INSIDE OUT: 39 Wissenswertes zum Erstellen eines Films bei Pixar

Kamera! Aktion! Beleuchtung!

Es wird mich immer wieder in Erstaunen versetzen, wie viele Leute und wie viel Zeit für die Erstellung eines Spielfilms aufgewendet wird, aber als ich im April den Pixar-Campus in San Francisco besuchte, hatte ich die Gelegenheit, einen besonders detaillierten Blick auf das zu werfen, was es brauchte zu machen von innen nach außen und es ist ein absolut umwerfender Prozess. Am Tag nach der Vorführung der ersten Stunde des Films hatten wir die Möglichkeit, an fünf Präsentationen teilzunehmen - eine für die Story-Abteilung, eine für das Produktionsdesign, eine für das Layout, eine für die Animation und eine für die Beleuchtungsabteilung. Jeder gab uns eine spielerische Darstellung dessen, was er täglich tut, wobei er die technischen und kreativen Anforderungen seiner Arbeit abdeckte, Beispiele seiner Arbeit zeigte und wie sich das Material im Laufe der Produktion verändert, und vieles mehr.



Warnung: Dies ist eine lange, aber es war schwer genug, um zu verhindern, dass dieses Stück doppelt so lang ist, weil so viele faszinierende Dinge getan werden mussten, um Freude, Traurigkeit, Ekel, Wut, Angst und Riley selbst zu bringen auf die effektivste Weise auf dem Bildschirm zu leben. Hier sind 39 Dinge, die Sie über den Herstellungsprozess wissen sollten von innen nach außen aufgeschlüsselt nach Abteilungen:



Geschichte mit Co-Regisseur Ronnie del Carmen

1. Hier beginnt alles. 'Wenn es losgeht, gibt es kaum etwas.' Del Carmen fuhr fort: „Was wir haben, ist ein fantastisches Konzept. Pete Docter sagt: 'Ich möchte einen Film über ein 11-jähriges Mädchen machen, und die vorgestellten Spieler sind die Emotionen in ihrem Kopf.' Lass uns anfangen! 'Du gehst in einen Raum, setzt dich einander gegenüber und dann:' Was machen wir? 'Wir wissen es nicht! Wir müssen herausfinden, was das ist. Also fangen wir an, Geschichten zu schreiben. Wir erzählen uns Geschichten. „Wie warst du als Kind? Wie sind deine Kinder? “Und dann zeigt sich als erstes, dass die Hauptemotion Freude sein sollte, weil Kinder immer glücklich sind. Sie hüpfen immer herum. Es fühlt sich immer so an, als wären sie immer ewig glücklich. '

2. Die Ideen sind nicht immer einfach und wenn sie stecken bleiben, schalten die Filmemacher den Gang und beginnen, sich gegenseitig zu zeichnen. 'Es wird ganze Tage, vielleicht sogar Wochen geben, an denen alles, was Sie versuchen, fehlschlägt und Sie sich dann gegenüberstehen, ohne Kugeln.' Del Carmen wies auf einige Skizzen einiger sehr vertrauter Gesichter hin, die an der Wand hingen, darunter er selbst, Jonas Rivera und Pete Doktor . 'Es macht Spaß. Es bricht dich irgendwie aus diesem Problemlösungsmodus heraus. “



3. Was macht ein Geschichtenerzähler? „Als Story-Künstler kann man eine einfache Version des Charakters zeichnen, weil man sie hunderte Male am Tag zeichnen muss. Hunderte, ungefähr 300, 400 Zeichnungen pro Tag, vielleicht für eine Sequenz, vielleicht für einen Teil einer Sequenz. “ Wenn Sie so viele Zeichnungen pro Tag machen, müssen Sie diese natürlich schnell machen können.

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4. Wut skizzieren. Del Carmen zeigte uns Schritt für Schritt, wie man Wut zeichnet. Es mag schwierig sein, sich etwas vorzustellen, ohne zu sehen, wie del Carmen den Prozess selbst durchläuft, aber hier sind die Schritte, wenn Sie es ausprobieren möchten:

  • Zeichnen Sie zunächst ein Quadrat.
  • Für seine Augenbrauen benötigen Sie 'einen Bogen, der oben nach oben geht, und dann zeichnen Sie zwei Linien, die seine Brauen darstellen.'
  • Setzen Sie nun 'Halbmonde für seine Augen' und 'die Iris ganz oben' ein.
  • 'Sein Mund ist das Gegenteil von diesem anderen Bogen.'
  • Nun zur Oberseite seines Hemdes und 'danach können Sie diese kleinen Dreiecke für seinen Kragen zeichnen.'
  • 'Dazwischen kannst du seine Krawatte ziehen.'
  • 'Die Oberseite seiner Hose geht tatsächlich hinter diese Krawatte.'
  • 'Seine Arme sind wie diese kleinen, baumelnden Röhren mit Fäusten.' Die Fäuste sind kleine Kreise am Ende jedes Arms.
  • 'Unter diesem Quadrat kannst du seine Schuhe zeichnen und dann kannst du einfach zwei Linien zeichnen, um sicherzustellen, dass es so aussieht, als hätte er Beine.'
  • 'Und wenn du das Gefühl haben willst, dass er wirklich finster ist, hast du diese unteren Lider, die du zeichnen kannst, und danach kannst du Rauch über seinen Kopf setzen, als würde er wirklich verbrennen.'



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5. Wie man einen Stellplatz genehmigt. 'Sie würden den Anfang, die Mitte und das Ende einer Szene zeichnen und dann würden Sie als Story-Künstler davor oder vor einem digitalen Bildschirm stehen und ihn aufstellen.' Als Beispiel stand del Carmen auf und spielte im Wesentlichen eine ganze Szene aus, wobei jeder Charakter selbst geäußert wurde, während er auf die entsprechenden Storyboards zeigte. (Es war wahnsinnig unterhaltsam! Ehrlich gesagt hätte ich ihn den ganzen Film spielen sehen können.) „Sie werfen so etwas auf, Sie finden heraus, ob es funktioniert. Wenn es funktioniert, bleibt es. Wenn nicht, musst du es erneut tun. '

6. Das Schreiben des Skripts war ein sehr kollaborativer Prozess. 'Pete und ich würden miteinander reden und Geschichten miteinander erzählen.' Del Carmen fuhr fort: „Wir schreiben unsere Ideen auf und es sieht aus wie ein Drehbuch, es verhält sich wie ein Drehbuch, aber es gab niemanden, der dafür verantwortlich ist - wir schreiben keinen Film, in dem jemand in einem speziellen Raum ist, ein genialer Schriftsteller Zimmer, schreibt alle drei Akte und es ist perfekt und gibt es dann an: 'Bitte veranschaulichen Sie mein Genie.' Nein. Das passiert nicht. ' Er erklärte weiter: 'Bei unserem Schreibprozess geht es darum, etwas auszuprobieren, egal ob es gezeichnet, geschrieben oder einfach nur durch die Hallen geworfen wird. So wird es gemacht. Wir warten nicht nur darauf: 'Ah, ich wünschte, ein Genie würde kommen und diesen Film schreiben.' Nein, das wären wir in einem Raum wie diesem. '

Produktionsdesign mit Ralph Eggleston



7. Was macht Eggleston? 'Ich bin normalerweise eine der ersten Personen im Film, eine der letzten Personen, und es ist wichtig, ein Team aufzubauen, um den Film zu visualisieren.' Wir arbeiten mit dem Regisseur und der Geschichte zusammen, um Bilder zu erstellen, die diese Geschichte erzählen können. Wir sind nicht nur ein Zusatz. Wir entwerfen nicht nur Sachen für die Geschichte. Wir sind von Anfang an Teil des Erzählprozesses. '

8. Lassen Sie sich von „Gehirnbögen“ inspirieren. 'Was sie sind, sind tatsächlich Hirngewebeschnitte, denen Chemikalien injiziert wurden, die unter verschiedenen Lichtverhältnissen eine bestimmte Farbe abgeben, und Sie können verschiedene Schichten von Neuronen sehen.' Er fuhr fort: 'Der Film spielt nicht im Gehirn, sondern im Kopf, aber wir wollten uns nicht wirklich einige der visuellen Hinweise verweigern, die das Publikum unter den physischen Aspekten Ihres Körpers verstehen könnte.'

9. Die reale Welt gegen die Gedankenwelt. 'Wir wollten, dass die Menschen für diesen Film etwas realer sind, denn wenn wir mit diesen Jungs diesen Cartoon machen wollen, müssen wir irgendwie das Gleichgewicht finden.' Eggleston fügte hinzu: 'Das Publikum musste ziemlich schnell wissen, wo Sie sich befanden, als Sie von der Innenseite des Geistes zur Außenseite des Geistes schnitten.' In Bezug auf die Standorte selbst hat Eggleston einige Merkmale ermittelt, die für die reale Welt spezifisch sind, und andere, die für die Mind World spezifisch sind. Achten Sie auf viel Textur und sehr geringen Kontrast in der realen Welt. In der Mind World sehen Sie jedoch 'viel gesättigte Farbe, sehr hohen Kontrast und viele durchscheinende und lichtemittierende Oberflächen'.

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10. Wie sie auf die Idee kamen, Joy sprudeln zu lassen und warum die anderen Emotionen nicht den gleichen Effekt haben könnten. 'Die Idee kam tatsächlich von einer Wunderkerze.' Er fuhr fort: 'Wir haben ungefähr acht Monate lang an der Idee gearbeitet, dass sie sprudelt oder funkelt, und es kam zu dem Punkt, dass wir es uns nicht leisten konnten, dies zu tun. Es gab keinen Weg. Und dann haben wir gezeigt John Lasseter und er sagt: 'Das ist großartig!' Keiner der anderen Charaktere hatte es, weil wir es uns einfach nicht leisten konnten. Als John es auf Joy sah, sagte er: 'Das ist großartig! Setzen Sie es auf alle Charaktere. 'Sie konnten hören, wie das arme technische Personal gerade auf den Boden traf und das Budget durch das Dach flog.'

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11. Was ist ein Farbskript? „Das Farbskript ist eine visuelle Abkürzung, die Licht, Farbe und Textur in Beleuchtung, Kostümen und Haaren zeigt. Es ist Teil des Designprozesses. ' Er fuhr fort: 'Es ist eine Kurzversion der Storyboards, aber es geht um Farbe und Licht sowie um Inszenierung, Kinematographie und Kontrast. Eines der Dinge, die Sie sehen können, ist, wenn wir die großen Unterschiede zwischen den Farbpaletten von der Gedankenwelt in die reale Welt schneiden. “

12. Die Persönlichkeitsinseln waren nicht immer Inseln. Zu einem bestimmten Zeitpunkt waren sie Persönlichkeitssäulen. „Diese Idee hat sich im Laufe der Produktion ebenfalls erheblich geändert, da sie einst Säulen waren und dann am Himmel schwebten. Es war verrückt, wie sehr es sich verändert hat. “ Er erklärte weiter. 'Die Idee war, wenn Riley sich seit ein paar Wochen für Musik statt für Hockey interessiert hätte, wie' Oh, ich möchte Tuba spielen ', weißt du? Und so könnte die Musikinsel angefangen zu wachsen und wenn sie sich wirklich dafür interessiert hätte und die größte Tuba-Spielerin der Welt geworden wäre, wäre es vielleicht die größte Insel in ihrem Kopf. Aber dann verliert sie das Interesse daran und es verschwindet irgendwie. “ Er fuhr fort: 'Die Idee ist, dass sie bereits da sind, sie können da sein, aber dass Sie darauf aufbauen können, Sie können sie selbst verbessern. Du musst es aber selbst machen. Sie müssen die Entscheidung treffen, es zu verbessern. “ Er fügte hinzu: 'Und natürlich, wenn sie anfängt, das Interesse an jedem dieser Elemente zu verlieren, sinken sie sowohl farblich als auch wertmäßig und beginnen dann buchstäblich zusammenzubrechen.'

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13. Die Farbe des Himmels spiegelt Rileys Stimmung wider. „Im Laufe der Zeit wird es im Laufe des Films immer dunkler. Es ist eine einfache Idee, aber es ist eine realisierbare Idee, ohne zu viel angeben zu müssen. Und wir wollten nicht so weit gehen, dass Riley in eine Art schwere Depression versank. Es gab Versionen des Films, in denen es eher so lief, und wir zogen uns immer wieder zurück, weil es nicht um die Geschichte geht, weißt du? In der Geschichte geht es wirklich darum, dass Riley sich nur an eine neue Welt gewöhnt. '

14. Der Gedankengang war im Film noch einmal viel wichtiger. „Da die Oberleitungen und alle Stützen und Bahngleise überall sind, könnten wir es auf einem Bild gut aussehen lassen, aber als sich die Kamera in Bewegung setzte und wir all diese verschiedenen Aufnahmen hatten, war es überall einfach zu voll und wir haben es nicht getan. Ich will das nicht. Es musste klar sein, dass sie zurück zum Hauptquartier gingen. Wir kamen auf die Idee, dass die Bahnstrecke vor und hinter dem Zug erscheinen und verschwinden könnte. Die Idee ist wieder elektrochemisch, dass es um Energie und Licht, Transluzenz und Funken geht. ' Sie hatten jedoch eine Regel. „Die einzige Regel, die wir hatten, ist, dass es überall im Kopf hingehen kann, weil das Gleis überall erscheinen kann, aber wenn es zum Stillstand kommt, muss es zu einem Bahnhof gehen, und wir hatten ursprünglich mehrere Bahnhöfe im Kopf. Ich denke, es wurde bis auf eins zurückgeschnitten. “

15. Hier ist eine große Änderung, auf die Sie bei internationalen Filmschnitten achten sollten. 'Das größte wird sein, wenn du in Papas Kopf bist. International denke ich, dass sie Fußball schauen und hier Hockey schauen. ' Irgendwann spielten sie auch mit der Idee, dass unterschiedliche Farben in verschiedenen Kulturen unterschiedliche Bedeutungen haben, aber sie mussten es loslassen. 'Wir haben die Idee untersucht, das zu ändern, wir haben sogar die Idee untersucht, dass sie vielleicht für einen Tag die Farbe ändern, aber wir mussten es abstreifen, vereinfachen.'

16. Eggleston wird es nicht wirklich genießen können, zuzusehen von innen nach außen seit ein paar Jahren. 'Es ist unfair, weil ich es jetzt sehe und alles, was ich sehe, die Teile sind. Ich kann es noch nicht als Film sehen, daher weiß ich nicht, ob es funktioniert. ' Er fuhr fort: 'Es ist nicht fair, weil ich mich in fünf Jahren zum ersten Mal zurücklehnen und es mir ansehen kann, was es ist.'

Layout mit Kameramann Patrick Lin

17. In der Animation geht es nicht um Licht, Kamera oder Action. Es ist Kamera, Action, Licht. Lin erklärte: 'Mit anderen Worten, zuerst das Layout, dann die Animation und dann die Beleuchtung.' Er fuhr fort: „Wir stehen an der Spitze der Produktionspipeline. Wir haben die Grundlage dafür geschaffen, dass alle anderen Abteilungen folgen und ihre Arbeit aufnehmen können. Und wir sind auch der erste Schritt, um zu definieren, wie der Film filmisch aussehen wird. '

18. Sie sind einem Live-Action-Kamerateam sehr ähnlich. „Unser Hauptwerkzeug ist eine Kamera, nur unsere Kamera ist virtuell. Obwohl es virtuell ist, ist es mathematisch wahr. Es hat Objektive, Brennweite, Fokus, Blende, Verzerrung, Schärfentiefe und alles. Und wir ahmen echte Kamerabewegungen nach, als ob sie sich auf einer Strecke, einem Transportwagen, einem Kran, einer Steadicam oder einem Handheld befinden. '

19. Die Layoutabteilung ist auch für die Inszenierung verantwortlich. „Inszenierung ist die Choreografie von Kamera und Motiven und wie wir sie durch die Szenen bewegen. Wir verwenden Framing, Kompositionen und Blocking, um Bewegungen und Positionen für Charaktere und Kamera festzulegen. “

20. Lins Arbeit beginnt in einem leeren Raum. Wie Lin erklärte, beginnen sie mit einem leeren Raum, zum Beispiel dem Mind World-Hauptquartier. 'Als erstes bringen wir unsere Kamera mit.' Danach kommen die digitalen Zeichen. In diesem Fall sind sie alle in T-förmigen Posen mit ausgestreckten Armen, da die Animationsabteilung das Material noch nicht einmal berührt hat. Lin fuhr fort: „Wir sind auch dafür verantwortlich, die anfängliche Aufstellung des Charakters einzurichten. Jetzt stellen wir sie auf und ich habe sie an ihren Ausgangspunkt gebracht. Jetzt kann ich die Kamera bewegen, um die erste Nahaufnahme von Joy zu erhalten. '

21. Sobald sie alle Story-Beats herausgefunden haben, fahren sie mit dem Shot-Building fort. 'Dies ist die Phase, in der wir das Blockieren und das Timing erweitern. Wenn wir dann die Kamera animieren müssen, tun wir dies gleichzeitig.'

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22. Sobald sie mit den Kamerabewegungen zufrieden sind, geht es weiter zum Editorial. 'Dann geben wir alle Aufnahmen an die Redaktion weiter, wo alle Aufnahmen neu angeordnet, gekürzt oder erweitert werden. Das Blockieren wird verfeinert.' Sobald dies erledigt ist, 'ist dies das endgültige Layout, das wir für die Animation bereitstellen.'

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23. Der Unterschied zwischen der visuellen Sprache für die reale Welt und der Gedankenwelt. „Die Idee ist ziemlich einfach. Die Idee ist, dass die Außenwelt auf realen Orten basiert, also sollte sie realistisch, unvollkommen und fehlerhaft sein. Die Innenwelt ist einfallsreich, virtuell und kann daher perfekt sein. '

  • Linsenverzerrung: „Das erste, was wir untersucht haben, um diese beiden Welten zu trennen, ist die Linsenverzerrung. Linsenverzerrung ist die Unvollkommenheit im Glas der Linse während der Herstellung. “ Er erklärte weiter: „Wir gingen zu einem Kamerahaus in Berkley und mieteten einige echte Objektive. Wir haben zwei Marken gemietet, die Cooke S4 und die Ultra Prime. Wir haben eine Verzerrungstabelle erstellt und die Tabelle mit jedem der Objektive aufgenommen. Wir haben festgestellt, dass die Cooke eine stärkere Verzerrung aufweist als die Ultra Prime. Also haben wir die Verzerrungskrümmung jeder Linse gemessen und diese in unserer virtuellen Kamera modelliert. Und dies ist das erste Mal, dass Pixar ein Objektiv modelliert, das auf einem echten Objektiv basiert. “
  • Fokus: „In Live-Action wird der Fokus-Puller oft nur den Fokus verfehlen und es ist eine sehr natürliche Sache für Live-Action, und ich mag diesen Fehler und diese Unvollkommenheit, also werde ich das verwenden und das außen und innen platzieren ist immer genau richtig. “
  • Kamerabewegung: 'Wir haben uns für das Innere entschieden, eine mechanischere Kamerabewegung mit Dolly, Spur, Ausleger oder Kran zu verwenden, eine sehr kontrollierte Bewegung. Außen organischer mit Zoom-, Steadicam- und Handkameras. “

24. Lins Team verwendet auch eine so genannte umfangreiche Kameraerfassung. „So haben wir die entsperrte Kamera aufgenommen. Wir drehen es im Grunde wie eine Live-Action. Wir haben bereits Animationen und erfassen die Kameradaten live. “ Lin zog ein Video eines Kameramanns hoch, der durch einen mit Sensoren gefüllten Raum ging und ein Stativ mit einer darauf montierten Kamera hielt. Er erklärte: 'Wir ahmen tatsächlich die Steadicam-Bewegung nach, weil wir keine Steadicam haben.' Er zeigte uns auch einige Aufnahmen von einem Kameramann, der von einer Unmenge Papier abstieg. Warum? 'Weil der Kameramann von einem Bordstein steigt, müssen wir diese Bewegung nur nachahmen.'

Animation mit Shawn Krause, Victor Navone, Jamie Roe und Tony Fucile

25. Was macht ein Regieanimator? Roe erklärte: „Ein großer Teil meiner Aufgabe bestand darin, die Animatoren zu unterstützen und ihnen während ihrer Arbeit kreatives und konstruktives Feedback zu geben sowie in der Show zu animieren.“

26. Was machen die betreuenden Redakteure? Navone erklärte: „Wir geben auch den Animatoren Feedback und machen ein bisschen Animation. Eine unserer großen Aufgaben ist es jedoch, mit dem Produzenten zusammenzuarbeiten, um sicherzustellen, dass die Animation auf dem richtigen Weg bleibt und wir unsere Fristen einhalten. Außerdem arbeiten wir mit anderen Abteilungen zusammen, um beispielsweise sicherzustellen, dass die nachgelagerten Abteilungen wie Effekte und Beleuchtung das bekommen, was sie von der Animation benötigen, und dass die vorgelagerten Abteilungen wie das Layout uns das geben, was wir zum Animieren der Aufnahmen benötigen. “

27. Was genau erhält die Animationsabteilung von der Layoutabteilung? Krause ging dieses Thema an. 'Bis wir es bekommen, ist die Geschichte mit ihrer Arbeit fertig, das Layout hat die Storyboards genommen und sie in Sets übersetzt und die Charaktere dort hineingelegt und Aufnahmen gemacht.' Er fuhr fort: 'Und dann werden wir Aufnahmen und Sequenzen bekommen und sie an Animatoren weitergeben.'

28. Alles über Tageszeitungen. Sobald die Animatoren ihre Aufnahmen gemacht haben, fließt Material ein. Dieses Material wird als Tageszeitungen bezeichnet. Krause erklärte: 'Es ist ein tägliches Treffen und es wird um 9 Uhr morgens stattfinden. Die Teilnehmer werden sich über das System anmelden, um sich anzumelden. Es können fünf sein, es können 20 Personen sein.' Man weiß nie, wer sich anmeldet, um dem Regisseur seine Arbeit zu zeigen, und ähnlich wie bei einem Live-Actionfilm leitet er die Aufführung. Wir werden zusammenkommen und es ist wirklich schön für uns, denn im Gegensatz zu den meisten Studios kommen wir hierher und die Meinung eines jeden wird geschätzt. Wir werden uns um Ideen kümmern und uns die Aufnahmen ansehen und uns alle bewusst sein, was die Leute sind Sie zeigen gerade.'

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29. So macht sich Pete Docter während dieser Besprechungen Notizen. Ein kleiner Vorführraum ist voller Menschen. Jemand sagt: „Als nächstes kommt Denovan. Er hat seinen IP-Pass für Freude und Traurigkeit auf 53F und 53C. “ Nach dem Anschauen des Materials bietet Docter einige Notizen an. „Könntest du es früher bewegen, damit ihre Hand etwas früher da ist? Ich spreche wie vier, sechs Bilder und dann ganz langsam am Ende, damit wir ein bisschen mehr Zeit haben, die Farbe zu lesen Ändern Sie sich, weil ich sie anschaue und der Punkt hoffentlich sein würde, dass wir sehen, 'Oh oh, der Ballon', und ich habe das Gefühl, dass wir das nur ein bisschen ändern. Aber ich habe nichts bei der nächsten Aufnahme. Gibt es einen Grund, warum wir dies nicht abschließen können? '

30. Die Phasen, die eine Aufnahme in der Animationsabteilung durchläuft:

  • Laut Roe ist das Material, das aus dem Layout kommt, „sehr grob, es passiert nicht viel, die Ausdrücke sind weit vom Modell entfernt, aber der springende Punkt ist, dem Animator Informationen über Inszenierungen, Requisiten und Sets und den Ort der Kamera zu geben ist und Timing. '
  • Sie fuhr fort: „Ab diesem Zeitpunkt erhält der Animator in der Regel eine Einweisung vom Regisseur, und er wird anhand der Einstellung und der wichtigen Beats, an die er sich erinnern muss, und dann des Animators erklären, wonach er in Bezug auf die Geschichte sucht neigt dazu, auch ihre eigenen Referenzen zu sammeln, ihre eigenen Nachforschungen anzustellen, manche Leute spielen sie vor einer Kamera aus, manche machen Zeichnungen, um Ideen zu bekommen. “
  • Nachdem Sie all diese Gedanken, Vorschläge und Ideen gesammelt haben, ist es Zeit, einen ersten Durchgang zu machen. Sie erklärte: „Normalerweise ist dieser erste Durchgang sehr rau. Du willst nicht zu viel Zeit mit den Ideen verbringen, weil du noch nicht weißt, ob sie in die richtige Richtung gehen. '

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  • Hier könnte Tony Fucile einspringen. Er bemerkte: „Manchmal mache ich so früh vielleicht keine Draw-Over, aber in diesem speziellen Fall gab es eine gute Grundlage und die Idee, die Posen zu übertreiben, war etwas, mit dem ich herumspielen würde . ” Er zieht eine Aufnahme von Joy hoch und zeichnet im Wesentlichen die Animation nach, wobei er Markierungen macht, die ihre Hand mehr herausholen, und solche, die ihre Brust höher drücken. Navone bemerkte: 'Es ist nur eine Referenz. [Tony] beeinflusst die CG-Modelle nicht wirklich, daher ist es Sache des Animators, zu versuchen, das Modell dazu zu bringen, das zu tun, was Tonys Zeichnungen tun. '
  • Roe sprang wieder ein. „Der Animator nahm dann all diese Informationen, Rückmeldungen und Tonys Skizzen, die sie an ihren Schreibtischen einsehen können, und versuchte, so nah wie möglich an ein Modell heranzukommen und eine weitere Iteration durchzuführen, wenn sie sich fühlten bereit, würden sie es dann wieder in Tageszeitungen zeigen, die zweite Version, die wir Second Pass Blocking nennen. “
  • Sie bemerkte, dass es noch viel mehr Iterationen gibt, erklärte aber aus Zeitgründen, wie die endgültige Version der Arbeit eines Animators aussieht. Wenn ein Schuss die Abteilung verlässt, 'sind die Haare noch nicht animiert, und die Kleiderbewegung ist noch nicht vorhanden.' Das ist alles, was die Simulationsabteilung nach uns tun muss. ' Obwohl wichtige Elemente noch fehlten, war die endgültige Aufnahme wesentlich detaillierter und verfeinert als die ursprüngliche Version.

31. Wie lange braucht ein Animator normalerweise, um eine Aufnahme zu genehmigen? Navone erklärte: 'Diese Aufnahme dauert ungefähr fünf Sekunden. Der Animator hat wahrscheinlich drei Wochen dafür gebraucht. Vielleicht ein bisschen länger als gewöhnlich, weil dies eine ziemlich frühe Sequenz in der Produktion war, also haben wir immer noch herausgefunden, wie sich Joy bewegt, damit mehr Zeit für Erkundungen bleibt. Im Durchschnitt produziert ein Animator ungefähr drei Sekunden pro Woche endgültige Animation. Das ist unser historischer Durchschnitt. Das hängt natürlich davon ab, wie komplex die Aufnahme ist. “

Beleuchtung mit Charakterbeleuchtung Lead Angelique Reisch

32. Was Reisch tun muss, bevor sie überhaupt anfangen kann, die Charaktere anzuzünden. Sie erklärte: „Ich habe sehr eng mit der Kunstabteilung, der Charakterabteilung und dem Kameramann zusammengearbeitet, um das Aussehen der Charaktere und das Aussehen ihrer Shader zu bestimmen und wie das funktionieren würde. Ich habe auch mit der Charakterabteilung zusammengearbeitet, um die Charaktere zu testen, nur um sicherzustellen, dass sie technisch bereit sind, in die Beleuchtungsabteilung zu kommen und beleuchtet zu werden. Und dann diente ich auch als Charakterunterstützung für unser Beleuchtungsteam. Wir hatten ungefähr 35 Leute. Wenn also jemand Hilfe beim Beleuchten eines Charakters oder technische Unterstützung brauchte, war ich im Grunde die Person, zu der sie kommen würden. “

33. Was macht ein Feuerzeug? „Unsere Jobs als Feuerzeuge in einem Animationsfilm ähneln tatsächlich der Rolle eines Kameramanns in einem Live-Action-Film, aber mit einem entscheidenden Unterschied: Wir müssen dankenswerterweise nicht jeden Tag all diese schweren Lichter bewegen! Unsere Lichter sind alle im Computer vorhanden, aber was wir an Muskelkraft sparen, setzen wir definitiv in die Gehirnleistung ein, weil wir jedes einzelne Licht, jeden einzelnen Schatten, jede einzelne Komponente komplett von Grund auf neu erstellen müssen. '

34. Wie Feuerzeuge ihre Aufgaben angehen.

  • 'Wenn wir eine neue Aufnahme bekommen, beginnen wir normalerweise mit einem Pastell aus der Kunstabteilung.' Pastelle sind die kostengünstigste Möglichkeit für die Kunstabteilung, ihre Ideen zu vermitteln. „Sie können sehr schnell viele Ideen einbringen und sie können viele Ideen vor den Regisseur bringen, die sie entworfen haben, während es in unserer Abteilung viel teurer wird, solche Ideen zu machen Änderungen.' Sie fügte hinzu: 'Der typische Prozess ist, dass die Kunstabteilung von Pete Docter die Genehmigung für ein Pastell erhält. Sobald ein Pastell genehmigt wurde, wird es in unsere Abteilung gelangen.'

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  • „Der nächste Schritt ist, dass unser Kameramann mit uns einen Auftakt macht, bei dem sie über den Hauptpunkt dieser Aufnahme sprechen, darüber, warum bestimmte Beleuchtungsentscheidungen getroffen wurden, und dann über einige davon die technischere Richtung, in die sie sicherstellen möchten, dass unsere Beleuchtung ins Schwarze trifft. “
  • „Jetzt haben wir eine Menge Notizen, um zu unserem Schreibtisch zurückzukehren und uns zu setzen und einen ersten Durchgang zu machen. Wenn wir uns bereit fühlen, werden wir diesen Ausweis in dem, was wir haben, dem Kameramann bringen Rufen Sie exemplarische Vorgehensweisen an, und wir führen exemplarische Vorgehensweisen durch, wenn nicht jeden Tag, dann zumindest jeden zweiten Tag. An diesem Punkt wird der Kameramann einen Blick auf die Arbeit werfen, die wir geleistet haben, und wenn wir nicht ganz in die richtige Richtung gehen, werden sie zusätzliche Notizen machen und uns irgendwie helfen, das Ziel zu erreichen, aber wenn wir es tun gehen in die richtige Richtung, dann machen sie sich noch Notizen, aber sie werden detaillierter. “
  • 'Wir gehen zurück zu unseren Schreibtischen und nehmen einen zweiten Durchgang und kehren zum Kameramann zurück, um weitere Notizen zu erhalten, und zurück zu unseren Schreibtischen.'
  • „Wenn der Kameramann glücklich ist und das Gefühl hat, dass die Aufnahme wirklich die gewünschte Stimmung vermittelt, wird die Aufnahme genehmigt und alle sind glücklich. Und dann werden uns mehr Schüsse zugewiesen und es beginnt von vorne. Ein durchschnittliches Feuerzeug wird ungefähr zweieinhalb Schüsse pro Woche genehmigen. “

35. Die Prinzipien der Beleuchtung: 'Die Prinzipien lenken das Auge des Betrachters, schaffen Tiefe, verbessern Stimmung, Atmosphäre und Drama, vermitteln die Tageszeit und enthüllen die Persönlichkeit und Situation des Charakters.'

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36. Unterscheiden der realen Welt und der Gedankenwelt beim Beleuchten. „Eines der Dinge, die wir schon früh getan haben, ist, dass die Kunstabteilung und der Kameramann zusammengearbeitet haben und sie entschieden haben, dass die Sättigung die Art und Weise sein wird, wie wir zwischen diesen beiden Welten unterscheiden werden. Die menschliche Welt im Allgemeinen wird also weniger gesättigt sein und die Gedankenwelt wird immer heller, fröhlicher und gesättigter sein. “ Sie fügte hinzu: 'Es ist nicht nur nur gesättigt und entsättigt, sondern während des gesamten Films werden sich diese Sättigungsstufen tatsächlich ändern, abhängig von Rileys Geisteszustand.'

37. Es ist nicht einfach, einen Charakter zu beleuchten, der eine Lichtquelle ist. „Wir mussten uns im Grunde fragen:‚ Wie werden wir eine Glühbirne anzünden? '“Sie fuhr fort:„ Wenn wir Charaktere beleuchten, verlassen wir uns normalerweise sehr stark auf den Wert, der nur die Helligkeit oder Dunkelheit für die Formgebung sein wird eines Charakters. Genau wie bei der Schwarzweißfotografie möchten Sie einen guten Tonwertumfang in einem Bild. Wirklich großartige Schwarzweißfotografie hat gute Lichter, einen guten Mittelweg und gute Dunkelheiten. Wir werden unsere Bilder also völlig unabhängig von der Farbe betrachten, um sicherzustellen, dass wir diese Tonwerte erreichen, wenn wir über die Formgebung nachdenken. Bei Joy wurde uns jedoch sehr früh klar, dass wir ein wirklich großes Problem hatten. Sie ist so intelligent, dass Sie nicht die dramatische Wertänderung in ihrem Gesicht haben, um sie zu formen, also mussten wir uns eine andere Art einfallen lassen, sie zu formen. ' Reisch fügte hinzu: 'Wir gehen hier durch ein mittleres Gelb über ihre Nase bis zu einigen wirklich gesättigten Rosa, also werden wir im Grunde genommen Farbe für diesen Film verwenden, anstatt Wert, um sie zu formen.'

38. Joys Lichtanlage kaputt machen.

  • 'Zuallererst hat sie nur ein Glimmlicht, das nur eine Art neutrales Licht ist, eine emittierende Farbe, nur eine Art flach, um ihr ihre Grundbeleuchtung zu verleihen.'
  • 'Auf ihrer Schlüsselseite hat sie ein sehr cooles und entsättigtes Kicklicht. '

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  • 'Wenn sie sich über ihr Gesicht bewegt, ist ihr Schlüssellicht tatsächlich auch cool und entsättigt, was verrückt sein kann, wenn man darüber nachdenkt, ein blaues Licht für ein gelbes Zeichen zu verwenden, und normalerweise würde jeder sagen:' Tu das nicht ', aber wir haben es getan! Und in diesem Fall hat es wirklich gut geklappt. '
  • 'Durch die Mitte ihres Nasenbereichs bekommen wir diese mittleren Gelbtöne und das liegt an ihrem Softkey-Licht und es ist nur ein neutrales Licht.'
  • 'Auf ihrer Außenseite haben wir einen wirklich starken, wirklich warmen, gesättigten Kick, um diesen Farbwechsel zu verstärken.'

39. Nun, da sie herausgefunden haben, wie sie Joy selbst anzünden können, wie wird sie die Sets und Charaktere um sie herum anzünden? 'Sie ist unsere Hauptfigur, keine einmalige Figur, also würde sie in so vielen Einstellungen sein, dass das Licht beherrschbar sein musste, damit die Beleuchtungsabteilung es einrichten und in all diesen Aufnahmen verwenden konnte. Zum Glück haben wir es während der Entwicklung des Films herausgefunden und waren unglaublich aufgeregt herauszufinden, dass RenderMan an einem so genannten geometrischen Flächenlicht oder Geometrielicht arbeitete. Mit diesem Licht können Sie ein Modell auswählen und dieses Modell dann in eine Lichtquelle verwandeln. Das war Musik für unsere Ohren! Aber wir fanden heraus, dass es nicht rechtzeitig für unsere Produktion fertig sein würde und ich dachte nur: 'Was?! Dies ist der perfekte Charakter für dieses Licht! “Um Dezember 2013 herum sagte ich allen:„ Alles, was ich zu Weihnachten möchte, ist, dass Joys Geometrielicht funktioniert! “Zum Glück haben wir genug rote Fahnen gehisst und mit genug Leuten gesprochen, die RenderMan mit unserem Global zusammengebracht hat Techniker und unsere Techniker für Beleuchtung haben es rechtzeitig für uns zum Laufen gebracht. Wir haben es also mit sehr wenigen Tests im März 2014 in der Produktion eingesetzt, aber zum Glück hat es geklappt und wir haben es, soweit ich weiß, bei jeder Aufnahme im Film verwendet. “

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