Machen Sie es sich bequem, hier sind 22 der unvergesslichsten Long Takes in der Filmgeschichte
- Kategorie: Lange Liste
Lange Einstellungen sind ein Grundnahrungsmittel der Filmsprache, das bei richtiger Anwendung sowohl blenden als auch bereichern kann. Sie sind virtuose Heldentaten des technischen Derring-Do, die von Technikern und Handwerkern montiert und gemeistert werden, die an der Spitze ihres jeweiligen Spiels arbeiten, um einen schönen, atemberaubenden Moment zu choreografieren. Es reicht jedoch nicht aus, technologisch erstaunlich zu sein. Die besten langen, ungebrochenen Einstellungen sind diejenigen, die uns tiefer in die Geschichte hineinziehen, etwas Neues über die Charaktere enthüllen oder Informationen mit einer Ökonomie des Dialogs oder unnötiger Exposition vermitteln. Die lange Einstellung, die Form und Funktion kombiniert, ist wirklich beeindruckend.
Die lange Einstellung (oder 'oner') hat im digitalen Zeitalter, als Oscar-nominierte Filme wie 1917 kann in einer einzigen, ungebrochenen Einstellung und TV-Dramen gedreht werden (wie in der ersten Staffel von Wahrer Detektiv ) schafften beeindruckend komplizierte Long Shots. Aber wenn es heutzutage mehr davon gibt, bedeutet das, dass diejenigen, die wirklich knallen, wirklich etwas bedeuten, immer weniger und weiter voneinander entfernt sind.
Im Folgenden finden Sie eine Sammlung von unglaublichen und unglaublich langen Einstellungen, die Sie immer wieder begeistern werden.
Jede Szene, wirklich • 'Seil' (1948)
Bild über Warner Bros.
Auf eine Folge von Dick Cavett Talkshow viele Jahre später, Alfred Hitchcock sagte, dass der Grund für die Dreharbeiten Seil - basierend auf dem Bühnenstück von Patrick Hamilton Das war inspiriert von dem berüchtigten Fall Leopold und Loeb - in einer Reihe von ungebrochenen Einstellungen war es, dass er „versuchte, etwas Bewegung in das zu bringen, was im Wesentlichen ein Theaterstück ist“. Mission erfüllt. John Dall und Farley Granger Spielen Sie zwei brillante junge Männer, die sich auf den Weg machen, um den perfekten Mord zu begehen, einen ehemaligen Klassenkameraden erwürgen und ihren Körper in eine große Truhe mitten in ihrer schicken Wohnung in Manhattan legen. Hitchcocks lange Einstellungen, die so lange dauerten, wie es das Filmmagazin zuließ (normalerweise etwa 10 Minuten), dienen dazu, die Spannung und Spannung zu verstärken und zu erhöhen, da die Jungen in ihrer Wohnung eine Dinnerparty abhalten und einer ihrer Gäste von ihnen gespielt wird James Stewart beginnt, ihre Missetaten aufzudecken. Die Schnitte zwischen den einzelnen Einstellungen sind gut versteckt und verwenden dieselben Techniken, die Filmemacher heute anwenden, wenn sie mehrere Einstellungen zu einer ungebrochenen Einstellung zusammenfügen. Als eine von Hitchcocks unterschätzten Errungenschaften scheint es sowohl ein technologischer Durchbruch für den Regisseur (es war auch seine erste Einstellung in Technicolor) als auch ein Storytelling zu sein. Bei einer Flotte von 80 Minuten ist es einer seiner flinksten, treibendsten Thriller.
Bombe im Kofferraum • „Touch of Evil“ (1958)
Bild über Universal
Die meisten „besten Long Shot Listen“ beginnen mit dieser Schönheit, der Eröffnungssequenz zu Orson Welles ' brillant Berührung des Bösen . Es mit einer Bombe im Kofferraum eines Autos und diesen ahnungslosen Leuten, die mit der Bombe im Auto davonfahren. Im Verlauf der Aufnahme werden wir unseren beiden Hauptfiguren vorgestellt - einem hispanischen Anwalt (gespielt von Charlton Heston , frag nicht) und seine schöne Frau ( Janet Leigh ), während sie in Richtung der Grenze zwischen den USA und Mexiko spazieren. Was an dieser Aufnahme so auffällig ist, ist nicht nur die Art und Weise, wie sie sich bewegt und sich nach oben streckt, um einen fast göttlichen Blick auf das staubige mexikanische Viertel zu werfen, mit Blick darauf, wie das Auto geografisch durch die Straßen fährt, während andere Male Es dröhnt, um Ausschnitte aus Hestons und Leighs Gespräch zu bekommen, darüber, dass er endlich nach Amerika kommt und was das bedeutet. Wir haben sogar die Möglichkeit, mit dem Paar an der Grenze zu verweilen, während sich das Auto im Verkehr verheddert. Die Sequenz ist nicht nur wunderschön choreografiert, sondern deckt auch so viel Geschichte ab, dass sie sich niemals herablassend oder banal anfühlt. Dieser Schuss ist ausgestopft mit Zeug . Und die Sprache der Aufnahme fügt Spannung hinzu und informiert darüber, was als nächstes passieren wird, fast wie eine tickende Uhr. Wenn die Uhr endlich endet, geht die Bombe hoch.
Hooper, Brody und der Bürgermeister • 'Jaws' (1975)
Bild über Universal Studios
In den vergangenen Jahren, Steven Spielberg wurde zu Recht für seine unsichtbaren Oners applaudiert; lange Aufnahmen, die die Arbeit mehrerer Einzelaufnahmen erledigen, aber in einer kontinuierlichen, ungebrochenen Einstellung. Es gibt großartige Beispiele wie dieses während seiner Karriere, von Marions Einführung in Jäger des verlorenen Schatzes zur Verfolgungsjagd Bereit Spieler Eins (und ja, wir haben später in der Liste ein vollständig animiertes Beispiel dafür) und es gibt viele großartige Langzeitaufnahmen Kiefer , sein kommerzieller Durchbruch und der Film, der ihn als Wunderkind etablierte, das in der Lage ist, großartige Kunst innerhalb des restriktiven Hollywood-Rahmens zu schaffen. Aber der größte Schuss und einer der am wenigsten auffälligen ist, wann Roy Scheider und Richard Dreyfuss konfrontiere den rutschigen Bürgermeister ( Murray Hamilton ) über den Hai, der immer noch da draußen ist. (Dies ist die Sequenz, die direkt der Szene folgt, in der Dreyfuss den riesigen Haifischzahn und den abgetrennten menschlichen Kopf findet.) Es ist ein Gespräch mit ihnen, in dem sie den Bürgermeister bitten, die Dinge abzuschalten, und die Choreografie der drei Schauspieler, wenn sie auf sie zukommen Ein Hügel, der sich kreuz und quer voreinander befindet und schließlich auf der Straße landet. Die Kamera zeigt eine Werbetafel für die Stadt, die mit Hai-Ikonen zerstört wurde, ist sowohl intim als auch blendend. Sicherlich kein sofortiger Moment, aber unglaublich beeindruckend, vor allem angesichts des Dialogs, an den sich alle drei Schauspieler erinnern mussten, und des Timings, das für die perfekte Enthüllung des Zeichens erforderlich ist. Einfach wunderbar.
Robert Redford telefoniert • 'Alle Männer des Präsidenten' (1976)
Bild über Warner Bros.
Alle Männer des Präsidenten , Alan Pakula Das Meisterwerk über die Untersuchung, die den Watergate-Einbruch für das enthüllte, was er wirklich war, erstaunlich fotografiert von Gordon Willis , der eine Reihe von tapferen Momenten inszenierte, wie die Einstellung, die sich von unseren mutigen Reporterhelden zurückzieht ( Robert Redford und Dustin Hoffman ), während sie in der Bibliothek recherchieren. Aber sein beeindruckendster Moment ist, wenn Redford telefoniert. Es ist täuschend kompliziert - Willis hat den Moment mit einem Split-Dioptrien-Objektiv aufgenommen, und im Hintergrund beobachten Redfords Mitarbeiter der Washington Post Nixons Amtseinführung. Währenddessen telefoniert Redford erneut, während der erste Anrufer zurückruft. (Irgendwann ist Redford verwirrt darüber, mit wem er tatsächlich spricht.) Die Sequenz dauert mehr als sechs Minuten (!) Und die ungebrochene Art des Schusses verstärkt die Spannung und Spannung erheblich, also wann eine echte Bombe wird enthüllt, es landet schwer . Dies ist eine dieser langen Einstellungen, die niemals auf solchen Listen erscheinen, weil sie so subtil und zurückhaltend sind und die Leute nicht wie durch ein Schloss oder so rennen. Aber es spricht für die Handwerkskunst und Klugheit von Pakula und Willis und die Unerschütterlichkeit von Redford, eine Szene so lange spielen zu können und so viel darin zu kommunizieren. Bis die Sequenz beendet ist, haben Sie keine Ahnung, dass Sie eine einzelne Aufnahme länger als sechs Minuten gesehen haben. Aber Sie würden sich bewusst sein, dass Sie sich am Rand Ihres Sitzes befinden.
Dreiradfahrt • „The Shining“ (1980)
Bild über Warner Bros.
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Wann Das Leuchten war in Produktion, es war in den Anfängen der Steadicam und einer der ersten Filme, nach Wegbereiter wie Auf dem Weg zum Ruhm (welche fast machte die Liste), Marathon Man, und Felsig , um es ausgiebig zu nutzen. Garrett Brown , der die Steadicam-Technologie erfunden hatte, war stark in den Film involviert und arbeitete eng mit dem Regisseur zusammen Stanley Kubrick , der Änderungen an den Videowiedergabefunktionen des Systems vorschlug und beim Entwurf eines Rigs half, um die Sequenz von Danny, der mit seinem Dreirad durch das heimgesuchte Overlook Hotel fährt, richtig zu erfassen. (Sie wollten in der Lage sein, das tatsächliche Geräusch der Räder auf dem Hartholz zu erfassen, und sie werden leise gegen den weichen Teppich.) Diese Sequenzen sind natürlich faszinierend, aber sie erfüllen auch eine Reihe von Funktionen, nämlich das Publikum einzulullen ein Gefühl der Selbstzufriedenheit (es ist nur ein kleines Kind auf einem Spielzeugfahrrad!), während sie gleichzeitig ihre Nerven und ihr Bewusstsein für die Stille des Hotels (und seiner gespenstischen Bewohner) schärfen. Es legt auch die Geografie des Hotels fest - wo sich der Ballsaal relativ zur Küche befindet und so weiter. Aber genau das hat so viel Bestürzung ausgelöst Leuchtenden obsessiv (und eröffnete zahlreiche verschwörerische Wurmlöcher) - in der Reihenfolge, in der Danny das Hotel durchquert, passen die Dinge nicht zusammen. Er wird zum Beispiel über den Boden springen oder eine Ecke in einen Teil des Hotels verwandeln, auf den er niemals hätte stoßen dürfen. Dies war wahrscheinlich auf die Konfiguration des Sets zurückzuführen, wurde jedoch nicht gestoppt Leuchtenden Spürhunde von der Erforschung seiner Geheimnisse. (Schau dir nur das Fabelhafte an Raum 237 Dokumentarfilm.) Mit Das Leuchten Nichts ist so, wie es scheint, selbst die erstaunlichste, hypnotischste Steadicam-Aufnahme.
'Lass uns deine Tochter holen' • 'Poltergeist' (1982)
Bild über MGM / UA Entertainment Co.
Dies ist eine Einstellung, über die selten gesprochen wird, die aber absolut erstaunlich ist (wenn man sie nur ansieht, spürt man, wie der Schweiß während der Dreharbeiten vom Fokuszieher fließt). Im Poltergeist Es gibt einen Moment, in dem das winzige Medium (Zelda Rubenstein) entscheidet, dass es endlich ein Kind zurückholen wird, das von geisterhaften Kräften entführt wurde. Die Aufnahme beginnt damit, dass eine ihrer Assistenten-Geisterjäger eine Nummer auf einen Tennisball schreibt und Rubenstein die Eltern des Mädchens anspricht ( Craig T. Nelson und JoBeth Williams ) und das wissenschaftliche Team (geleitet von Beatrice Straight ). Rubenstein geht fast in die Kamera, aber es gibt Aktivitäten im ganzen Land Tiefe von der Sequenz, mit Williams, der zu ihrem vermissten Kind ruft, und Nelson, der im Rücken schmollt. (Der Arzt sieht nur besorgt aus.) Die Kamera dröhnt, als Rubenstein mehr Informationen von der anderen Seite erhält und Nelson und Williams nach vorne kommen. Dies ist, wenn sie diesen berühmten Austausch darüber hat, welche Eltern das Kind mehr disziplinieren. Dann boomt es zu dem viel, viel größeren Nelson, zu dem er fast in die Kamera schaut und nach seiner verlorenen Tochter ruft. Rubenstein tritt dann mit dem Arzt in den hinteren Teil des Raumes zurück. Die Kamera drückt dann hinein und ermöglicht Williams, in das Kameraobjektiv einzusteigen und mit ihrer Tochter außerhalb des Bildschirms zu sprechen. Die Sequenz endet auf dem ganzen Weg zurück, wobei Rubenstein einen gruseligeren Dialog liefert und die Kamera zu einem Türknauf übergeht. (Es versteht sich von selbst, dass am Ende des Schusses Jerry Goldsmiths Punktzahl ist richtig ankurbeln .) Mögen Alle Männer des Präsidenten Die Sequenz ist subtil und zieht nicht viel Aufmerksamkeit auf sich. Sie baut die Intensität stetig und brillant auf, bis sie durch das Öffnen der Tür unterbrochen wird. Man könnte meinen, dass diese Einstellung den Behauptungen, die Spielberg als Geist inszeniert hat, Glauben schenken würde Poltergeist , obwohl Hooper ähnlich komplexe Momente in Filmen wie unternommen hat Das Funhouse und Lebenskraft . Dies fühlt sich vor allem wie eine echte Begegnung der Geister an.
Die Copacabana • „Goodfellas“ (1990)
Bild über Warner Bros.
Diese Goodfellas Die Aufnahme ist eine dieser Szenen, die in jeder Liste der großartigen ungebrochenen Aufnahmen enthalten ist, und das aus gutem Grund. Martin Scorsese ist ein Meister der langen Einstellungen und der Filmsprache im Allgemeinen und so cool und unvergesslich wie die folgende Aufnahme Ray Liotta und Lorraine Bracco Auf seinem Weg durch den Club enthält er auch so viel Geschichtenerzählen und Charakterwasser. Dies ist Liotta, der seine Frau seinem neuen Lebensstil als weiser Kerl aussetzt. Er kippt jeden Schläger auf dem Weg nach unten, durchquert mit Samt ausgekleidete Korridore und geht durch das Labyrinth der Küche (wenn Liotta auf einer Tischplatte hängen bleibt, ist es nicht nur eine charmante Gaffe, es zeigt auch, dass er vielleicht nicht ganz ist so fest in seiner Mob-Persönlichkeit verankert, wie er denkt, dass er es ist). Überall wird Liotta mit Respekt begrüßt; Bracco ist verwirrt darüber, wie er immer wieder 20-Dollar-Scheine verteilte und warum er jemandem seine Autoschlüssel gab, um „das Auto zu beobachten“. Es ist besonders aufschlussreich, dass, wenn Liotta sich setzt, Scorsese (und legendärer Kameramann) Michael Ballhaus ) peitschen Sie herum, um einen weiteren Tisch voller 'Made Men' zu sehen, der auf Liottas Erfolg anstößt.
Es ist auch eine wunderbare Gegenüberstellung zum Ende des Films, wenn Liottas Leben sich auflöst und er zunehmend paranoid und scheußlich wird und seine Denkweise durch schnellere Schnitte und manischere Kamerabewegungen gekennzeichnet ist. Aber damals, als er wirklich der Mann war, waren die Dinge glatt und samtig. (Es gibt auch ein gutes Gefühl für die Geographie des Restaurants selbst, etwas, das Quentin Tarantino würde für ähnliche Aufnahmen in ausleihen Pulp Fiction und Kill Bill, Vol. 1 und Paul Thomas Anderson würde sich schamlos für die Eröffnung von replizieren Boogie Nights .) Es gibt einen Grund, warum diese Aufnahme so bewundert und oft nachgeahmt wird.
Die Sache mit Filmen heute • „The Player“ (1991)
Bild über New Line Cinema
Eine weitere Einstellung, die in jeder Liste großartiger Eröffnungsaufnahmen enthalten ist, ist die Eröffnungsaufnahme von Robert Altman Die perfekte, säurehaltige Hollywood-Satire Der Spieler . In einer Serienaufnahme Altman und Kameramann Jean Lepine richtet den gesamten Film ein - nicht nur die Fülle an Charakteren (dies ist schließlich ein Robert Altman-Film) und ihre zwischenmenschlichen Beziehungen (einschließlich Tim Robbins 'Frazzled Movie Exec, unsere moralisch nebulöse Hauptfigur), aber auch, wer diese Charaktere sind und wie das Filmstudio selbst ist. (Die Kamera muss nicht so viel tun, wenn so viele Charaktere durch das Bild zickeln und zacken.) Aber vielleicht am entscheidendsten ist, dass sie den Ton des Films mit festlegt Fred Ward Sicherheitschef Fred Ward beklagt den 'Cut-Cut-Cut' -Stil der MTV-Generation und verweist tatsächlich direkt auf die Berührung des Bösen Eröffnungsschuss, der Der Spieler ist eindeutig auf Riffing. Die Aufnahme etabliert schnell und wirtschaftlich die Welt des Films, legt aber auch fest, welche Regeln im Film gebrochen werden können erzählen der Geschichte, die Der Spieler Die nächsten 120 Minuten werden mit seiner Kavallerie von Cameo-Performances, endlosen Popkultur-Referenzen und Metatextualität vollständig weiterverfolgt (es wird zu einem Krimi, das an alte Noirs erinnert). Altman war oft glücklich, die Kamera einzuschalten und die Schauspieler einfach gehen zu lassen, zu improvisieren und über einander zu reden; Es ist genauso berauschend zu sehen, wie er die Kamera beherrscht, wenn er etwas so Komplexes und Regimentiertes orchestriert, bei dem jeder Schauspieler eine Marke treffen, seinen Dialog sagen und aus dem Weg gehen muss.
Krankenhaus-Shootout • „Hart gekocht“ (1992)
Bild über Golden Princess Productions
Im Gegensatz zu einigen dieser anderen Szenen, in denen die einzelne Einstellung zweifellos die Komplexität der Szene erhöht, ist der erste Teil des Krankenhaus-Shootouts in John Woo Ist brillant, blutig Hart gekocht wurde tatsächlich gebaut, um den Arbeitsaufwand für Besetzung und Crew zu verringern. Anscheinend waren alle von der Produktion (die sich über mehr als 100 Tage erstreckte) so erschöpft, dass Woo die Sequenz so konstruierte, dass weniger Zeit für die Einrichtung benötigt wurde und somit weniger Stress für die Besetzung und die Crew entsteht. Die Sequenz wurde in einer stillgelegten Coca-Cola-Abfüllanlage fotografiert, deren Produktion gerade übernommen wurde. Wenn Sie noch nie gesehen haben Hart gekocht , das ist fair, da es heutzutage nicht sofort verfügbar ist, aber mit unseren Helden seinen Höhepunkt erreicht ( Chow Yun-Fett und Tony Leung ) in ein mit bösen Jungs befestigtes Krankenhaus eindringen. Es gibt ein paar Momente in der Sequenz, die wohl gewalttätiger und stilisierter sind als die John Wick Filme, in denen Woo langsamer oder schneller wird, was ein Ort für einen Schnitt sein könnte, aber nein, er macht weiter. Der Höhepunkt der Aufnahme ist eine Sequenz, in der Woo und Leung in einen Fahrstuhl steigen, der herunterfährt. Während dieser Zeit wurde das gesamte Set gegen ein neues ausgetauscht. Wenn sie also aus dem Aufzug steigen, ist der „Boden“ völlig anders. Genius. Woo war in der Lage, die Größe und das Ausmaß der Bedrohung zu bestimmen, der unsere Hauptfiguren ausgesetzt waren, und Sie geografisch so zu orientieren, dass es unmöglich gewesen wäre, wenn alles schnelle, aufeinanderfolgende Schnitte gewesen wären. Das einzig Enttäuschende an dem Schuss ist, wie abrupt er endet.
Gehen und reden • „Raising Cain“ (1992)
Bild über Universal
Diese ganze Liste könnte voll von wunderschön choreografierten sein Brian De Palma lange dauert; Er ist eine Art Meister. Und während es Momente gibt Carrie , Ausblasen und sogar seine zum Scheitern verurteilte Anpassung von Das Lagerfeuer der Eitelkeiten Sie könnten leicht darauf hinweisen, Leseköpfe haben einen unbesungenen Favoriten - den Moment in Kain erheben wann Frances Sternhagen besucht die Polizeiabteilung und spricht mit zwei Polizisten (einer von ihnen wird regelmäßig von De Palma gespielt) Gregg Henry ), die im Wesentlichen einen Nonstop-Expositions-Dump liefern, während die Charaktere durch ein Gebäude aus den 90er Jahren gehen. De Palma wusste, wie langweilig dies wahrscheinlich gewesen wäre, wenn es beispielsweise in einem Konferenzraum oder mit einer Reihe von schnellen Schnitten geliefert worden wäre, und inszeniert es daher als eine lange Walk-and-Talk-Sequenz, wie sie es machen würde Aaron Sorkin weine vor Neid. Die Aufnahme ist auf mehreren Ebenen beeindruckend, aber was hat mich am meisten beeindruckt, als ich sie mir noch einmal ansah, abgesehen von einem Moment, in dem die Schauspieler innehalten und in Richtung Kamera schauen, um zu bestätigen, dass diese Aufnahme lang ist und immer noch läuft ist, wie dicht die Sequenz besiedelt ist. Es gibt eine Menge Leute in diesem Gebäude, nicht nur die Hauptdarsteller, sondern Dutzende naturalistischer Statisten und einige Nebendarsteller gegen Ende der Szene. Dies geschah zu einer Zeit vor dem Nähen, als alles echt sein musste. Und es sagt etwas über De Palma als Filmemacher aus, der aus seiner Blütezeit herausgezogen war und etwas viel Bequemeres hätte versuchen können, dass er am Ende immer noch auf eine so künstlerisch und technisch ehrgeizige Weise den Umschlag drückte.
Der Spiegel • „Kontakt“ (1997)
Bild über Warner Bros.
Ich habe mehrere YouTube-Videos darüber gesehen, wie der Spiegel aufgenommen wurde Kontakt wurde gemacht und ich bin mir immer noch nicht ganz sicher, ob ich es verstehe. Und das ist Teil der Magie des Augenblicks. Die Aufnahme ist ein Rückblick auf die jüngere Version von Jodie Pflege Charakter (gespielt von Jena Malone ), dessen geliebter, inspirierender Vater ( David Morse ) bricht zusammen, so dass sie hektisch die Treppe ihres Hauses hinauf rennt und an einem Punkt zu Zeitlupe wird, was das Gefühl vermittelt, dass ihre Beine in Treibsand stecken (und uns dazu bringt, dass sie noch mehr aufsteht und geht). Sie kommt schließlich ins Badezimmer und öffnet den Medizinschrank, um seine Pillen zu holen. Als sie das Kabinett erreicht, zeigt sich, dass die gesamte Einstellung, die Bewegung, Zeitlupe und die Figur, die eine Treppe hinaufkommt, umfasst, im Spiegel des Kabinetts reflektiert wurde. Es ist absolut atemberaubend. Robert Zemeckis ist ein Regisseur, der von Natur aus mit dem technologischen Fortschritt Schritt gehalten hat (und in Kürze das Filmemachen mit Live-Action aufgeben würde, um mit Motion-Capture-Animationen zu experimentieren) Schuss. Aber die Knochen davon, die eigentliche Kameraarbeit und Bewegung, sind real. Und der technologische Aspekt mindert die Auswirkungen überhaupt nicht. Zemeckis, zumindest zu der Zeit ( Willkommen in Marwen verdammt sein), würde Technologie niemals nur als coolen Trick benutzen; es musste immer die emotionale Tiefe der Aufnahme oder Szene verstärken. Dies gilt definitiv für die Spiegelaufnahme, eine Handfertigkeit, die ich immer noch rätselhaft mache.
Das Fernsehstudio • „Magnolia“ (1999)
Bild über New Line Cinema
Schon seit Paul Thomas Anderson Atemberaubendes Debüt mit Harte Acht Er war schon immer in lange, ungebrochene Aufnahmen verliebt (in den letzten Jahren sind diese Aufnahmen statischer und weniger auffällig geworden). Es ist jedoch schwierig, die langen Aufnahmen einer ganzen Karriere auf einen einzigen Moment zu reduzieren. Glücklicherweise, Magnolie ist hier um zu helfen. Auf YouTube hat es jemand als 'The 135 Second Shot' bezeichnet, und es ist wahr - es ist wirklich lang. Aber das verringert auch einen Teil seiner Kraft. Es ist unglaublich kompliziert, zwei Charakteren zu folgen, wenn sie ein chaotisches Fernsehstudio betreten. Wenn die beiden Charaktere aufgeteilt werden, folgt die Kamera einem und trifft dann, huckepack auf einem Nebencharakter, wieder auf den anderen Hauptcharakter. Die Kamera schwebt nie herum, aus Gottes Sicht ist es sehr spezifisch, wen sie verfolgt und wo sie landet. Es orientiert uns geografisch, da der Fernsehsender (Heimat einer anderen zentralen Figur und einer Spielshow, die zu einem wiederkehrenden Motiv wird) von zentraler Bedeutung ist. Kritischer ist jedoch, dass es die Interkonnektivitätsthemen des Films und seine stilistischen Obsessionen verstärkt, einschließlich der Charaktere, die über einander sprechen, und der biblischen Plage, die sie alle zusammenbringen soll. Außerdem gibt es einen Verweis auf Corey haim 1996er Direct-to-Video-Stinker Abriss hoch , also hat der Schuss auch das zu bieten.
Orientierung • „Panikraum“ (2002)
Bild über Columbia Pictures
Tom Holland Tobey Maguire Andrew Garfield
Panikraum ist Regisseur David Fincher am meisten überkurbelt. Es gibt Aufnahmen, die so nah in eine Betonwand eindringen, dass Staubpartikel vibrieren, eine Einstellung, bei der der Boden wie in einem Cartoon verschwindet, um zu zeigen, was darunter vor sich geht, und bei der Zeitlupe am langsamsten und sanftesten eingesetzt wird denkbar. Aber wenn es eine Einstellung gibt, die einen Film übertrifft, der bereits voller Overkill ist, ist es die Einstellung, die herumzoomt Jodie Pflege Das luxuriöse New Yorker Stadthaus als Trio von Einbrechern versucht, Zutritt zu erhalten. Die Aufnahme ist physisch unmöglich - die Kamera rast durch die Griffe der Kaffeemaschine und in Schlüssellöcher -, aber sie wurde unter Verwendung von Elementen konstruiert, die während der gesamten Produktion aufgenommen wurden, einschließlich einer Reihe von Schauspielern, die für verschiedene Teile der Aufnahme da waren (wie Foster). Und für eine zusätzliche Aufnahme dient es einem Zweck des Erzählens - es gibt Ihnen den Grundriss des Stadthauses (angeblich basierend auf dem Autor) David Koepp ’S Zuhause in Manhattan), stellt die drei hereinkommenden Bösewichte auf und lässt Sie genau wissen, wie sie ins Haus gelangen können (und wie unsere Helden herauskommen können). Und es ist wirklich das Coolste. Es bereitet Sie richtig auf die Achterbahnfahrt vor, für die Sie sich gerade festgeschnallt haben. Es ist auch eine natürliche Entwicklung ähnlicher Aufnahmen, die er in erzielt hat Fight Club und ist super wichtig, weil es der letzte wirklich auffällige Fincher-Schuss seiner Karriere war (bis jetzt). Sicher, in seinen späteren Filmen gab es brillante Aufnahmen, die ebenfalls computergestützt wurden (die Top-Down-Aufnahme des Fahrerhauses in) Tierkreis kommt mir in den Sinn), aber sie waren viel kürzer und viel subtiler. Es gab nichts, was mich so ansah wie das Panikraum erschossen seit. In gewisser Weise ist es das Ende einer Ära.
Der Hammerkampf • „Oldboy“ (2003)
Bild über Tartan Films
Ein Mann. Unzählige Schläger. Ein einziger Hammer. Dies ist die Vorbereitung für den unvergesslichen Hammerkampf in Chan Wook-Park Meisterwerk (und das Herzstück seiner sogenannten Vengeance-Trilogie) Oldboy. Choi Min-sik spielt einen Mann, der zu Unrecht beschuldigt wird, seine Frau ermordet und 15 Jahre lang gewaltsam inhaftiert worden zu sein. Wenn er freigelassen wird, muss er herausfinden, welche finsteren Kräfte hinter seiner Inhaftierung stehen, und entwirren, warum er überhaupt wirklich weggesperrt wurde. Und außerdem muss er ein paar Schläger mit einem Hammer verprügeln. Anscheinend dauerte die Aufnahme drei Tage und wurde 17 Mal inszeniert. (Anscheinend ist das einzige künstliche Messer das Messer, das aus seinem Rücken ragt.) Der Schuss dauert so lange, dass er getrennte Bewegungen hat. Wenn Min-sik müde ist, sind die Schläger vorsichtig und wieder zurück. Wie eine Welle. Und abgesehen davon, dass es eine der coolsten Action-Sequenzen im modernen koreanischen Kino ist (keine Kleinigkeit), trägt es auch so viel dazu bei, Min-siks Charakter zu informieren. Dies ist jemand, der nicht aufhören wird, auch gegen scheinbar unmögliche Chancen. Es ist auch jemand, dessen Verstand in 15 Jahren Einzelhaft möglicherweise falsch verdrahtet wurde (hey, der Typ isst auch einen lebenden Tintenfisch!). Jetzt, wo er draußen ist, wird ihn nichts mehr davon abhalten, zur Wahrheit zu gelangen, selbst wenn die Wahrheit stimmt sehr hässlich. Wann Spike Lee neu gemacht Oldboy 10 Jahre später kopierte er die Hammerszene fast Schlag für Schlag, und später behauptete Lee, seine Version der Sequenz sei noch länger und beeindruckender, aber sie wurde von einem nervösen Studio abgeschnitten. Diese Aufnahme war eine Weile auf YouTube, wurde aber abgeschaltet. Sicher, es war beeindruckend, aber es war nicht so, als würde der Hammer kämpfen Oldboy und weggeblasen werden. Entschuldigung Spike.
Ein Besuch in der Oper • „Geburt“ (2004)
Bild über New Line Cinema
Es gibt eine Reihe von wunderschönen langen Aufnahmen in Jonathan Glazer Wird chronisch übersehen Geburt , einschließlich einer, die den Film öffnet und folgt Nicole Kidman Ehemann, als er im Schnee durch den Central Park rennt und tot umfällt. Aber der Schuss, der in mein Gehirn eingebrannt bleibt, findet statt, nachdem ein kleiner Junge Kidman erschienen ist und behauptet, die Reinkarnation ihres toten Mannes zu sein. Danach geht sie in die Oper. Und während die Oper weitergeht, startet die Kamera beim Publikum extrem weit und wird immer enger und enger, bis Kidmans Gesicht den gesamten Rahmen einnimmt und sie anfängt zu weinen. Es liegt an uns, zu entscheiden, was in ihrem Kopf vorgeht, obwohl es ziemlich offensichtlich ist, dass sie versucht, herauszufinden, ob dieses Kind ein Betrüger oder ein kluger Betrüger ist oder nicht, und was das bedeutet, wenn ihr Ehemann von der zurückgekehrt ist Grab in Form eines Jungen. Das ist viel zu überlegen. Und doch hat sie als Frau der High Society bestimmte Verpflichtungen. Wie die Oper. Es hilft auch, dass die Geburt selbst aufgrund der erstaunlichen Kamerabewegungen (sie wurde von den Verstorbenen aufgenommen) so operativ ist Harris Savides ) bis Alexandre Desplat Die alles verzehrende Partitur zur märchenhaften Natur der Geschichte, die die Opernkulisse perfekt macht. Und wenn Sie es noch nicht gesehen haben Geburt Lassen Sie dies eine perfekte Ausrede für Sie sein, um endlich zu sehen.
Autoangriff • „Kinder von Männern“ (2006)
Bild über Universal
Eine weitere Einstellung, die unglaublich schwer herauszufinden ist, selbst wenn Sie sich Aufnahmen hinter den Kulissen angesehen haben, ist die Verfolgungsjagd Kinder von Männern wo die Hauptfiguren (einschließlich Clive Owen und Julianne Moore ) werden von einem wütenden Mob aufgehalten. Die Komplexität des Schusses ist wirklich etwas - es gibt brennende Autos, eine Motorradjagd, Squib-Effekte (Spoiler-Alarm: Jemand schafft es nicht lebend aus dem Auto), Feuereffekte und einige sehr knifflige Manöver. Es ist ein absolut atemloses Filmemachen, das umso intensiver und beängstigender wird, als die Einstellung beginnt. Owen und Moore spielen ein Flirtspiel mit einem Tischtennisball (der Ball ist definitiv computeranimiert) und scherzen herum. Wie alles andere in Kinder von Männern Das Chaos bricht unerwartet und mit wenig Fanfare aus. Und es gibt noch mehr Spannung und Gefahr durch die Tatsache, dass Owen zu diesem Zeitpunkt in der Geschichte nicht weiß, dass ein anderer Passagier im Auto der letzte Mensch in dieser futuristischen Dystopie ist, der von Natur aus imprägniert wurde. Die Tatsache, dass sie genauso gut diejenige gewesen sein könnte, die die Kugel in den Hals bekommen hat, ist eine echte Möglichkeit und erschreckend.
Die Aufnahme wurde mit einem verrückten mechanischen Arm gemacht, der am Dach der Kamera befestigt war und sich bewegte, um in das Auto zu gelangen (wobei die gegenüberliegende Seite des Autos vollständig geöffnet war), aber selbst dann ist es schwer zu wissen, wie Alfonso Cuaron , Emmanuel Lubezki und der Rest des Teams hat es geschafft. (Möglicherweise gab es auch einige digitale Nähte. Schauen Sie sich die Straße zu Beginn und am Ende der Aufnahme an.) Wie auch immer er es getan hat, es ist ein Verkorker und würde die ebenso beeindruckenden Leistungen erbringen Schwere und Rom .
Die Panzerjagd • „Die Abenteuer von Tim und Struppi“ (2011)
Bild über Paramount
Nur weil eine Aufnahme vollständig animiert ist, ist dies nicht einfacher. (Überlegen Sie, wie viele außergewöhnlich lange Aufnahmen Sie in einem animierten, computergenerierten oder handgezeichneten Animationsfilm gesehen haben.) In Steven Spielbergs einzigem Animationsfilm ist sicherlich viel los. Die Abenteuer von Tintin . Die Sequenz ist eine aufwändige Verfolgungsjagd mit dem Detektiv Tim und Struppi ( Jamie Bell ) und sein versoffener Kumpel ( Andy Serkis ) den Bösewicht jagen ( Daniel Craig ) und ein paar äußerst wichtige Schriftrollen. In gewisser Weise fühlt es sich wie der ultimative Ausdruck von Spielbergs Liebe und Beherrschung des Einzelschusses an, der das erreicht, was mehrere andere, separate Schüsse normalerweise tun würden, nur dass er diesmal nicht von den Regeln der Physik, den Einschränkungen der Technologie oder der Länge belastet ist des Filmmagazins. Hier wurde Spielberg freigelassen. Aber anstatt völlig übertrieben zu sein, konzentriert er sich immer noch auf alle Charaktere (einschließlich der Momente, die sowohl einem Hunde- als auch einem Falkencharakter gewidmet sind) und folgt ihnen, während sie eine Straße entlang rasen, was dazu führt, dass sich Dämme öffnen und alles Mögliche Chaos entsteht (irgendwann wird ein Panzer beteiligt). Und genau dann, wenn Sie denken, dass die Sequenz vorbei ist, ist es läuft weiter , einschließlich eines Augenblicks, in dem ein Motorrad auf einer Telefonleitung zum Einrad wird. Es ist eine mutige Sequenz, die von Spielberg und den Zauberern von makellos umgesetzt wurde Peter Jackson Weta Digital, aber eine, die voller Charakter (Serkis feuert eine Panzerfaust in die falsche Richtung ab), Humor und Witz ist und die Freude am Lesen der originalen belgischen Comics verkörpert.
U-Bahn-Kampf • „Hanna“ (2011)
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Während die Liste der besten Long Shots einen Verweis auf enthält Joe Wright Inszenierung der Invasion in Dünkirchen über eine fortlaufende Aufnahme Sühne Wir gingen mit einem anderen Wright-Film und (nach unserer Einschätzung) einer noch beeindruckenderen langen Einstellung. In seinem Thriller Hanna Wright trat von strengen Stücken aus der Zeit zurück, um eine durch und durch moderne Spionagegeschichte zu inszenieren, behielt aber seinen technischen Klassizismus bei. Die fragliche Einstellung folgt Eric Banas verwittertem Ex-Spion, als er einen Flughafen verlässt und zu einer U-Bahn geht. Wenn er in die U-Bahn steigt, ist er von Schlägern umgeben (gesendet von Cate Blanchett als witziger CIA-Direktor), den er dann entsenden muss. (Sie haben keine Ahnung, was auf sie zukommt.) So viel modernes Action-Filmemachen, definiert durch Filme wie den äußerst einflussreichen Die Bourne Identität und seine Fortsetzungen werden durch schnelle Schnitte definiert, die eine Schießerei oder einen Faustkampf in etwas Abstraktes und Kubistisches verwandeln. Wrights Ansatz ist das Gegenteil, da er und der Kameramann Alwin H. Küchler Bewegen Sie die Kamera um Bana und halten Sie ihn immer im Bild, was ein großes räumliches Bewusstsein bietet und bedeutet, dass es keine Ausreißer gibt, wenn beispielsweise ein Idiot ein Messer aus seinem Hosenbund (oder etwas anderem) entfernt. Und während der Kampf selbst schnell und brutal ist (wie gut ist es, wenn Bana das Messer in diesen Kerl wirft?), Steigert das langsame Tempo des Schusses, der zum Kampf führt, da er Bana nur folgt, die Spannung und Intensität , insbesondere mit der Vorahnung des Graffitis hinter Bana, das auf die Videoüberwachung verweist, und der Werbung für Brillen mit zwei riesigen, sich abzeichnenden Augen. Sie schauen immer zu. Ein weiteres Element des Schusses, das ihn überlegen macht Sühne ist die Partitur britischer elektronischer Legenden Die chemischen Brüder . Ihre Musik trägt nur zur Intensität der Szene bei, manchmal klingt sie buchstäblich wie ein Alarm.
'Fick diesen Spiegel, wie du es meinst' • 'Magic Mike' (2012)
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Steven Soderbergh hat vor allem in den letzten Jahren gesagt, dass er keinen bestimmten Stil haben möchte; dass er fast unsichtbar sein möchte, um den Bedürfnissen der Geschichte gerecht zu werden, der er dient. Das ist natürlich unmöglich. Soderbergh ist einer der brillantesten Stylisten, die im Kino arbeiten, und seine Persönlichkeit kommt unabhängig vom Film zum Ausdruck (als hätte jemand anderes sie gemacht Ansteckung so wie er es tat). Magic Mike ist einer seiner schickeren Filme, von den genialen Titelkarten, die die Jahreszeit angeben, bis zu den fachmännisch fotografierten und choreografierten Tanznummern. Aber einer der besten Momente ist eine einzelne lange Einstellung, von der Sie vielleicht nicht einmal bemerkt haben, dass sie auch nur eine einzige Einstellung ist (da geht er wieder mit seiner Unsichtbarkeit). Es ist eine Sequenz, in der Matthew McConaughey , älterer männlicher Stripper Staatsmann, trainiert junges Geld Alex Pettyfer auf dem Weg der Verführung auf der Bühne. McConaughey spricht die ganze Zeit mit ihm, während andere Stripperinnen im Hintergrund trainieren, während er sowohl Pettyfer („Du siehst dich um, du neckst, du verführst“) als auch das Publikum anspricht, was durch die Nähe der Kamera zu den Schauspielern ermöglicht wird und wie McConaughey gelegentlich in die Kamera schaut (durch den Spiegel). McConaugheys Körperlichkeit ist elektrisch und die Kamera liebt ihn eindeutig. Es fühlt sich wie ein Vergnügen an, so viel Zeit in seiner Gegenwart zu verbringen. (Soderbergh schleicht sich auch in einen großen visuellen Witz ein, wenn McConaughey sich zurückzieht und wir ihn in der kleinsten Shorts sehen können, die jemals hergestellt wurde.) Die Aufnahme endet mit einer großartigen Dialoglinie, und die Nahtlosigkeit des Augenblicks wird durch die Tatsache unterstützt, dass Der Dialog von der Aufnahme beginnt, bevor die vorherige Szene beendet ist. Fast unsichtbar.
wie hängt split mit unzerbrechlich zusammen
Willkommen in Tomorrowland • „Tomorrowland“ (2015)
Bild über Disney
Dies ist eine weitere „gestickte“ Aufnahme, bei der mehrere verschiedene Aufnahmen zu einer nahtlosen Aufnahme kombiniert werden. Aber es ist so künstlerisch beeindruckend und technisch ehrgeizig, dass es die Einbeziehung verlangte. In der Aufnahme unser mutiger Held Casey ( Britt Robertson ) ist magisch gezappt nach Tomorrowland, einem alternativen Universum, in dem es an Unternehmensgier und politischer Spielkunst mangelt und ungezügelte Vorstellungskraft und technologische Fortschritte es zu einer glitzernden, futuristischen Utopie gemacht haben. Sobald sie transportiert wird, beginnt der Schuss und reist mit, während sie durch ein geschäftiges Stadtzentrum geht, an Bord einer schwimmenden Einschienenbahn geht und fast auf einem Raketenschiff abhebt (Ziel unbekannt). Direktor Brad Bird und Kameramann Claudio Miranda unter Verwendung eines größeren Boxer-Formats, das in den 1950er Jahren bevorzugt wurde (2,20: 1) und diese Sequenz in IMAX noch atemberaubender aussehen ließ. Was diese Sequenz bemerkenswert macht, ist, dass sich die Kamera ständig bewegt und dass Robertson zumindest für einen Teil der Aufnahme eindeutig an einem Ort ist; Anstatt die „Schnitte“ mit Bewegung zu maskieren, machte es die Aktivität der Kamera zweifellos schwieriger, die Sequenz miteinander zu verschmelzen. (Lieben Sie diesen Flip, mit dem auch die Aufnahme beginnt.) Und das ist natürlich das Compositing und die endlose Postproduktionsmagie von Industrial Light & Magic, einschließlich voll animierter Raumschiffe, Einschienenbahnen und einer Reihe von schwimmenden Schwimmbädern, durch die Sie tauchen können . (Das ist auch Space Mountain im Hintergrund!) Es gibt auch Dutzende von Extras, von denen einige einen Dialog haben und die alle perfekt abgestimmt und in ihrer Tomorrowland-Pracht ausgestattet sind (mit einer ausgesprochen zurückgeworfenen Atmosphäre). Und es ist alles bereit Michael Giacchino Pitch-perfekte Punktzahl. Die Antwort auf Morgen Land wurde entschieden gemischt, aber diese Einstellung ist ein unbestreitbarer Showstopper und ein Beweis für die grenzenlose Fantasie und den Einfallsreichtum, die Bird sicher einen Platz in Tomorrowland verschaffen würden. Will gehen?