So bekommen Sie einen Job in Animation in den Walt Disney Studios

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Auf der WonderCon 2015 geben Disney-Personalvermittler Tipps, wie Sie einen Job als Animator in den Walt Disney Animation Studios und bei Disney Television Animation bekommen.

Auf der WonderCon an diesem Wochenende hatte ich eine lustige Zeit mit den Walt Disney Animation Studios und Disney Television Animation: Karriere bei Disney Animation Panel mit Camille Eden (Manager, Rekrutierung), Matt Roberts (Artistic Recruiter) und Brooke Keesling (Director, Talent Development), der einige der verschiedenen kreativen Rollen teilte, die bei der Erstellung von Animationsfilmen und Fernsehshows helfen. Die Diskussion wurde vom Disney-Animator moderiert Darrin Butters , der daran gearbeitet hat Großer Held 6 und Gefroren und bot einen Blick hinter die Kulissen dieser erstaunlichen Kunstform. Das Panel begann mit einer kurzen Vorführung, in der die beliebtesten Film- und Fernsehanimationen der Disney Studios vorgestellt wurden, und endete mit Fragen und Antworten des Publikums.

Die Diskussionsteilnehmer sprachen über die unterschiedlichen Ansätze der einzelnen Studios. Wie ist es, in einem vertikalen Studio zu arbeiten, in dem alles intern erledigt wird? der Entwicklungsprozess in der Studio-Pipeline; das kollaborative, schnelllebige und unterhaltsame Arbeitsumfeld; wie Kunst und Technologie kombiniert werden; wie jeder, der bei Disney arbeitet, zu diesem Prozess beiträgt; die Wichtigkeit, der Vision der gesamten Organisation treu zu bleiben; warum sie Bewerber mit einem starken Sinn für Attraktivität, Ästhetik und Geschichtenerzählen wollen; ihr Ausbildungsprogramm und Praktikumsmöglichkeiten; wonach sie im Portfolio eines Bewerbers suchen; die besten Einstiegspositionen für junge Hochschulabsolventen; und die Bedeutung von Peer-Support und ehrlichem Feedback.

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Hier sind 15 wichtige Dinge, die Sie wissen sollten, wenn Sie an einer Karriere in der Animation in den Walt Disney Studios interessiert sind:

  • Disney Television Animation ist eine schnelllebige Umgebung und hat normalerweise ungefähr 12 Serien in verschiedenen Produktionsstadien zu einem bestimmten Zeitpunkt. Sie sind vom Schöpfer getriebene Shows. Neue Leute, die Schöpfer sein wollen, kommen und stellen Ideen vor. Wenn sie genehmigt werden, machen sie Piloten und DTVA entscheidet, welche für eine neue Serie grün beleuchtet werden. Sie haben auch historische Immobilien, die Ideen von bestehenden Immobilien im Disney-Erbe übernehmen.
  • Bei Disney Television Animation sind die Showkünstler an der Spitze und bringen ihre Vision auf den Tisch, aber sie sind nicht unbedingt die Regisseure ihrer eigenen Shows. Da zu einem bestimmten Zeitpunkt so viele Shows stattfinden, überwacht der Schöpfer der Show all das, aber es wird verschiedene Regisseure geben.
  • Die Walt Disney Animation Studios sind eher auf Regisseure ausgerichtet. Sie machen einen Film pro Jahr. Sie arbeiten derzeit an ihren 55thFilm, Sie haben auch ein Kurzprogramm und spezielle Projekte. Ihr Inhalt ist einheimisch und ihre Autoren sind Teil des Studios. Sie müssen den Status eines Regisseurs haben, um einen Film zu drehen.
  • Die Walt Disney Animation Studios haben drei wichtige Maßstäbe: Sie sollen überzeugende Geschichten erzählen, glaubwürdige Welten erschaffen und Charaktere ansprechen. Alles beginnt und endet mit der Geschichte.

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  • Der Filmemachungsprozess ist auf 14 Abteilungen in drei großen Bereichen unterteilt: Entwicklung, Elementproduktion und Schussproduktion. Sie sind ein vertikales Studio, was bedeutet, dass alles im eigenen Haus erledigt wird. Es ist eine sehr kollaborative Umgebung, und ihre Abteilungen arbeiten während des gesamten Prozesses ständig zusammen.
  • Bei Disney Animation werden Kunst und Technologie kombiniert und arbeiten zusammen. Das Studio verfügt über Technologiespezialisten, die für die gesamte Pipeline arbeiten.
  • Die Walt Disney Animation Studios verfügen über ein Team von Künstlern für visuelle Entwicklung, während Disney Television Animation nach ganz bestimmten Rollen wie Art Director, Hintergrunddesigner, Hintergrundmaler und Farbstylist sucht.
  • Story-Künstler im Walt Disney Animation Studio arbeiten sehr grob und gestisch, weil sie viele Iterationen vieler derselben Aufnahmen und Szenen immer wieder machen, während sich der Film entwickelt. In der TV-Animation sind die Story und die Revisionen enger.
  • Disney stellt normalerweise nicht viele Autoren für TV-Animationen ein, da die meisten ihrer Shows auf Storyboards basieren und die Storyboard-Künstler das Schreiben übernehmen.

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    Die Arbeit bei Disney Animation macht Spaß, ist rasant und die Künstler verstehen sich sehr gut und füttern sich gegenseitig mit ihren kreativen Säften. Sie können mit Ihren Kollegen arbeiten und voneinander lernen. Jeder ist da, um den bestmöglichen Film zu machen.
  • Wenn Sie sich für eine Einstiegsposition bewerben, sollte Ihr Portfolio Ihre Fähigkeit offenbaren, eine Geschichte wie einen von Ihnen erstellten Studentenfilm, einen Graphic Novel oder einen Comic zu erzählen. Das Studio ist auf der Suche nach starker Zeichnungskunst, der Fähigkeit, eine Vielzahl von Stilen zu realisieren und die Sie aus dem Leben beobachten und nicht nur aus anderen Designs zeichnen.
  • Ein Storyboard-Revisionist, der die Storyboard-Zeichnungen eines erfahrenen Storyboard-Künstlers bereinigt, ist ein guter Einstiegsjob. Wenn Disney Television Animation Ihre Fähigkeit zum Geschichtenerzählen mag, senden sie Ihnen einen Storyboard-Test, um Ihr Potenzial zu prüfen.
  • Die Walt Disney Animation Studios bieten zweimal im Jahr ein Schulungsprogramm zur Filmentwicklung für Story-Künstler an. Die Disziplinen variieren je nach den Bedürfnissen der Studios. Es handelt sich um eine 3-monatige bis 1-jährige bezahlte Mentorschaft, bei der Sie mit einem in Disney ansässigen Künstler zusammenarbeiten. (Gehe zu DTVATALENT@DISNEY.COM und DISNEYANIMATION.COM/CAREERS für mehr Informationen)
  • In einem großen Studio wie Disney werden Sie in der Regel für eine bestimmte Sache eingestellt. Es ist gut, eine Spezialität zu haben, wie ein Dur, das sich auf die Geschichte konzentriert, aber auch ein Moll, das sich zum Beispiel auf das Charakter-Design konzentriert. Die Vielseitigkeit in beiden Welten macht Sie für die Branche im Allgemeinen marktfähiger.
  • Es ist eine coole Zeit, um in die Animationsbranche einzusteigen, denn Sie haben heute die Ressourcen der Welt zur Hand. Umgib dich mit einer starken Gruppe von Künstlern, die du respektierst und die dir nicht unbedingt nur sagen, was du hören willst, sondern die dich herausfordern und dir ehrliches Feedback geben werden.

Schauen Sie sich eine vollständige Abschrift des Panels unten an.

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Moderator DARRIN BUTTERS: Beginnen wir damit, uns vorzustellen.

BROOKE KEESLING: Ich bin der Direktor für Animationstalententwicklung bei Disney Television Animation. Das Fernsehen ist eine sehr schnelllebige Umgebung, in der wir normalerweise ungefähr 12 Serien in verschiedenen Produktionsstadien zu einem bestimmten Zeitpunkt haben. Unsere Hauptsache sind vom Schöpfer gesteuerte Shows. Die Schwerkraft fällt wurde von Alex Hirsch erstellt. Er ist der Schöpfer dieser Show. Er ist die Person, die die Vision auf den Tisch bringt. Wir haben Penn Zero und Stern gegen die Kräfte des Bösen . Das ist die Show von Daron Nefcy. Sie bringt die Vision für diese Show auf den Tisch. Wir haben ein paar Shows vor uns, darunter Zukunftswurm! und Gurke und Erdnuss wird bald herauskommen. Sie sind wirklich lustig. Unsere Hauptsache sind unsere vom Schöpfer getriebenen Shows, aber dann haben wir auch historische Objekte, was bedeutet, dass wir Ideen von jedem bestehenden Objekt im Disney-Erbe, wie dem, übernehmen können Mickey kurze Hose. Paul Rudish ist die Person, die das Ruder der Mickey kurze Hose. Er hat eine lange Karriere in der Animation hinter sich. Er nahm, was jeder an Mickey liebt, und überlegte, wie er es auffrischen könnte, während er seinem Charakter treu blieb. Wir haben einen sehr schnellen Zeitplan. Wir machen immer mehr als eine Episode zu einem bestimmten Zeitpunkt. Wir machen auch Piloten. Wir haben also neue Leute, die Schöpfer unserer nächsten Immobilien sein wollen, und sie kommen und bringen uns Ideen vor. Und dann machen wir Piloten und entscheiden, welchen dieser Piloten wir grünes Licht für eine neue Serie geben wollen. Das ist Disney TV Animation.

CAMILLE EDEN: Ich leite die Rekrutierung in den Walt Disney Animation Studios. Wir unterscheiden uns unter anderem von der Fernsehanimation darin, dass wir einen Film pro Jahr drehen. Außerdem haben wir ein Kurzprogramm. Der Kurzfilm des letzten Jahres, Fest, gewann tatsächlich den Oscar. Wir haben auch spezielle Projekte in den Studios. All das zusammen ist ein Teil der Arbeit, die wir bei Walt Disney Animation leisten. Unser Inhalt ist aus eigenem Anbau. Im Studio ist alles original. Unsere Autoren sind Teil des Studios bei Walt Disney.

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MATT ROBERTS: Ich kümmere mich um alle künstlerischen Front-End-Rollen wie Animation, visuelle Entwicklung, Story und Modellierung. Mit Ausnahme unseres Shorts-Programms sind wir mehr auf Regisseure ausgerichtet. Wenn Sie einen Film in unserem Studio drehen, müssen Sie den Status eines Regisseurs haben. Egal, wer unser Regisseur ist oder was der Film ist, wir versuchen, jeden Film, den wir machen, nach drei sehr wichtigen Maßstäben zu halten: überzeugende Geschichten zu erzählen, glaubwürdige Welten zu erschaffen und auch ansprechende Charaktere zu erschaffen. Dies sind drei Wahrheiten, die Sie hoffentlich in jedem Film finden sollten, egal ob es sich um ein kurzes, spezielles Projekt oder ein Feature handelt, das von uns stammt.

Können wir über die Unterschiede in den kreativen Rollen des Studios sprechen?

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ROBERTS: Mit Walt Disney Animation Studios ist unser Filmemachungsprozess auf 14 Abteilungen aufgeteilt, die sich in drei großen Bereichen befinden: Entwicklung, Elementproduktion und Drehproduktion. Ich beginne mit der Entwicklung. Wir sind ein vertikales Studio, was eine obskure Art ist zu sagen, dass alles intern für uns erledigt wird. Das reicht von der Geschichte bis zur Beleuchtung und dem Editorial im Hintergrund. Wir sind eine sehr kollaborative Umgebung. Wir sind nicht wirklich eine lineare Pipeline, in der eine Abteilung etwas tut und dann die Arbeit über den Zaun wirft, damit die nächste Abteilung sich darum kümmert. Wir versuchen, eher kreisförmig zu arbeiten, wobei alle gemeinsam Probleme lösen, um sicherzustellen, dass wir eine wirklich saubere, reibungslose Pipeline haben und alle gemeinsam daran beteiligt sind. Was kreative Rollen innerhalb der Entwicklung betrifft, beginnt alles wirklich mit der Geschichte. Die Geschichte wird wirklich vom Regisseur, dem Leiter der Geschichte und dem Drehbuchautor angetrieben. Aber im Storyroom arbeiten die drei mit dem gesamten Story-Team zusammen. Alle unsere Künstler arbeiten zusammen, um Probleme zu lösen und die Welten zu erschaffen, die Charaktere zu verfeinern und sicherzustellen, dass wir einen wirklich unterhaltsamen Film haben. Wir haben auch einen Karriereweg, von dem ich glaube, dass nicht viele Leute ihn kennen, aber wir haben ein Entwicklungsteam, das normalerweise einen schriftlichen Hintergrund hat. Sie arbeiten auch mit dem Regisseur zusammen, um ihm zu helfen, die Welten zu buchstabieren und die Geschichte zu konkretisieren, bevor sie grün leuchten und in Produktion gehen.

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Zusätzlich zur Geschichte im Frontend haben wir auch eine visuelle Entwicklung, bei der es sich um die Künstler handelt, die all die hübschen Künste machen, die Sie in den 'Kunst der' Büchern sehen, wenn ein Film herauskommt. Sie sind wie zwei Enden. Sie können die wirklich lustigen, explorativen Dinge im Vorfeld erledigen, die dem Regisseur helfen, Ideen zu visualisieren. Aber dann haben sie auch einen echten technischen Aspekt in ihrer Arbeit, bei dem sie wirklich technische Bilder malen oder Turnarounds zeichnen müssen, um herauszufinden, wie die Assets in der CG-Produktion weiter aussehen müssen.

EDEN: Als nächstes kommt die Produktion von Vermögenswerten. Hier werden viele Charaktere und Umgebungen erstellt. Wir haben also Modellierung und Takelage. Es ist eine kollaborative Umgebung. Diese Abteilungen arbeiten während des gesamten Prozesses ständig zusammen und arbeiten zusammen. In einigen Studios haben Sie es möglicherweise dort, wo Sie einen Vermögenswert verwalten, und geben ihn dann an die nächste Gruppe weiter. In den Walt Disney Animation Studios arbeiten unsere Abteilungen während des gesamten Films eng zusammen. Und sobald sie die Asset-Produktion durchgearbeitet haben, gehen sie in die eigentliche Shot-Produktion über, in der Dinge wie Effekte und Beleuchtung eintreten, wo Sie die Szene aufnehmen und sie beleuchten. Es geht den ganzen Weg durch Stereo. All das passiert im Backend. Auch diese Zusammenarbeit kann vom vorderen Ende der Pipeline nach hinten und von hinten nach vorne verlaufen, aber unsere Teams arbeiten ständig zusammen. Ein weiterer Bereich, der nur in den Disney Animation Studios zu finden ist, ist die Kombination von Kunst und Technologie. Wir arbeiten ständig mit unserer Technologieabteilung zusammen und haben manchmal auch Technologiespezialisten in jeder Disziplin, die für die gesamte Pipeline arbeiten.

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Wir haben auch ein Editorial, das funktioniert, und dann gibt es das Produktionsmanagement. Das Produktionsmanagement ist von Anfang bis Ende. Sie tragen den Film wirklich durch und helfen dabei, diese Aufnahmen durch den Prozess zu bewegen. Sie sehen also wieder die gesamte Frequenzweiche vorne und hinten. Wir müssen wirklich zusammenarbeiten. Wie das Sprichwort sagt, braucht es ein Dorf. Wir glauben wirklich, dass jeder im Studio ein Filmemacher ist, weil jeder Teil dieses Prozesses ist.

ROBERTS: Jeder bekommt Notizen zu unseren Filmen, während wir die verschiedenen Vorführungen und Iterationen durchgehen.

BUTTERS: Das macht Spaß, weil Sie dem Regisseur und dem Produzenten sagen können, was Sie von dem Film auf der Bühne gehalten haben. Sie können sagen: „Ich verstehe nicht, warum diese Figur dazu motiviert wäre“, und Sie Schicken Sie das direkt an die Spitze der Kette. Und sie hören zu. Sie lesen jede einzelne Notiz. Es ist wunderbar. Eine Sache, auf die ich auch hinweisen möchte, ist, dass Sie die Geschichte nicht machen und dann zur Animation übergehen. Die Geschichte arbeitet den gesamten Film.

ROBERTS: John Lasseter verwendet gerne diesen alten Satz, in dem wir sagen, dass keiner unserer Filme jemals fertiggestellt wurde. Sie sind gerade freigelassen worden. Wenn Sie die Kraft in die Hände unserer Künstler legen, werden sie sie einfach weiter überarbeiten, um zu versuchen, die Dinge immer perfekter zu machen. Aber es kommt gerade zu einem Punkt, an dem Sie es der Öffentlichkeit zugänglich machen müssen, und hoffentlich werden sie es genießen.

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KEESLING: Kreative Rollen für Disney Television Animation sind etwas anders. Als Personalvermittler für unser Studio bewerben sich manchmal viele Leute bei mir und sagen: 'Oh, ich möchte Vis-Dev machen, was für visuelle Entwicklung steht.' Das ist ein Titel, der mehr für euch funktioniert. Sie haben ein Team von Vis-Dev-Künstlern. Für das Fernsehen ist Vis-Dev in alle kleinen Teile unterteilt. Visuelle Entwicklung wäre der Art Director, Hintergrunddesigner, Hintergrundmaler und Farbstylist. In jeder Show wird jemand als Farbstylist bezeichnet. Sie wählen alle Farben von allem aus, was der Hintergrundmaler nicht malt. Und dann haben wir auch Storyboard-Künstler und Storyboard-Revisionisten. Ich möchte jüngeren Menschen, Studenten, sagen, dass das Durchführen von Storyboard-Revisionen ein guter Einstieg in die Disney Television Animation ist, wenn sie an einer Story interessiert sind. Alle diese Rollen sind diejenigen, die für uns funktionieren. Es sind Designer und Storyboard-Leute. An der Spitze steht dann der Schöpfer der Show und sie sind es, die die Vision auf den Tisch bringen. Die Showkünstler sind nicht unbedingt die Regisseure ihrer eigenen Shows, und das kann für die Leute etwas verwirrend sein. Es gibt so viele Shows zu einem bestimmten Zeitpunkt. Wir haben eine, die immer noch die Bretter aufwirft und die immer noch auf den Miniaturansichten steht. Und dann haben wir noch eine, in der die Geschichte ausführlicher ist. Der Schöpfer der Show überwacht das alles, während es verschiedene Regisseure geben wird. Jede Crew kann zwei oder drei Regisseure haben, die an den verschiedenen Folgen arbeiten. Es ist sehr schnell, aber es macht viel Spaß und es gibt eine Menge Schichten, die bei jeder Crew passieren. Hoffentlich ist das für Sie klar. Es gibt viele Ähnlichkeiten mit unserer Arbeitsweise und dann gibt es subtile Unterschiede.

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ROBERTS: Selbst wenn sie stilistisch über Geschichte spricht, möchten wir, dass Sie für die Story-Künstler in unserem Studio sehr grob und gestisch arbeiten, weil Sie viele Iterationen vieler derselben Aufnahmen und Szenen immer und immer wieder machen Der Film entwickelt sich. Sie müssen also schnell arbeiten, aber dennoch mit diesem wirklich starken Sinn für Anziehungskraft, während in TV-Animation Ihre Geschichte und Überarbeitungen viel enger sind.

KEESLING: Schnell und schmutzig. Sie sind zuerst super locker. Manchmal sind es kleine Thumbnails auf kleinen Post-its. Und wenn sie mit der Geschichte glücklicher werden, werden sie sie an einen engeren Ort bringen. Was wir anstreben, ist eine Art wirklich enge endgültige Animation, die dann an die Animationsabteilung geht. Eine Frage, die ich oft bekomme, betrifft Schriftsteller. Wir stellen normalerweise nicht viele Autoren für TV-Animationen ein, da die meisten unserer Shows auf Storyboards basieren, was bedeutet, dass die Storyboard-Künstler auch das Schreiben übernehmen. Wir haben einige Shows, die skriptgesteuert sind, aber der Großteil davon basiert auf Storyboards.

Wie ist es, bei Disney Animation zu arbeiten? KEESLING: Es ist super schnell, aber es macht wirklich Spaß. Es ist ein großartiger Ort zum Arbeiten. Die Künstler verstehen sich immer sehr gut. Wir füttern uns immer gegenseitig mit kreativen Säften. Es ist schnelllebig, weil so viele Episoden erstellt werden müssen und die Zeitpläne für Episoden nicht so lang sind. Wenn Sie also auf dieser Ebene die schnellere Umgebung mögen, ist dies definitiv ein Ort, an dem Sie gedeihen würden. Es macht super Spaß, ist sehr teamorientiert.

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Wenn ich als Rekrutierungsleiter dort weiß, dass eine Person eine Pause von einer Show einlegt, als ob wir einen Storyboard-Künstler haben, der von dort abweicht Wandern Ich werde sagen: 'Hey, Die Schwerkraft fällt , braucht ihr gerade einen Storyboard-Künstler? ' Wir versuchen unser Talent so weit wie möglich zu halten und sind damit sehr erfolgreich. Wir unterstützen uns sehr und fühlen uns alle geehrt, Teil des Disney Studios, der Disney-Umgebung, zu sein. Wir müssen ein Vermächtnis aufhalten. Wir müssen der Vision der gesamten Organisation treu bleiben und wir tun unser Bestes, um dies aufrechtzuerhalten und Spaß damit zu haben. Das gehört dazu, für Disney zu arbeiten. Außerdem können wir nach Disneyland fahren, was uns gefällt. Die Arbeit bei Disney hat also viele Vorteile. Es ist eine wirklich lustige, familienorientierte, wundervolle Firma.

EDEN: Einer der Teile unserer Kultur ist das Erbe. Wir sind derzeit auf unserer 55thFilm, Zootopia , die wir im Frühjahr nächsten Jahres veröffentlichen wollen. Ich bin sehr aufgeregt darüber. Wir sagen immer wieder Zusammenarbeit, aber es ist wahr. Es ist eine sehr kollaborative Umgebung. Es ist nur ein Teil des Schlüssels. Das Besondere am Studio ist, dass Sie mit Ihren Kollegen zusammenarbeiten können und wir voneinander lernen. Wir teilen. Es ist eine Konstante in allem, was wir tun. Es macht Spaß, bei Disney zu arbeiten.

ROBERTS: Was ich an unserem Studio wirklich mag, ist, dass es sehr wenig Ego gibt. Jeder ist da, um den bestmöglichen Film zu machen, den er kann. Wir sind sehr, sehr stolz auf den Erfolg von Gefroren und Großer Held 6 , aber wir feiern im Grunde eine Woche und dann ist es so, als müssten wir machen Zootopia so gut wie möglich. Es ist also so, als würde man zurück in die Pfeife springen, um sicherzustellen, dass wir alles tun, um zusammenzuarbeiten und dem Publikum einen wirklich großartigen Film zu bieten.

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Es geht immer mehr darum, dass Kunst und Technologie zusammenarbeiten. Es ist, als würden sich beide Seiten heutzutage gegenseitig inspirieren, wo die Technologie sagt: 'Was können wir tun, um unsere Kunst im CG-Bereich wirklich zum Leuchten zu bringen?' Gleichzeitig fühlen sich unsere Künstler immer wohler, wenn sie zu unseren Ingenieuren kommen und sagen: „Dies ist eine Idee, die wir haben. Gibt es eine Möglichkeit, ein Tool zu entwickeln, das dies für kommende Filme einfacher macht? “ Bei jedem Film versuchen wir, uns nicht zu wiederholen. Wir möchten dem Publikum wirklich eine andere Erfahrung bieten. Wir wollen wirklich die Kunstform und unser Filmemachen mit jedem Pferd aus dem Tor schieben. Wir tun alles, um Sie zu unterhalten. Wir freuen uns, dass Sie unseren Film sehen.

BUTTERS: Und nur die Tatsache, dass sie gerade unser Gebäude umstrukturieren. Wir haben einen Neubau und alles ist darauf ausgerichtet, uns kollaborativer zu machen, uns die Zusammenarbeit zu erleichtern, und das ist aufregend. Wo immer ihr arbeitet, überredet sie, euch einen Müsliriegel zu besorgen. Es gibt Müslispender, und Sie können mit einer Schüssel nach unten gehen und sie auffüllen. Sie haben einen Kühlschrank mit jeder Art von Milch, die Sie sich vorstellen können. Das ist alles Zuckerguss auf dem Kuchen.

ROBERTS: Wir haben freitags Bagel, wo Freitagmorgen Bagels für alle da sind. Wir haben frisches Obst.

KEESLING: Wir haben John Lasseters handverlesenen Koch bei unserem Kommissar. Es ist echt.

ROBERTS: Unser Getreide ist eine Marke. Wir sind den ganzen Weg General Mills.

BUTTERS: Lassen Sie uns dies dem Publikum für Fragen und Antworten öffnen. Wie arbeiten Sie mit anderen Abteilungen wie Marketing oder Produkt-Merchandising zusammen?

EDEN: Marketing ist Teil der Walt Disney Animation Studios. Wie Matt sagte, sind wir ein vertikales Studio, also haben wir unsere eigene Marketingabteilung und unsere eigene Finanzabteilung. Sie sind alle mit uns im Studio. Sie arbeiten mit einem größeren Unternehmen zusammen, sind aber auch hier Teil dieser Pipeline. Sie sind von Anfang an dabei, bis der Film veröffentlicht wird.

ROBERTS: Wir haben auch eine ziemlich neuere Rolle, die wie ein Botschafter in unseren anderen Abteilungen ist. Wenn wir Konsumgüter und Produkte für unsere Filme oder Anbindungen an die Themenparks herausbringen, haben wir jemanden, der als Vertreter unseres Studios arbeitet und zu diesen Abteilungen geht, um die Qualität der Waren zu überwachen, an die gebunden werden soll ein Film oder irgendein Thema, das ihn repräsentieren wird. Wir wollen sicherstellen, dass wir eine gleichbleibende künstlerische Qualität haben, die unsere Filme repräsentiert.

Planen Sie, eine der Serien, die gerade im Fernsehen laufen, in einen Spielfilm zu bringen?

ROBERTS: Leider wissen wir es nicht. Wo sich unsere kreative Kultur gerade befindet, stellen unsere Regisseure originelle Ideen in unserem Studio vor. Ich denke, wir sind sehr bewundernswert in dem, was jedes Studio tut.

KEESLING: Das Gegenteil passiert gerade mehr. Es gibt einige Dinge, über die ich nicht sprechen kann, aber einige Dinge, die sie vor uns getan haben, damit sie jetzt vielleicht einen Schritt machen.

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ROBERTS: Das Lustige ist, mit dem Mickey Shorts, wir haben das gemacht Holen Sie sich ein Pferd kurz zur gleichen Zeit machte Paul Ruddish das Mickey Shorts für sie. Es sollte keine Verbindung sein. Es war nur ein Zufall. Und dann, als jeder Film fertig wurde, kamen die Macher zusammen und sagten: 'Oh, was machst du?' und da war diese gegenseitige Bewunderung zwischen den Regisseuren, die es für so cool hielten, dass ihr Mickey auf diese Weise nimmt.

Für welche Einstiegspositionen könnte sich ein Hochschulabsolvent bewerben? Was würden Sie jemandem empfehlen, der in die Entwicklung von Geschichten einsteigen und schließlich mit der Familie Disney Geschichten erzählen möchte?

KEESLING: Für Fernsehanimationen ist eine Sache, nach der ich in Portfolios suche, dass ich gerne Studentenfilme von Menschen sehe. Wenn Sie in eine Schule gehen, in der Sie keinen Film machen, dann machen Sie selbst einen Film, denn wir möchten Ihre Fähigkeit sehen, eine Geschichte zu erzählen. Ich schaue mir auch Graphic Novels und Comics an. Das ist etwas, wonach ich in Portfolios suche. Ein Einstiegsjob wäre ein Storyboard-Revisionist, eine Person, die die Storyboard-Zeichnungen bereinigt, die ein erfahrener Storyboard-Künstler gezeichnet hätte. Die Bewerbung für revisionistische Positionen ist ein guter Weg. Wir werden Tests verschicken. Wenn wir einen Storyboard-Künstler in einer Show oder einen Storyboard-Revisionisten suchen, können wir Ihnen einen Storyboard-Test senden. Sie müssen Ihr Portfolio zuerst genehmigen lassen, da wir nicht ohne weiteres einen Test an Hunderte von Personen senden möchten. Aber wenn sie einen Schimmer von dem sehen, wonach sie in ihrer Show suchen, senden wir Ihnen einen Test, und dann senden Sie ihn zurück, und Sie könnten die Person sein, die den Job bekommt.

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ROBERTS: Für unser Studio haben wir tatsächlich ein Filmentwicklungs-Trainingsprogramm für Story-Künstler. Wir möchten die jüngsten Absolventen nicht sofort auf einen Film werfen, weil es für jemanden, der noch nie an einem Film gearbeitet hat, sehr stressig ist. Unser Traineeprogramm findet zweimal im Jahr statt. Die Disziplinen variieren, weil wir versuchen, vorauszusehen, welche Bedürfnisse wir später haben werden, und hoffen, Sie tatsächlich auf einen Job vorzubereiten. Es dauert 3 Monate bis zu einer 1-jährigen bezahlten Mentorentätigkeit, in der Sie tatsächlich mit einem ansässigen Disney-Künstler zusammenarbeiten, der Sie betreuen und Ihnen die Seile zeigen und versuchen wird, Ihre Fähigkeiten in dieser Zeit zu fördern, um Sie darauf vorzubereiten Arbeit an einem Film. Es soll für Studenten sein. Es wurde für Künstler entwickelt, die 0 bis 3 Jahre von der Universität entfernt sind. Das ist also eigentlich der Rahmen. Wir möchten, dass Sie mehr auf der Junior-Seite sind, weil wir das Potenzial in Ihnen sehen möchten und wir möchten versuchen, daraus zu machen, wie unser Studio Filme macht.

Wie oft wird eine Stelle für einen Konzeptkünstler für eine Fernsehanimation vergeben?

KEESLING: Es ist schwer zu sagen, wie oft. Wir haben keinen strengen Zeitplan für die Jahreszeiten. Live-Action ist wie eine Pilotsaison. Wir sind das ganze Jahr über. Wir sind Dinge, die grünes Licht geben, wenn sie frisch und bereit für grünes Licht sind. Ich kann also nicht sagen, wie oft. Wie ich bereits sagte, verwenden wir keinen Konzeptkünstler. Wir suchen keinen Vis-Dev-Künstler. Wir suchen nach sehr spezifischen Rollen. Also suche ich Hintergrundmaler. Ich suche nach Charakterdesigns. Wir lieben es, wirklich starkes Zeichnen zu sehen und wir möchten sehen, dass Sie eine Vielzahl von Stilen machen können, weil unsere Shows alle unterschiedlich aussehen.

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Bei der Einrichtung des Programms meiner Schule muss ich mich zwischen Fernsehen, Film, Kunst und Schreiben entscheiden, aber ich möchte alles tun. Welchen Weg soll ich gehen?

KEESLING: Du hast dein ganzes Leben vor dir. Lassen Sie sich heute nicht vom Abwärtsdruck des Mannes, der Ihre Schule ist, entscheiden. Lass dich nicht ausflippen. Wählen Sie eine aus und probieren Sie es aus. Wenn dies nicht genau der Fall ist, stellen Sie einfach fest, dass Sie nicht alles lernen müssen, was Sie in der Schule wissen müssen. Du wirst so viel lernen, wenn du rauskommst und arbeitest. Wählen Sie also das aus, was dem, was Sie zu tun glauben, am nächsten zu kommen scheint. Und wenn Sie Ihre Meinung ändern, können Sie Ihre Meinung ändern. Es ist ein freies Land.

ROBERTS: Wenn Sie in einem größeren Studio wie uns oder bei TV Animation eingestellt werden, werden Sie in der Regel für eine bestimmte Sache eingestellt. Es ist nicht so, dass du überall schweben wirst, aber nachdem ich das gesagt habe, finde ich es gut, eine Spezialität zu haben, wie ein Dur, aber dann vielleicht ein Moll. Wenn Sie also eine Geschichte machen möchten, sollten Sie sich wirklich sehr auf die Geschichte konzentrieren. Aber wenn Sie sich auch für Charakter-Design oder ähnliches interessieren, würde ich trotzdem sagen, dass Sie diese Chops auch entwickeln sollten, denn wenn Sie diese Vielseitigkeit in beiden Welten oder sogar in mehr Welten als diese haben, denke ich, dass Sie sich marktfähiger machen für die Industrie im Allgemeinen.

KEESLING: Versuchen Sie, während Ihrer Schulzeit ein Praktikum zu machen, denn wenn Sie Schüler sind und in einem Studio arbeiten, werden Sie feststellen: „Oh, ich dachte, ich wollte das machen, aber wirklich Ich möchte das tun.'

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ROBERTS: Wenn Sie sich bewerben, möchten Sie auch, dass Ihr Portfolio so spezifisch wie möglich ist. Wenn Sie zu viele verschiedene Disziplinen in einer Einreichung haben, wird dies verwirren, es sei denn, Sie sind in allen Bereichen großartig.

EDEN: Wenn Sie anfangen, ein Praktikum zu machen, oder wenn Sie Ihren Abschluss machen, kennen Sie die Kultur des Ortes, an dem Sie sich bewerben. Stellen Sie sicher, dass Ihr Portfolio dies widerspiegelt. Wenn Sie sich für Fernsehen, Spielfilme oder Werbung interessieren, stellen Sie sicher, dass Ihr Portfolio dies widerspiegelt.

KEESLING: Ich würde sagen, machen Sie Ihre Anwesenheit bekannt. Poste ständig auf deinem Tumblr. Ich schaue ständig auf Tumblr, was die Leute posten. Bring deine Sachen raus. Es hilft uns, Studentenfilme für das Fernsehen zu machen. (Zu Matt) Ich weiß nicht, ob ihr euch das so genau ansieht. Das ist etwas, das ich mir sehr anschaue.

ROBERTS: Das machen wir total. Ich denke, es ist eine wirklich coole Zeit, um in die Animationsbranche einzusteigen, denn Sie haben heute die Ressourcen der Welt zur Hand. Es gibt nicht nur eine Vielzahl von Studios, sondern es kommt immer die Kunst der Bücher heraus. So viele Branchenprofis haben ihre eigenen Tumbler, Blogs oder Instagramme. Sie können Künstler erreichen und mit ihnen in Kontakt treten. Und wenn sie sich wohl fühlen und die Erlaubnis der Studios dazu haben, können sie Ihnen tatsächlich Feedback zu Ihrer Arbeit geben. Sie haben so viele Benchmarks, um Verbindungen herzustellen und Ratschläge zu erhalten. Ich würde auch sagen, ob Sie noch in der Schule sind oder Leute online treffen, umgeben Sie sich wirklich mit einer starken Gruppe von Künstlern, die Sie respektieren und die Ihnen nicht unbedingt nur sagen, was Sie hören möchten und was Sie tun werden Fordern Sie heraus und geben Sie ehrliches Feedback. Wenn Sie nur zu Hause sind und alleine arbeiten, arbeiten Sie in einem Vakuum. Sie könnten immer und immer wieder dieselben Fehler machen. Wenn Sie mit Menschen zusammen sind, die Sie herausfordern und unterstützen, haben Sie jemanden, von dem Sie Ideen abprallen können, und Sie werden wachsen. Ich war ein anständiger Künstler, als ich am Community College war. Das zweite Mal, als ich nach Cal State Fullerton ging und in dieser künstlerischen Gemeinschaft war, hatte ich das Gefühl, dass all meine Fähigkeiten wie bisher nicht verbessert wurden, weil ich in einer Gemeinschaft bin, die hier ist, um mich zum Erfolg zu führen.

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EDEN: Es geht zurück auf das, was wir zuvor über eine kollaborative Umgebung gesagt haben. Auch wenn Sie in unserem Studio erfahrene Leute haben, werden sie dennoch Ideen austauschen. Du denkst, du bist fertig, aber dann gehst du hinein und teilst es mit einer Gruppe, und sie könnten es auseinander reißen und wieder zusammensetzen, bis du diesen Charakter oder dieses Kunstwerk gefunden hast. Es ist also nicht nur für Studenten. Es ist alles während Ihrer Karriere.

KEESLING: Eine andere Sache, die ich sagen würde, ist, in der Schule nett zueinander zu sein, denn wenn Sie in der Animation bleiben, werden Sie jahrelang zusammenarbeiten. Ich mag das Wort 'Networking' nicht wirklich, weil es sich anhört, als würde man falsche Freunde finden, die man für verschiedene Dinge verwenden wird. Aber fangen Sie an, Ihr echtes Netzwerk aufzubauen. Helfen Sie sich gegenseitig bei Ihren Projekten und treten Sie Organisationen bei. Frauen in Animation ist eine. Sie machen jeden Monat Mixer und Sie können anfangen, Leute zu treffen. Besuchen Sie WonderCon und all diese Dinge wie Freiwilligenarbeit bei den Amy Awards. Es gibt verschiedene Möglichkeiten, um die Leute kennenzulernen, mit denen Sie arbeiten werden. BUTTERS: Hier ist auch ein großer Tipp im Leben. Sei ehrlich. Suchen Sie Leute, die ehrlich sind, um Ihnen zu sagen, ob dies schrecklich oder großartig ist oder daran gearbeitet werden muss. Geben Sie keine falsche Unterstützung, damit sich jemand auf etwas konzentriert, das Zeitverschwendung ist. Sam Harris hat ein großartiges Minibuch namens Lügen und es geht nur darum, Menschen nicht von der Realität abzuhalten. Wenn Sie jemanden sehen und er Sie nach Ihrer Meinung zu einer Arbeit fragt, sagen Sie ihm, was Sie ehrlich darüber denken und woran er ehrlich arbeiten muss. Zeig es deiner Mutter nicht. Sie wird dich lieben, egal was passiert.

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Welcher Teil unseres Portfolios sollte aus dem Leben bestehen, insbesondere für Personen, die sich für Positionen in der visuellen Entwicklung, im Hintergrund oder in der Geschichte bewerben?

ROBERTS: Für uns sage ich immer zwei oder drei Seiten hinten. Sie müssen nicht so viel setzen, aber wir möchten Ihre Grundlagen sehen. Wenn Sie Maler sind, möchten wir auch einige Ihrer Bilder und Studien zusätzlich zu Ihrer tatsächlich kreativeren animationsgesteuerten Arbeit sehen. Tierzeichnung ist gut. Für diejenigen, die sich für Geschichten interessieren, ist es auch gut, Ihre Beobachtungsskizzen zu sehen. Wir möchten jedoch wissen, dass Sie vom Leben aus beobachten und nicht nur von anderen Designs zeichnen. Wir wollen eine Art Wahrheit und Authentizität hinter allem, was Sie bauen. Dort zu forschen und auszugehen und die Welt und die Menschen zu studieren, ist wirklich ein wichtiger Teil davon.

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EDEN: Ich muss nur genug sehen, um zu wissen, dass Sie Volumen, Form und Proportionen verstehen. Wir brauchen keine Tonne. Ich kann das in einem Portfolio sehen, das keine Lebenszeichnung hat, wenn die Charakterdesigns wirklich stark sind, aber es tut nicht weh, einige darin zu haben. Es muss einfach keine große Baugruppe sein.

Ich bin ein Animationsstudent und frage mich, wonach Sie bei einem Praktikanten suchen.

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KEESLING: Für uns schauen wir uns die Portfolios an. Wir lesen sehr gerne die Anschreiben und hören von Ihrer Leidenschaft. Es ist wichtig zu wissen, dass Sie wissen, was unser Studio tut. Manchmal kann man feststellen, dass sich jemand gerade für jedes Praktikum unter der Sonne beworben hat und Ihnen eine Art Serienbrief sendet, den er an jedes Studio gesendet hat. Wir suchen definitiv nicht danach, sondern nach Stärke in Ihrem Portfolio. Manchmal, wenn Leute mir einen Link zu ihrem Tumblr senden und ihn schon lange nicht mehr aktualisiert haben, frage ich mich: 'Zeichnen sie viel?' Wenn ich zwischen zwei Leuten wählen muss und ich sehe, dass jemand immer etwas zu ihrem hinzufügt ... Ich weiß, dass du in der Schule bist und viel zu tun hast, aber ... Wenn es Behance (Online-Portfolio-Site) oder Artimated ist, tut es das nicht. Es ist wirklich wichtig. Ich habe Tumblr nur als eine Art Allheilmittel benutzt. Das ist das, was ich in letzter Zeit am meisten zu sehen scheine. Es ist zu sehen, dass Sie so engagiert sind und essen, schlafen, leben und zeichnen und zeichnen. Und Comics auch in Ihrer persönlichen Arbeit. Nicht nur Dinge, von denen Sie denken, dass sie Ihnen den Job bringen werden. Wir möchten Ihre Vision sehen, weil Sie möglicherweise der nächste Schöpfer der Show für uns sind.

ROBERTS: Wenn Sie sich für eine Stelle bewerben möchten, ist es besser, ein separates Tumblr zu haben, das Ihr Portfolio ist, als Ihr persönliches Tumblr einzureichen. Ich möchte Ihre Kunst sehen, aber ich denke nicht, dass ich diesen Teil darüber wissen sollte, was in Ihrem Leben passiert. Haben Sie einfach etwas anderes davon. Für uns haben wir tatsächlich jeden Sommer künstlerische Praktika, die für Leute gedacht sind, die noch in der Schule sind und im Herbst wieder zur Schule gehen werden. Wir neigen dazu, nur Praktika zu schreiben. Wir suchen, wie wir in einem Profi aussehen, aber mehr auf Studentenebene. Wir möchten immer noch, dass Sie bei allem, was Sie tun, ein wirklich starkes Gefühl für Attraktivität, Ästhetik und Geschichtenerzählen haben, aber wir suchen mehr nach Potenzial. Wir wissen, dass ein Praktikum nicht sofort zu einem Job führen wird. Wir wollen nur sehen, ob diese Person davon profitieren kann, acht Wochen lang unter unseren Künstlern zu lernen. Es ist die gleiche Skala, aber geben Sie einfach Ihr Bestes und zeigen Sie uns Ihre absolut stärkste Arbeit.

Ich habe Freunde, die Toon Boom-Animationssoftware verwenden, um Grafiken und Storyboards zu erstellen. Wenn ich an einem Storyboard-Job interessiert bin, muss ich über diese spezifischen Fähigkeiten verfügen, wenn ich mich bewerben möchte?

KEESLING: Für uns nicht. Wenn wir Ihre Fähigkeit zum Geschichtenerzählen mögen, wenn wir Ihnen einen Storyboard-Test geschickt haben und wir dachten, diese Person hat es geschafft und uns verrückt macht, könnten Sie ins Studio kommen und wir könnten Ihnen das beibringen. Die Fähigkeit, eine Geschichte wirklich gut und klar zu erzählen und alle Elemente zu haben, die für diese Arbeit erforderlich sind, ist wichtiger. Der Technologieteil kann später kommen.

ROBERTS: Es ist wichtiger, die Grundlagen und das Konzept der Attraktivität zu beherrschen und dann von dort aus an den Werkzeugen zu arbeiten. Ich denke, es wird Sie marktfähiger machen, wenn Sie bestimmte Programme kennen. Für uns haben wir proprietäre Plug-Ins, aber der größte Teil unserer Software ist von der Stange. Wenn Sie die Geschichte visuell sehen, verwenden Sie in unserem Studio normalerweise nur Photoshop. In so etwas wie für die visuelle Entwicklung unterstützen wir nur den Prozess des Künstlers. Es gibt also einige Leute, die immer noch traditionellere Medien verwenden und dann später alle Kunstwerke scannen können. Aber es geht zuerst um Ihre Arbeit und dann um die Werkzeuge, denn die Werkzeuge werden sich immer ändern. Software wird auch in fünf bis zehn Jahren nicht mehr gleich bleiben.

KEESLING: Das Geschichtenerzählen ist uralt.

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