Regisseurinnen nutzten ihre persönliche Erfahrung, um 3 der besten Filme des Jahres 2022 zu drehen
- Kategorie: Filmfunktionen
Eine Untersuchung darüber, wie drei der persönlichsten Werke des Jahres von aufstrebenden Filmemacherinnen stammen.
2022 hat sich als fruchtbares Jahr für Filmemacher erwiesen, um ihre persönliche Geschichte in ihren Filmen zu erforschen. Von Steven Spielberg 's Die Fabelmans zu Alexander Inarritus Bardo, Falsche Chronik einer Handvoll Wahrheiten , haben sich viele hochkarätige Regisseure entschieden, an Projekten zu arbeiten, die es ihnen ermöglichen, ihre Erinnerungen und Identität auf der Leinwand zu untersuchen. Abgesehen von namhaften Superstar-Autoren wurden einige der am meisten gefeierten Filme des Jahres von aufstrebenden Filmemacherinnen geschaffen, die sich auch entschieden haben, mit ihren neuesten Unternehmungen ihr Selbstbewusstsein und ihre Erinnerungen an die Vergangenheit zu untersuchen. Diese Leistung, zutiefst persönliche Filme zu machen, ist äußerst beeindruckend, wenn man die kreativen und finanziellen Zwänge bedenkt, denen Filmemacher oft ausgesetzt sind, um sich auf der Weltbühne einen Namen zu machen. Die subtile Kühnheit dieser intimen Filme liefert faszinierende Schichten von Können und Zurückhaltung, die sie deutlich von allen anderen Arbeiten des vergangenen Jahres abheben. Schauen wir uns die neuesten Filme von an Charlotte Wells , Alice Diop , und Johanna Hogg um zu analysieren, wie diese Filmemacherinnen ihre Erinnerungen und Identitäten erforscht haben, um einige der besten Filme des Jahres 2022 zu liefern.
Nach Sonne
Die schottische Filmemacherin Charlotte Wells hat seit ihrem Spielfilmdebüt überall das Publikum begeistert Nach Sonne wurde Anfang dieses Jahres in Cannes in der Sektion Internationale Kritikerwoche des Festivals uraufgeführt. Nach Sonne existiert als Vision der Erinnerungen für seine Hauptfigur Sophie, gespielt von der beeindruckenden Newcomerin Frankie Leder . In der Gegenwart erwacht die erwachsene Sophie nachts aus einem bewegenden Traum über ihren Vater Callum ( Paul Meskal ), den sie von der anderen Seite des Raums auf einem Rave tanzen sieht. Dieser Traum versetzt Sophie in Erinnerungen an ihren Vater, insbesondere an einen gemeinsamen Urlaub in den 90er Jahren in einem türkischen Resort, als Sophie 11 Jahre alt war. Rückblickend blickt die erwachsene Sophie auf diesen Urlaub mit ihrem Vater als einen bedeutenden Wendepunkt in ihrem Leben zurück – ein deutlicher Moment, der das Ende der Unschuld markiert, als sich die Teenagerzeit nähert, sowie die Erkenntnis, dass ihr Vater seinen eigenen inneren Kämpfen draußen gegenübersteht ihr gemeinsames Leben.
Während Wells' Drehbuch für Nach Sonne ist keine direkte Wiedergabe ihrer Kindheitserfahrung, die Filmemacherin erforscht die strukturellen Eindrücke ihrer Erinnerung durch die Bilder, Stimmungen und Darbietungen des Films. Kameramann Gregor Oke fängt den Film großartig mit wunderschönen Bildern ein und lauscht den sonnenverblichenen Erinnerungen an Sophies Urlaub mit ihrem Vater mit einem meisterhaften Verständnis von Farben und Stil, die zum historischen Setting des Films passen. Außerdem innen Aftersun's In der Ära der 90er achtet Wells genau auf Produktionsdetails, spricht weiter über Sophies Erinnerungen und platziert sie fest in ihrem Gedächtnis. Wohl mit der größten Bedeutung spricht Wells Entscheidung, den Film zu fiktionalisieren, anstatt ihn auf ihre Kindheitserfahrungen zu stützen, am ehrlichsten darüber, wie Kindheitserinnerungen funktionieren – ein nuancierter Sinn, der zwischen Wahrheit und Erfindung verschwommen ist, wie Verständnisse durch die persönliche Vorstellung von der eigenen Vergangenheit geschaffen werden .
Die persönliche Identität spielt eine große Rolle beim Verständnis von Sophie und Callum Nach Sonne . Mit 11 Jahren ist dies wahrscheinlich Sophies erster Urlaub, in dem sie den Wunsch nach Trennung von ihrem Vater spürt, wo sie ihre eigenen Erfahrungen machen kann. Dies zeigt sich in ihrem Wunsch, mit älteren Teenagern im Resort abzuhängen, besonders wenn Callum sie dazu drängt, sich mit unreiferen Kindern anzufreunden. Die unangenehme Spanne zwischen Kindheit und Jugend wird in Sophies einzelnen Szenen oft konfrontiert Nach Sonne . Sophies Selbstbewusstsein in Bezug auf ihren Vater zeigt sich auch in Callums stillen Leidensmomenten, die er sich nur schwer von ihr fernhalten kann. Diese Augenblicke der Angst führen zu Sophies größerem Verständnis ihres Vaters als seiner eigenen Person, die seinen eigenen Dämonen gegenübersteht – eindringlich visualisiert durch die Träume der erwachsenen Sophie, wie ihr Vater vor Wut und Verzweiflung im Club tanzt.
Saint Omer
Alice Diop ist in Frankreich für ihre bemerkenswerten Dokumentarfilme bekannt. Trotzdem ihr Spielfilmdebüt Saint Omer hat ihre Karriere in eine neue und aufregende Richtung gelenkt, da der Film seit seiner Premiere bei den Filmfestspielen von Venedig Kritiker auf der ganzen Welt begeistert hat. Saint Omer entpuppt sich als ein Drama im Gerichtssaal, das seinesgleichen sucht, inspiriert von einem kürzlichen Rechtsfall in Frankreich, in dem eine senegalesische Einwanderin wegen Kindesmordes verurteilt wurde und ihre kleine Tochter an der Küste zurückließ, um von den Wellen verschluckt zu werden. Komm Kagame Sterne ein Saint Omer als Rama, eine Stellvertreterin für Diop selbst (die den Prozess besessen verfolgte, während er sich abspielte). Die schwangere Rama, eine akademische Autorin, die an einem neuen Roman arbeitet, der den Mythos von Medea neu kontextualisiert, begibt sich in die Stadt Saint Omer, um dem Prozess gegen Laurence beizuwohnen, gespielt von Guslagie Malanda , die Frau, die beschuldigt wird, ihre Tochter getötet zu haben. Als Laurence vor Gericht Stellung nimmt, um die Vorfälle zu erklären, die sie zu ihrer Wahl geführt haben, beginnt Rama, sich in Laurence durch ihre gemeinsame Erfahrung als schwarze Frauen im modernen Frankreich zu sehen. Als Saint Omer sich entfaltet, wird Rama gezwungen, sich mit nuancierten Konzepten von Erinnerung und Identität auseinanderzusetzen, die ihre persönliche Geschichte in unsichtbaren Formen mit Laurence verbinden.
In Saint Omer , Erinnerung ist ein entscheidender Kanal für die weiblichen Protagonistinnen des Films, um ihre Wahrheiten zu erforschen. Die Figur Laurence wird ausschließlich durch ihre Aussage im Gerichtssaal untersucht, was ihr Raum gibt, die Erinnerungen zu teilen, die zum allerersten Mal in ihrem Verbrechen gipfelten. Als Kind im Senegal wurde Laurence von ihrer Familie dazu gedrängt, einen akademischen Weg einzuschlagen, der sie zu einem erfolgreichen Leben in Frankreich führen würde. Als sie jedoch dorthin zog, erinnerte sie sich daran, wie die französische Gesellschaft sie als Ausgestoßene behandelte, einschließlich des deutlich älteren weißen Mannes, der ihr Kind gezeugt hatte. Laurences Erinnerungen an die Isolation, die dem Prozess beiwohnen, wirken sich auf Rama aus, die sich in ähnlicher Weise von ihrer senegalesischen Abstammung getrennt hat, als sie sich in Frankreich ein Leben geschaffen hat. In spannender Verbindung zu Nach Sonne , Diop streut Nachbildungen von Heimvideos aus Ramas Kindheit ein und knüpft an die Beziehung der Regisseurin zu ihren Erinnerungen an.
Eng verbunden mit Diops Wurzeln als französischer Staatsbürger, der von senegalesischen Eltern geboren wurde, Saint Omer bietet einen faszinierenden Einblick in die Identität von Einwanderern und die Perspektive schwarzer Frauen, die im heutigen Europa leben. Die Charaktere von Rama und Laurence sind durch ihre gemeinsame kulturelle Identität als Individuen verbunden, die von der Gesellschaft gezwungen werden, sich zwischen zwei verschiedenen Facetten dessen zu fühlen, wer sie sind. Diese Manifestation ungerechter Behandlung wird besonders deutlich durch Laurence und die Tat, die sie begangen hat, angetrieben von den schädlichen Auswirkungen emotionaler Manipulation und Rassismus, die sie dazu gebracht haben, ein Verbrechen zu begehen, das selbst sie nicht vollständig verstehen kann. Außerdem Teile von Saint Omer Halten Sie Ramas sich entwickelnde Verbindung zu Laurences Mutter fest, die ebenfalls an der Verhandlung teilnimmt. Diese Verbindung erinnert Rama an ihre Beziehung zu ihrer eigenen stoischen und intuitiven Mutter, mit der sie im Anfangsabschnitt des Films einen Verlust der Harmonie verspürt. Während des Prozesses beginnt Rama, die kürzlich herausgefunden hat, dass sie schwanger ist, persönliche Sorgen über die Mutterschaft in Bezug auf Laurences eigene Erfahrungen damit zu haben, die im weiteren Verlauf des Falls nur noch zunehmen. Während ein verbundenes Identitätsgefühl ein massiver Faktor in Ramas ständig wachsendem Mitgefühl für Laurences Situation ist, öffnet sich ihre gemeinsame Erfahrung auch einem entrechteten Publikum, das möglicherweise ebenfalls in der Lage ist, sich zu identifizieren.
Die ewige Tochter
Joanna Hogg ist eine der aufregendsten und produktivsten Filmemacherinnen Englands der letzten Jahre, die ihr Leben mit ihren letzten Filmen gründlich untersucht, Das Andenken und Das Souvenir Teil II , und entschied sich, dieses Thema in ihrem neuesten Film fortzusetzen, Die ewige Tochter . Der Film findet Tilda Swinton spielt wieder eine doppelte Rolle als die beiden Hauptfiguren des Films – Julie, eine Filmemacherin mittleren Alters, und Rosalind, ihre betagte Mutter. In Die ewige Tochter In den Eröffnungsszenen von Rosalinds bevorstehendem Geburtstag begeben sich die Frauen auf einen Ausflug zu einem stattlichen alten Anwesen in Wales, das einst ihren Verwandten gehörte. Julies Charakter hofft, den Geburtstagsausflug ihrer Mutter perfekt zu machen, plant aber auch, heimlich an einem bevorstehenden Drehbuch zu arbeiten, das sich um die Lebensgeschichte ihrer Mutter dreht. Als sich die Frauen jedoch in ihrem Aufenthalt in dem mysteriösen Herrenhaus niederlassen, beginnen Erinnerungen aus der Vergangenheit sie auf eine Weise zu verfolgen, die sie sich nie hätten vorstellen können, und nehmen Elemente des Gothic-Horror-Genres auf erfinderische Weise auf, die Hoggs Stil noch nie zuvor erforscht hat. Durch Untersuchungen der persönlichen Geschichte und wie sie die Gegenwart beeinflusst, Die ewige Tochter Er taucht auf brillante Weise in Hoggs Erfahrungen mit Trauer ein, als die Filmemacherin den Tod ihrer Mutter verarbeitete.
Das Spuken der Erinnerung ist ein bedeutendes Thema in Die ewige Tochter , perfekt dargestellt in den Anspielungen des Films auf das Gothic-Horror-Genre und seine isolierte walisische Kulisse. Die Geschichte innerhalb der Mauern des gespenstischen Herrenhauses, in dem sie sich aufhalten, wirkt auf dramatische Weise wie ein „Spukhaus“, das das Publikum auffordert, darüber nachzudenken, wie viele Erinnerungen dieses geschichtsträchtige Haus enthalten muss. Die Figur von Rosalind verbrachte viele traumatische Momente ihres Lebens auf diesem Anwesen, seit ihre Vorfahren es einst besaßen, und während ihr Urlaub weitergeht, fluten die Erinnerungen zurück. Zu Recherchezwecken für ihr bevorstehendes Drehbuch versucht Julie, Rosalinds Überlegungen zu diesen Erinnerungen heimlich aufzuzeichnen, was wiederum Julie dazu bringt, die Integrität des Projekts in Frage zu stellen, da die emotionalen Erinnerungen ausschließlich ihrer Mutter gehören. Erinnerung spielt auch eine wesentliche Rolle in der brillanten Zusammenarbeit zwischen Hogg und Swinton. Die beiden Frauen haben an zahlreichen Filmen zusammen gearbeitet und sind seit der Grundschule lebenslange Freundinnen. Da sie die Familien der jeweils anderen kennen, konnten die beiden Frauen ihre eigenen Erinnerungen an die Beziehung der jeweils anderen zu ihren Müttern reflektieren, was im letzten Film spürbar wird. Ohne diese persönlichen Erinnerungen Die ewige Tochter wäre ein ganz anderer Film.
Wie bei vielen von Hoggs neueren Arbeiten, Die ewige Tochter arbeitet mit Methoden, die den Film eng mit einer Autofiktion verbinden. Die Regisseurin untersucht ihre eigene Identität durch die Auseinandersetzung des Films mit der zentralen Mutter-Tochter-Beziehung, besonders emotional, da Hogg den Film in den letzten Tagen ihrer Mutter drehte – sie starb, bevor Hogg mit der Postproduktion fertig war. Am charakteristischsten von der ersten Szene des Films sehen wir, wie Swinton beide Rollen von Mutter und Tochter spielt. Diese Wahl veranschaulicht eine direkte Spiegelung der beiden Frauen, die untrennbar miteinander verbunden sind durch die tiefe Verbindung, die ein Kind mit seinen Eltern in Formen verbindet, die über Fleisch und Blut hinausgehen. Die Manierismen, die Julie und Rosalind teilen, sprechen für ihren unausgesprochenen Einfluss aufeinander, vor allem, wie sie Julies Selbstbewusstsein in ihrem Erwachsenenleben geformt haben. Wie bei Julies Charakter hielt Hogg viele Elemente dieses Projekts vor ihrer Mutter geheim. Hogg setzte sich auf faszinierende Weise mit der Angst und Trauer auseinander, ihre Mutter zu verlieren, bevor es überhaupt passierte – eine Art, den Schrecken des Unbekannten nach dem Tod ihrer Mutter zu verarbeiten und wie sich dies auf ihr Selbstbewusstsein auswirken würde. Hoggs Fortsetzung der Erforschung ihrer Existenz mit ihrer Arbeit bleibt eine ihrer überzeugendsten Praktiken des Filmemachens.
Obwohl diese drei Filme sehr unterschiedlich sind und von Filmemacherinnen mit völlig unterschiedlichen Hintergründen stammen, teilen sie alle subjektive Elemente aus dem Leben und den Erfahrungen ihrer Regisseure. Durch das Gedächtnis und das Selbstgefühl können die Macher dieser Filme eine kreative Verwundbarkeit erschließen, die im modernen Filmemachen selten zu sehen ist. Als Ergebnis, Nach Sonne , Saint Omer , und Die ewige Tochter haben sich alle als sehr einflussreich bei Zuschauern auf der ganzen Welt erwiesen und ihren Weg in die Top-10-Listen der wichtigsten Kritiker und Publikationen zum Jahresende gefunden. Diese herausfordernden und intimen Filme werden sich in den kommenden Monaten einem breiteren Publikum von Filmliebhabern öffnen und bei den Zuschauern tiefe emotionale Eindrücke hinterlassen.