Warum „La Jetée“ einer der großartigsten Zeitreisefilme ist
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Dieser experimentelle Kurzfilm bleibt eine der einzigartigsten Darstellungen von Zeitreisen.
der Mann von Onkel 2 Erscheinungsdatum
Seitdem H. G. Wells hat die Trope in seiner klassischen Geschichte von 1895 populär gemacht Die Zeitmaschine , Zeitreisen haben sich als einer der beliebtesten Spielplätze der Science-Fiction erwiesen . Es ist keine Überraschung, warum. Seine Prämisse gibt Autoren enorme Freiheit bei der Gestaltung ihrer Geschichten und ermöglicht einige fantasievolle Filme, auf die selbst traditionellere Einträge in diesem Genre nur hoffen könnten, und das alles in einem Genre, von dem das Publikum keine Anzeichen einer Ermüdung zeigt. Aus alternativer Geschichte wie Zurück in die Zukunft , zu Zeitschleifen wie Tag des Murmeltiers , von der Aktion wie Der Terminator , Komödie wie Bill & Teds ausgezeichnetes Abenteuer hat sich die Zeitreise als eines der vielseitigsten Subgenres im Film bewährt und Fernsehen . Es besteht kein Zweifel, dass es noch viele Jahre lang Wellen schlagen wird.
Aber trotz all ihrer Stärken gibt es keinen Zweifel, dass viele dieser Filme beginnen, einen Hauch von Vertrautheit zu haben. Wie oft haben wir gesehen, wie Charaktere in die Falle gerieten, weil sie denselben Tag immer und immer wieder wiederholten oder in der Vergangenheit einen ausgeklügelten Plan durchziehen mussten, um sicherzustellen, dass die Zukunft genau so abläuft, wie sie sollte? Es ist eine unglückliche Hürde, auf die alle Genres stoßen, und obwohl es immer noch Spaß macht, Charakteren dabei zuzusehen, wie sie aus der fernen Vergangenheit in die ferne Zukunft springen, hat man das Gefühl, dass viele dieser Filme einfach nur durchgehen. Und genau das macht das völlige Fehlen von Konventionen aus Der Pier eine der einzigartigsten (und großartigsten) Darstellungen von Zeitreisen.
Regie führte ein Avantgarde-Filmemacher Chris Marker , erzählt der Film die Geschichte eines namenlosen Gefangenen ( Davos Hanich ) in einem postapokalyptischen Paris nach dem Dritten Weltkrieg. Seine Besessenheit von einer vagen Vorkriegserinnerung an eine Frau ( Helene Chatelain ) zieht die Aufmerksamkeit einer Gruppe mysteriöser Wissenschaftler auf sich, die beschließen, dass er der perfekte Kandidat wäre, um ihr experimentelles Zeitreiseprogramm zu testen. Bald darauf wird er zu einem Schlüsselinstrument im Schicksal der Menschheit und reist sowohl in die Vergangenheit als auch in die Zukunft in der Hoffnung, ein Mittel zu finden, um die düstere Gegenwart zu retten. Und wie bei allen guten Science-Fiction-Geschichten ist nichts so einfach, wie es scheint. Aber trotz der spannenden Natur seiner Erzählung ist die Geschichte nicht das, was macht Der Pier Kopf und Schultern über anderen Einträgen in seinem Genre stehen, wobei der größte Erfolg aus der Präsentation dieser Geschichte stammt. Verzicht auf die Bewegungsillusion, die das Medium Kino ausmacht, Der Pier entscheidet sich dafür, seine eigene Kunstfertigkeit zu feiern, indem es fast ausschließlich aus Standbildern besteht. Während dies den Eindruck erwecken kann, eher wie eine Diashow als wie ein Film auszusehen, wird es in der Praxis zu einem genialen Werkzeug, das sich für eine der größten Synchronizitäten zwischen einer Geschichte und ihrem Geschichtenerzählen im gesamten Kino anbietet. Fast sechzig Jahre später Der Pier bleibt unübertroffen in seiner Herangehensweise an das Thema, und es ist höchste Zeit, dass sich andere Filme daran erinnern, dass die Form genauso wichtig ist wie der Inhalt selbst.
Grundsätzlich geht es beim Film um die Manipulation der Zeit. Während wir in den düsteren Grenzen der Realität über den Lauf der Zeit nichts zu sagen haben, ist die fabrizierte Umgebung eines Films eine ganz andere Erfahrung. Plötzlich hat ein Regisseur die Kontrolle über das Unkontrollierbare, und damit kommt alles, was das Kino zu dem künstlerischen Irrenhaus macht, das es ist. Mit nur einem einfachen Schnitt können Minuten, Stunden und sogar Jahrzehnte vergehen, und die Bandbreite an Schnitttechniken, auf die Regisseure zurückgreifen können, ermöglicht eine vollständige Beherrschung des Konzepts. Außer natürlich, dass alles nur clevere Showmanier ist. Auf seine Grundfesten reduziert, besteht der Film lediglich aus vierundzwanzig Standbildern pro Sekunde, wobei jede Wahrnehmung tatsächlicher Bewegung nichts weiter als ein Trick des Gehirns ist. Das ist warum Michael Hanke synchronisierter Film als „ 24 Lügen pro Sekunde im Dienst der Wahrheit “, ein Zitat, das den Wert von Filmemachern des Jahrhunderts zusammenfasst, die versucht haben, einen Sinn in etwas zu finden, das im Wesentlichen nur eine großartige Erweiterung einer PowerPoint-Präsentation ist. Aber genau diese Illusion macht das Kino zu einem der mächtigsten künstlerischen Ausdrucksmittel La Jetées Die Erforschung dieser Grundprinzipien macht sie zu einer so faszinierenden Uhr.
Es ist unmöglich, darüber zu sprechen Der Pier ganz zu schweigen von seinem einzigartigen Aussehen. Die Verwendung von Standbildern anstelle von Full-Motion-Videos verleiht dem Film eine sofort abstoßende Ästhetik, an die sich die Zuschauer gewöhnen müssen. Einige Leute mögen den Film nur auf dieser Grundlage abtun und ihn als nichts anderes als einen Autorenfilmer sehen, der unnötig mit dem Medium experimentiert, zum Nachteil seiner eigenen Geschichte, aber die Wahrheit ist weitaus komplexer. Zunächst einmal ist es kein Zufall, dass in einem Film, in dem die Erinnerung an eine Frau, die auf einem Steg steht, zum zentralen Bild wird, das sowohl das Leben unserer Hauptfigur definiert, als auch zu der einzigartigen Sache wird, die die gesamte Menschheit retten könnte, der Rest des Films bestehen sollte von nur statischen Bildern, die das Gefühl eines halberinnerten Traums hervorrufen. Es schafft eine sofortige Verbindung zwischen dem Mann und dem Betrachter, dient aber auch als Meditation darüber, wie unsere eigenen Erinnerungen funktionieren. Fragmente sind oft alles, was uns nach einem Ereignis übrig bleibt, und La Jetées Stop-Motion-Look fängt dieses Gefühl perfekt ein. Ähnlich wie wenn wir über unsere eigene Vergangenheit nachdenken, wird der Zuschauer gezwungen, sich das Verbindungsgewebe zwischen den einzelnen Einstellungen vorzustellen, was ihn zu einem aktiven Teilnehmer an der Geschichte macht, wie es nur wenige Filme nachbilden können. Die Tatsache, dass Marker dies einfach tun kann, indem er die Länge jedes Frames verlängert, ist unglaublich und springt jeweils von einer 24stel Sekunde auf einige Sekunden. Es ist bemerkenswert, dass eine so kleine Änderung unsere Perspektive auf das Medium komplett verändert, auch wenn der Rest des Films noch allen anderen Konventionen des Formats folgt. Die längere Länge jeder Aufnahme ermöglicht es dem Betrachter auch, vollständig in die Aufnahmen selbst einzutauchen, mit viel Zeit, um dank Markers makellosem Rahmen jeden Tropfen Informationen aufzunehmen. Jede Aufnahme vermittelt etwas Wichtiges, wobei Marker alle trivialen Details herausschneidet, bis es unmöglich wird, auch nur ein einziges Bild aus der Gleichung zu entfernen. Der Glaube, dass jedes Bild zählt, ist im Film weit verbreitet, aber noch nie war er so genau wie hier.
Die Verwendung von Standbildern verleiht dem Film auch einen ziemlich unheimlichen Ton, perfekt für etwas, das nach einem globalen Krieg stattfindet. Die zerstörten Gebäude und zerfallenen Statuen von Paris wirken noch gespenstischer, wenn sie in völliger Stille präsentiert werden, eingefroren in der Zeit, als ob diese wenigen Bilder die einzigen Aufzeichnungen sind, die wir von ihnen haben. Die Schwarz-Weiß-Fotografie, kombiniert mit dem exzellenten Produktionsdesign und den Kostümen, verleiht dem Setting eine unangenehme Stimmung, die eher einem Horrorfilm als Science-Fiction ähnelt. Die Weigerung, Full-Motion-Video zu verwenden, selbst wenn der Film in andere Perioden wechselt, erweckt den Eindruck, als würde die Gegenwart in andere Zeiten übergehen und den Zuschauer und seine Charaktere fest in einer Einstellung festhalten, auch wenn sie ständig herumspringt. Der Betrachter wird gezwungen, dem Leblosen Leben einzuhauchen, ein Gefühl, das die düstere Welt, die Marker geschaffen hat, zusammenfasst. Die Apokalypse hat sich noch nie so leer angefühlt.
Auch jenseits der technischen Errungenschaften des Films bleibt die Geschichte selbst eine der fesselndsten des Genres. La Jetées Die kurze Länge (die nur 28 Minuten dauert) zwingt Marker, alle außer den wichtigsten Elementen zu entfernen, wodurch der Film ein Maß an punktgenauer Fokussierung erhält, das ausreichen würde Steven Söderbergh neidisch. Anstatt sich in den praktischen Aspekten von Zeitreisen zu verlieren, entscheidet sich der Film für eine Welt, in der solche Dinge einfach existieren, und vertraut darauf, dass das Publikum mitmacht, wodurch der Fokus auf dem Aufruhr seines Protagonisten bleibt, der sich mit der Rettung von a auseinandersetzt Welt, die ihm egal ist, während er in eine Frau verliebt ist, die er nicht haben kann. Die Tragödie untermauert die gesamte Erzählung, beginnend mit dem trostlosen Bild eines zerstörten Paris, dessen großartige Architekturwerke in Schutt und Asche gelegt wurden, und dann weiter mit einer Figur, die so emotional von der Gegenwart losgelöst ist, dass er nur in der Erinnerung an eine Frau Trost finden kann, die ist längst tot. Seine Teilnahme als Versuchskaninchen für das Zeitreiseprogramm erweist sich als entscheidend für die Rettung der Menschheit, dient aber nur dazu, sein eigenes Unglück hervorzuheben, da er gezwungen ist, sein idyllisches Leben immer wieder neu zu erleben, nur um es am Ende jedes gewaltsam weggerissen zu bekommen Prüfung. Seine Versuche, die Zukunft für seine eigenen persönlichen Bedürfnisse in Anspruch zu nehmen, erweisen sich für alle Beteiligten als düster und zeigen, wie wenig Entscheidungsfreiheit er im großen Plan der Dinge hat. Egal wie sehr er versucht, einen Sinn in der ruhigen Vergangenheit oder der optimistischen Zukunft zu finden, er kann seiner Gegenwart niemals entfliehen, einem düsteren Ende, das den Zuschauern auch eine harte Warnung bietet. Die Tatsache, dass Marker in der Lage ist, eine komplette Geschichte in kürzerer Zeit als die durchschnittliche Länge einer Fernsehsendung zu erzählen und dabei mehr über die Liebe und die Kraft der Erinnerung zu sagen als die meisten Filme mit dreifacher Laufzeit, zeigt das Können der meisten Filmemacher kann nur träumen.
Aber die Geschichte ist nur die Hälfte von dem, was macht Der Pier das Meisterwerk, das es ist, und wenn es in einem traditionelleren Format präsentiert würde, hätte es an der Wirkung gefehlt, die es sonst hat. Das lässt sich perfekt veranschaulichen in Terry Gilliam 's 12 Affen , ein Film, der als verherrlichtes Remake dient Der Pier mit stark erweiterter Laufzeit und Budget. Wenn es als eigenständiges Produkt betrachtet wird, ist es ein absolut solider Science-Fiction-Film, der einige faszinierende Fragen über das Gedächtnis aufwirft und wie es unsere Wahrnehmung der Realität beeinflusst (alles unterstützt durch Brad Pitt liefert eine seiner größten Leistungen als Jeffrey Goines), aber im Vergleich zu seinem Vorgänger ist es schwer, das Gefühl abzuschütteln, dass Sie nur die verwässerte Hollywood-Version für Leute sehen, die nicht bereit sind, etwas durchzustehen, das es sogar wagt, mit dem Medium zu experimentieren. Der Pier mag eine Eintrittsbarriere haben, aber seine kurze Länge und fesselnde Geschichte machen es zu einem der größten Einstiegspunkte in die Welt des Arthouse-Kinos und bietet gleichzeitig eine der einzigartigsten Darstellungen von Zeitreisen, die jemals in einem Film gezeigt wurden. Es ist eine wichtige Erinnerung daran, dass die Geschichte bei weitem nicht der einzige Aspekt eines Films ist, wobei die Präsentation ein ebenso wichtiges Element des Endprodukts ist. Was Chris Marker erreicht hat Der Pier ist geradezu erstaunlich, mit der Synergie zwischen diesen beiden Seiten, die perfekt zusammenkommen. Andere Zeitreisefilme mögen ihm gefolgt sein, aber keiner hat einen solchen Eindruck hinterlassen wie dieser.