblingsfilmschauspieler aller Zeiten, und die Idee, dass er sich mit Mann zusammentut, um Ali (der Smith öffentlich unterstützt hat) darzustellen, hat mich ohne Ende begeistert. Doch seine Interpretation der Ikone strebt kontraintuitiv zu einem skizzenhaften Eindruck, fühlt sich aber auch seltsam zurückhaltend an. Smith scheint sich zu entscheiden, keine Emotionen in seinem Gesicht zu zeigen, wenn er Ali spielt – die Momente der Performance, die Pop machen (wie eine schöne Winterszene am Ende des Bildes), weil Smith sich selbst erlaubt, Emotionen zu wecken und zu erschließen, was macht er natürlich effektiv als Performer. Und wenn Smith abrupt in traditioneller geschriebene und inszenierte Biopic-Szenen gezwungen wird (Ali und sein Vater kämpfen! Ali sagt Zitate, die wir alle kennen und lieben! Ali triumphiert im Rumble in the Jungle!), fühlt es sich weniger wie ein Hauch frischer Luft an und eher wie eine weitere verblüffend stumpfsinnige Entscheidung von Herrn Mann.

Endgültiges Urteil : Als wir Könige waren , handlich, in der ersten Runde.

Man on Wire vs. The Walk

Bild über Magnolia Pictures

Mann auf Draht ist elektrisch. Wenn Sie sich nicht als Fan von Dokumentarfilmen betrachten, ist dies möglicherweise die Ausnahme. Direktor James Marsh strukturiert und taktet seinen Film mit Bedacht wie ein erzählerisches Raubbild, mit einer oft intensiven Partitur, Interviews mit Insidern und der akribischen Beschreibung eines Crackerjack-Plans. Aber der Film zeigt sicherlich nicht Ihren durchschnittlichen Geld- oder Juwelenraub oder irgendeinen Gegenstand. Es zeigt den Raub der… Luft? Gebäudeeigentum? Oder ist es tatsächlich ein Anti-Heist? Kein Versuch, etwas zu nehmen, sondern ein Versuch, ein Gefühl von Liebe, Romantik, Kunst oder Laune in einen ansonsten neutralen Raum zu bringen? Wenn ich nicht genau festnageln kann Philippe Petit 's Mission Statement, einen Draht über die Zwillingstürme des World Trade Centers zu errichten und dann über diesen Draht zu gehen, kann er sicherlich. Marsh stellt sein Thema in den Mittelpunkt des Dokuments, und es liefert herrliche Ergebnisse. Petit ist animiert, berauschend zu hören und ansteckend in seiner Begeisterung. Er bespricht die lebensbedrohlichsten, todesmutigsten Stunts mit Leichtigkeit und Verwunderung. Er ist im besten Sinne ein Kind, ein Mensch, der sich eine von Natur aus kindliche Idee ausgedacht hat und sich dafür entschieden hat, seine Träume nicht mit einer Dosis erwachsener Realitäten zu ersticken, sondern sie auf jeden Fall durchzuziehen. Er bekommt sogar das notorisch schroffe NYPD etwas auf seine Seite – in einigen entzückenden Archivaufnahmen hält ein Polizist eine Pressekonferenz, in der er Petit einen Seiltänzer nennt, um sich zu vergewissern, dass er kein Beißer ist, denn was er tut, ist viel mehr eine Leistung als nur zu Fuß. Weißt du was? Wenn Petit für einen Moment aus dem ruppigen Polizisten einen Fürsprecher für Kunst und Romantik machen kann, dann hat sein Drahtseil seine Aufgabe erfüllt und noch einiges mehr.

Bild über Sony Pictures

Das Wandern ist der Durch das Universum Version der Geschichte von Philippe Petit. Es ist eine kleine visuelle Odyssee voller fabrizierter Launen, übermäßig romantisierter Pontifikate über die Bedeutung von Liebe und Leben und einer mit Süßigkeiten überzogenen Sicht auf Frankreich. Und ... ich glaube, ich habe es geliebt? Ich kann dich nicht anlügen – viele Teile dieses Films sind rau. Joseph Gordon-Levitt spielt Petit mit unheimlichen blauen Augen, einer seltsamen Perücke und einer wirklich verrückten Interpretation eines französischen Akzents, der sich von Szene zu Szene ändert. Er hat eingeführt, direkt von der Freiheitsstatue aus in die Kamera zu sprechen, um wahrscheinlich zu versuchen, die raue Anziehungskraft der direkten Ansprachen des echten Petit in der Dokumentation einzufangen. Aber es ist einfach viel auf einmal aufzunehmen, besonders in Verbindung mit Robert Zemeckis “ beharren darauf, diese Inszenierung – und ehrlich gesagt, die Inszenierung fast jeder Sequenz – mit protzigen, grellen CGI zu füllen. Zemeckis 'Vision ist durchweg extra, mit den älteren Staatsmännern des smarten Hollywood-Spektakels ( Zurück in die Zukunft , Wer hat Roger Rabbit eingerahmt? ) sein ungezügeltes inneres Kind anzapfen, um den kränklich süßen Kern von Petits Geschichte zu finden. Du willst raffinierte CGI-unterstützte One-Take-Übergänge? Du willst ein Alan Silvestri Partitur, die sich unsubtil an Cliffs Notes-Versionen von Jazz und Frankreich schleicht? Willst du einige der dämlichsten Polizisten, die sich jemals mit Zelluloid beschäftigt haben? Du hast alles und dann einiges. Und doch, trotz all dieser objektiv erschreckenden Erfindungen – oder gerade wegen ihnen – habe ich dieses Bild wirklich genieße. War es das Stockholm-Syndrom? Ich werde nie selbstbewusst genug sein, um es sicher zu wissen. Aber die pure Freude aller Beteiligten – und der direkte Spaß, die Raubelemente des Dokuments voll ausspielen zu sehen – hat mich erwischt, mein Gott. Die letzten Momente des Films wechseln zwischen visueller Pracht (dieser verdammte Titelspaziergang funktioniert, Schatz), ruhigem Pathos (vor allem die letzte Zeile und Einstellung) und totaler Verrücktheit (der verdammte Vogel ist wild, Schatz). Sie sind eine effektive Zusammenfassung der Reize und Mängel des Films und belegen, dass die Mängel die Reize sind.

Endgültiges Urteil : Mann auf Draht macht den Spaziergang viel bequemer, aber ich werde nicht aufhören, darüber nachzudenken Das Wandern s Kuriosität für einige Zeit.

wie hat Captain America Thors Hammer gehalten?

Marwencol vs. Willkommen bei Marwen

Bild über The Cinema Guild

Marwencol ist faszinierend, herzzerreißend, kompliziert und schön. Es hat mich an meinem Schreibtisch zum Weinen gebracht! Meine Kollegen sagten: Geht es dir gut? und ich dachte: Er versucht nur, mit Puppen mit seinen Gefühlen umzugehen! Und sie sagten: Wir verstehen diesen Gedanken nicht ganz aus dem Zusammenhang, aber es ist gut, dass Sie mit Ihren Gefühlen in Kontakt sind! und ich sagte Danke! Regie, Schnitt und Produktion von Jeff Malmberg , Marwencol erzählt die Geschichte von Mark Hogancamp , ein Alkoholiker, der vor einer Bar brutal zusammengeschlagen wurde, als er seinen Angreifern betrunken erzählte, dass er gerne Cross-Dressing mag. Hogancamp lag infolge des Angriffs neun Tage im Koma. Als er aufwachte, hatte er kaum noch Erinnerungen an sein früheres Leben. Um mit diesem schrecklichen Trauma fertig zu werden, erschuf er eine neue Welt – aus Puppen. Hogancamp hat Barbies, GI Joes und andere Funde aus seinem örtlichen Hobbyladen umfunktioniert, um die Stadt Marwencol zu schaffen, einen Ort, an dem Symbole von Hogancamp selbst, all der wichtigen Menschen in seinem Leben und sogar seiner Angreifer zu Hause sind. Hogancamp rekontextualisiert, was er über sein Leben versteht (von dem einiges unwiderruflich verändert oder begraben wurde; er interessiert sich nicht mehr für Alkohol nach dem Angriff), indem er diese Charaktere in Vignetten des Zweiten Weltkriegs von militärischer Macht, Kameradschaft und guten altmodischen Nazis inszeniert -Tötung. Oder zumindest möchte Hogancamp, dass sich diese Vignetten altmodisch anfühlen. Indem er seine realen Angreifer in karikaturhafte Nazis verwandelt, die routinemäßig vom Puppen-Hogancamp und seinen Verbündeten dezimiert werden, versucht er, seine Identität zurückzugewinnen, sein Trauma buchstäblich zu überwinden. Aber in Hogancamp ist so viel vergraben. So einfach kann es nicht sein. Manchmal wird es von Malmbergs stationärer Kamera in kurzen Ausbrüchen sprudelnder Wut gesehen, manchmal wird es in Hogancamps Nazis gesehen, die das Puppen-Hogancamp auf eine Weise foltern, die seinen Verletzungen im wirklichen Leben entspricht. Es ist verlockend, diesen Dokumentarfilm als Triumph eines Mannes über seine Dämonen durch Kunst zu lesen – besonders wenn wir seine Arbeiten in einer mondänen New Yorker Galerie sehen – aber die Wahrheit ist viel komplizierter. Das Leitbild von Hogancamp für seine Welt ist einfach: Jeder sei mit jedem befreundet. Alle kamen mit. Niemand war gegen einen anderen. Egal welche Kleidung sie trugen. Während seine Kunst diese Aussage nicht zu 100% für die Welt oder sogar für seine eigene Welt trifft, spricht sie für den inspirierenden, präsenten, edlen Kampf der Selbstverbesserung, in welcher Weise auch immer Sie es brauchen.

Bild über Universal Pictures

Willkommen bei Marwen ist ein verdammt komischer Film. Nicht viele Leute mochten es bei seiner Veröffentlichung im Jahr 2018 – es hat nur knapp 35 % auf Rotten Tomatoes und spielte weltweit miserable 13 Millionen US-Dollar bei einem Budget von 39 Millionen US-Dollar ein. Aber weißt du was? Ich freue mich, für diesen verdammt schrägen Film zu spielen, dieses wild eigenwillige, tonende, verrückte CGI-unterstützte Drama von Robert Zemeckis (hat Zemeckis in letzter Zeit nur Dokumentationen gemacht?). Die künstlerische Entscheidung, in die eigentliche Miniaturwelt der Hogancamp-Kreationen einzutauchen, finde ich inspirierend. Zemeckis' Interpretation von Hogancamp (gespielt von Steve Carrell , der keinen direkten Eindruck erweckt, aber dennoch Notizen findet, die nicht einmal im Dokument zu sehen sind) ist, dass sein Vertrauen auf die Fantasie gleichermaßen inspirierend und hemmend ist. So sprühen Eröffnungssequenzen in der Welt von Marwen (warum den „Col“ verlieren? Wer weiß!) mit knisternder Energie und lustiger, genreverändernder Action und Versatzstücken, die einen daran erinnern, wie gut ein visueller Regisseur Zemeckis ist. Aber im Laufe des Films werden diese Sequenzen immer bedrohlicher, gefüllt mit Realitäten, denen Hogancamp einfach nicht entkommen kann und mit denen er rechnen muss. Es ist eine beeindruckend einzigartige Wiedergabe einer ganz einzigartigen Reise. Allerdings – Zemeckis’ wilde Interpretation des Materials führt zu einigen skurrilen, manchmal ekligen Ergebnissen. Zemeckis Inszenierung von Hogancamps Angriff – ein durch und durch Hassverbrechen gegen einen Mann mit Cross-Dressing – ist laut und melodramatisch und droht, die Grenze des Geschmacks zu überschreiten. Tatsächlich ist ein Großteil des realen Dramas des Films laut und melodramatisch, wenn eine sanftere Berührung bessere Ergebnisse erzielen und mehr gegen den Kontrast der Fantasieweltsequenzen knallen könnte (eine Sequenz in einem Gerichtssaal brachte mich zum Lachen, und es war soll mich definitiv nicht zum Lachen bringen). Schließlich verstehe ich zwar, dass der POV des Films durch Hogancamps Exzentrizität subjektiv ist, aber einige der Darstellungen von Frauen sind … nicht großartig! Was interessant ist, denn ein Großteil der Hypersexualisierung und Objektivierung (im wahrsten Sinne des Wortes) der Frauen in Hogancamps Geschichte wird auch in dargestellt Marwencol , hat mich aber nicht als problematisch empfunden. Was fehlte Zemeckis? Welche Nuance an Hogancamps Beziehung zu Sex und Sexualität hat er versehentlich geglättet?

Endgültiges Urteil : Marwencol ist offensichtlich überlegen – aber nicht mitzählen Willkommen bei Marwen als unkonventionelles Dessert.

Die Zeiten von Harvey Milk vs. Milk

Bild über New Yorker Films

Die besten Filme zum Anschauen auf Hulu

Als Momentaufnahme der LGBTQ-Geschichte, eine Untersuchung der systemischen Homophobie, eine ernüchternde Erinnerung daran, wie weit wir gehen müssen, und eine inspirierende Erinnerung an die Kraft, die Hoffnung zu bekämpfen, Die Zeiten von Harvey Milk ist eine unverzichtbare Uhr. Die darin untersuchten Inhalte müssen verbreitet und an jeden in Amerika weitergegeben werden. Es ist mehr als wichtig. Leider, Direktor Rob Epstein Die Formensprache lässt in modernen Augen sehr zu wünschen übrig. Es ist langsam, ernst erzählt von der Legende Harvey Fierstein , und verlässt sich sehr auf die müde-wahre/ Ken Burns Formel sprechender Köpfe und in Fotos geschwenkt. Mit anderen Worten, es fühlt sich an wie ein zu didaktischer Lehrfilm. Seine Techniken wirken gegen die feurige Ausstrahlung und aktive Progressivität von Harvey Milch , San Franciscos erster offen schwuler Vorgesetzter, der von einem verärgerten Vorgesetzten erschossen wurde Dan White . Wir bekommen viele Leute, die über den Magnetismus und die unorthodoxen Taktiken von Milk sprechen, aber es fällt so oft in die klassische Maxime des Geschichtenerzählens zurück, dass man erzählt, nicht gezeigt wird. Wenn Epstein etwa zur Hälfte des Films hauptsächlich in einen Modus von Archivmaterial wechselt, erhöht sich seine Filmqualität merklich und passt sich seinem Inhalt souverän an. Und ihr Inhalt, das möchte ich wiederholen, ist für alle absolut notwendig, um sie zu erfahren – wir brauchen diese ernüchternde Erinnerung an gewalttätige Homophobie, an soziale Unruhen, an die Bedeutung der Repräsentation und die Notwendigkeit, weiter zu kämpfen. Aber zu lange hemmt Epstein sein Thema mit einem unnötig generischen Ansatz.

Bild über Fokusfunktionen

Ein Oscar-Gewinner für seinen Hauptdarsteller ( Sean Penn ) und Drehbuchautor ( Dustin Lance Schwarz ), Milch ist auf dem Papier Ihr durchschnittliches Milquetoast-Prestigebild – ein Werk Cleve Jones ( Emile Hirsch ) könnte man eine bürgerliche Affektiertheit nennen. Und dennoch gelingt dem Film ein beachtlicher Erfolg – ​​auch dank des Regisseurs Gus Van Sant 's schnörkellose Marke für formale Integrität. Während die Farbpalette des Werkes wunderschön stilisiert ist, rahmt der Rest des Films seine Darsteller einfach in klaren Kompositionen ein und lässt sie agieren. Es verleiht der Arbeit ein Gefühl von Unmittelbarkeit, das Sie in einem Dokumentarfilm finden würden, während es dem Publikum auf subtile Weise verspricht, dass es sich in kontrollierten, meisterhaften Händen befindet. Und Blacks Arbeit vernichtet mit ihrer lässigen Authentizität absolut. Dank seines Drehbuchs behält Milks von Natur aus tragische Geschichte einen Sinn für Leben, Vitalität und Humor. Sein psychologischer Fokus ist bemerkenswert nuanciert, wenn es um Milk selbst geht. Während wir ihn oft in einer äußeren, öffentlichen Rolle sehen (wie seine übermächtigen Wahlkampfreden oder Paradeauftritte), fand ich die ruhigeren, privateren Momente, in denen Milk selbst bei sich selbst oder engsten Freunden ein Lächeln erzwingt, am aufschlussreichsten – und die Szene, in der er die Leiche von . findet Jack Lira ( Diego Luna ) ist absolut verheerend. Wenn ich eine Kritik an Blacks Drehbuch habe, wäre es die zu ordentliche Prüfung von Dan Whites ( Josh Brolin ) mörderische Handlungen als Ergebnis seiner versteckten Schwulenhaftigkeit. Whites wirkliche Handlungen waren chaotische Terrorakte, und ich begrüße die Entscheidung von Black, zu versuchen, aus dem Chaos ein erkennbares Muster zu machen. Aber sie sind selbst schwul! Die Rechtfertigung für homophobes Verhalten kann sich bestenfalls als übermäßig reduzierend und im schlimmsten Fall als unsensibel mitfühlend anfühlen.

Endgültiges Urteil : Milch , für seine Beherrschung des Handwerks und seine Fähigkeit, Milks Menschlichkeit zu übersetzen – aber der historische Kontext, den der Dokumentarfilm bietet, kann nicht ignoriert werden.