Regisseurin Floria Sigismondi enthüllt die verborgene Bedeutung von „The Turning“

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Der Regisseur diskutiert auch die Adaption der Novelle von Henry James an die 90er Jahre.

Heinrich James “ wegweisende Novelle, Die Drehung der Schraube , wurde seit seiner Erstveröffentlichung im Jahr 1898 unzählige Male adaptiert. Die Mehrdeutigkeit der Novelle bietet sich für vielfältige Interpretationen an – sei es für die Bühne, das Fernsehen oder den Film (vielleicht am bemerkenswertesten in den 1961er Jahren). Die Unschuldigen ). Es ist eine täuschend einfache Geschichte – eine Gouvernante, die den Auftrag hat, sich um zwei Waisenkinder zu kümmern, entdeckt, dass sie möglicherweise von bösartigen Geistern heimgesucht werden … Doch innerhalb dieser scheinbar gewöhnlichen Geistergeschichte haben James und nachfolgende Adaptoren das Stück mit Kommentaren versehen über sexuelle Unterdrückung, männliche Toxizität und die begrenzte Rolle der Frau im 19. Jahrhundert.

All das ist zu sagen – Die Drehung der Schraube fühlt sich jetzt besonders zeitgemäß an, besonders mit dem Aufstieg von #MeToo und der Toxizität der Incel-Bewegung. Floria Sigismondi 's neueste Adaption, Das Wenden , nutzt diese Unterströmungen vollständig und zeigt, wie ein giftiges Patriarchat dazu führen kann, dass eine Frau den Verstand verliert.

Im folgenden Interview mit der Filmemacherin Floria Sigismondi spricht sie über die Adaption der Novelle von Henry James, die Vertonung ihrer Adaption in den 1990er Jahren und die Bedeutung hinter der Mehrdeutigkeit des Films. Das vollständige Interview finden Sie weiter unten.

Hinweis: Es folgen milde Spoiler (insbesondere für diejenigen, die mit der Novelle nicht vertraut sind).

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Collider: Um anzufangen – war das Drehbuch für Das Wenden spielt immer in den 90ern?

Bild über Universal Pictures

FLORIA SIGISMONDI: Nein – das wollte ich machen. Ich wollte [die Geschichte] modernisieren, aber die Technologie wegnehmen. Die 90er fühlten sich wie die perfekte Ära an – wenn man sich die Musik ansieht, die Mode, alles ist dekonstruiert und rebellisch. Es ist eine sehr ängstliche Zeit, also könnte ich das mit Finn [Wolfhards] Charakter von Miles in Verbindung bringen …

Gab es etwas Persönliches über die 90er, das Sie angesprochen hat?

SIGISMONDI: Ich liebe die 90er. Ich habe in den 90ern eine Menge Sachen gemacht – es war also eine sehr instrumentale Zeit für mich. Ich lernte mich selbst als Künstler kennen und lernte, an dunklere Bilder zu glauben. Was mich fasziniert, sind die dunklen Bereiche von uns selbst, die wir nicht kennen und die wir nicht verstehen. Ich liebe es, von diesem Ort aus zu erschaffen, weil er so mysteriös ist. Ein entscheidender Moment war für mich mit Marilyn Manson. Hier war ich mit einer kleinen Skizze in meinem Buch, die zeigt, dass er so groß und ohne Haare sein wird. Dann passierte es plötzlich … Da war dieses Gefühl, dass ich wusste, dass ich zur richtigen Zeit am richtigen Ort war. Diese Idee hat mich gelehrt, mir selbst wirklich zu vertrauen, keine keimenden Ideen zu töten, egal wie seltsam sie sind, weil sie gerade erst Gestalt annehmen …

Was für seltsame Setzlinge hattest du denn Das Wenden ?

Sehen Sie das als die Perspektive des Films – dass hinter der Fassade der Schönheit Dunkelheit und Verfall liegen?

SIGISMONDI: Es ist lustig, dass du das sagst – weil ich immer versuche, zu zwei völlig gegensätzlichen Dingen zu gehen und sie aufeinanderprallen zu lassen. So für Das Wenden ], es war Schönheit und Verfall. Das ist mein Weg hinein. Und so ist das Leben – unter der Oberfläche gibt es etwas Dunkleres.

Für wie aktuell halten Sie den Film?

SIGISMONDI: Dies ist eine großartige Zeit, um kompliziertere Geschichten zu erzählen. Wir sind über die Vorstellung hinausgegangen, dass Frauen Helden sein müssen. Sie können so kompliziert sein wie das, was Phoebe [Waller-Bridge] damit macht Flohsack . [Also] wenn Sie sich Finns Charakter ansehen – er repräsentiert giftige Männlichkeit; die Idee des Missbrauchs wird über Generationen weitergegeben und die Idee der Veränderung – wie Kinder erzogen werden und wie ihnen beigebracht wird, Frauen zu behandeln, muss in einem sehr jungen Alter geschehen. Und Kate zeigt, wie der Versuch, durch diese giftige Welt zu navigieren, ausreicht, um jeden verrückt zu machen.

Es gibt eine großartige Aufnahme mit Mackenzie in der Pupille ihres eigenen Auges – wie sind Sie auf diese Aufnahme gekommen?

SIGISMONDI: Ich liebe Augen. Es gibt eine Menge Augen in meiner Arbeit, wenn Sie zurückgehen – von Christina Aguilera bis David Bowie. Augen sind das Fenster zur Seele, und besonders deshalb, wegen der psychologischen Natur der Geschichte, visuell – man kann jemanden tatsächlich zeigen und sich in sein Auge, in seinen Verstand bewegen. Visuell schafft es für das Publikum eine andere Welt, eine Welt, in der man nicht weiß, wie sich die Dinge verhalten und was die tatsächlichen Regeln sind. Es bringt dich aus deiner Komfortzone.

Wie bewusst war es Ihnen, Kates mentalen Zustand während des gesamten Films visuell widerzuspiegeln?

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SIGISMONDI: Das war etwas, das geplant war. Ich war in der Lage, einen Bogen mit den Visuals zu kartieren. Also [am Anfang] haben Sie diese großen Weitwinkelaufnahmen und [Kates] in diesen leuchtenden Volltonfarben, wenn sie auf das Anwesen kommt. Sie ist klein, und das Anwesen ist groß – man spürt also, wie klein sie sich an diesem Ort fühlt. Aber je weiter der Film voranschreitet, desto klaustrophobischer wird es. All dieses Zeug beginnt, auf [Kate] einzudringen, und Sie sehen eine viel klaustrophobischere Kamera. Es beginnt handgehalten zu werden, wenn sich die Spannung aufbaut. Als [Kate] anfängt, den Verstand zu verlieren, bist du völlig verrückt. Die Kamera beginnt unberechenbarer zu werden. Weitwinkelobjektive aus nächster Nähe. Und jetzt sieht [Kate] anders aus. Obwohl es erst sechs Tage her sind, hat sie diese Wurzeln, die hereinkommen – es ist ihre innere Welt, die heraussickert, ihre Schönheit wird zu etwas viel Roherem.

Wie war der Prozess, das richtige Haus für den Film zu finden?

SIGISMONDI: Wir haben viele Orte gesehen, aber sie hatten nicht alles, was wir brauchten. Als wir jedoch zu diesem Ort gingen, wusste ich es einfach. Es hatte einen Kinderflügel, ein Labyrinth, einen Teich... Es war wirklich wichtig für die Atmosphäre, für die Schauspieler und für den Film, dass alles an einem Ort gedreht wurde und nicht in einem dieser Filme, in denen Charaktere hinausschauen ein Fenster auf grünem Bildschirm.

Wie haben Sie sich für die Ästhetik des Hauses entschieden?

SIGISMONDI: Ich habe sehr eng mit [Produktionsdesigner] Paki Smith zusammengearbeitet. Wir haben uns entschieden - lasst uns [das Haus] mit Dingen aus verschiedenen Epochen bevölkern. In den 60er Jahren hat [die Familie] vielleicht einige Umbauten vorgenommen, also haben wir uns für einige italienische Möbel aus den 60er Jahren entschieden; dann in den 70er Jahren – vielleicht sind sie an einen exotischen Ort gegangen und haben einen großen Buddha-Drachen mitgebracht, der vor dem Haus steht … Da ist diese Mischung, also hat man das Gefühl, die Geschichte der Familie und diese Idee von zu verstehen überlieferte Objekte, um das Aussehen des Ortes zu schaffen, anstatt dass es sich wie ein Museum anfühlt.

Ein Großteil des Films ist ziemlich zweideutig, was wirklich vor sich geht – wie führen Sie die Schauspieler in diesen offen interpretierbaren Szenen?

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SIGISMONDI: Ich hatte das Glück, mit Mackenzie zu arbeiten, weil sie verfolgen kann, wo sie ist, obwohl [Kate] in eine tiefere Welt hinabsteigt. [Mackenzie] hat eine großartige Art, ihre Denkweise darzustellen. Selbst als wir außer Betrieb schossen, wusste sie, wo [Kate] war. Aber ja, es ist ein sehr mehrdeutiger [Film] – es kommt darauf an, die Essenz der Szene zu finden, das Gefühl … Ich wollte, dass die Leute den Film anders erleben als einen anderen Film. Wo Sie es mehr auf einer internen [Ebene] erleben. „Was habe ich gerade erlebt?“ statt „Oh, du kannst die Geschichte in einem Satz zusammenfassen.“

Haben Sie das Gefühl, dass es eine endgültige Antwort auf das gibt, was im Film passiert, oder haben Sie versucht, davon wegzukommen?

SIGISMONDI: Ich wollte das Publikum nicht mit dem Löffel füttern. Ich hatte gehofft, dass die Leute verschiedene Dinge aus dem Film mitnehmen können. Dialog zu erzeugen, das reizt mich. Wenn ich in einen Film gehe und etwas zu sagen oder eine Frage zu haben habe oder etwas Neues in mir erschließt … Das ist es, was mich am Kino begeistert, anstatt am Ende mit einer netten kleinen Schleife gefüttert zu werden.

Haben Sie selbst eine klare Vorstellung davon, was der Film bedeutet – insbesondere das Ende?

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das Beste, es ist immer sonnig in Philadelphia-Episoden

SIGISMONDI: Ja, das tue ich; es ist die thematische Idee, mit diesem Trauma eingesperrt zu sein, mit der Sie sich auseinandersetzen … Aber ich möchte nicht zu viel darüber sagen. Das Ende [von Das Wenden ] ist anders als das Buch – weil ich wollte, dass [der Film] anders und überraschend ist. Ich wollte Kate erlösen und eine emotionalere Geschichte erzählen.

War diese Entscheidung, das Ende des Buches zu ändern, immer vorhanden?

SIGISMONDI: Ja.

Was hat zu dieser Entscheidung geführt?

SIGISMONDI: Für mich – es hat Kate nicht zu einem Monster gemacht. Als das Buch vor hundert Jahren geschrieben wurde, wurden Frauen „verrückt“, und sie waren „gefährlich“, und sie wurden eingesperrt. Ich wollte [Kate] nicht zu einem Monster machen. Ich habe viele Gefühle für sie. Ich wollte sanft zu ihr sein.

Wie viel des Films hat sich in der Postproduktion verändert? Gibt es gelöschte Szenen?

SIGISMONDI: Es gibt einige gelöschte Szenen, die Sie irgendwann in den Extras sehen werden. Es ist immer ein Prozess, herauszufinden, was das Beste für den Film ist. Es gibt eine andere Version eines Endes, das Sie sehen werden ... aber es diente immer der Rationalisierung und Verdichtung.

Das Wenden kommt jetzt in die Kinos.